Kunst - ein Kinderspiel?

„Das soll Kunst sein? Das hätte doch auch mein Kind machen können“. Wie oft haben Sie sich diesen Gedanken angesichts eines abstrakten Gemäldes gemacht? Diese Frage ist gar nicht so harmlos. Denn das Kind hat die moderne und zeitgenössische Kunst maßgeblich beeinflusst. Gehen wir also zurück zum Anfang der Geschichte des Kindes und der Kunst…

Die Darstellung des Kindes in der Kunst geht auf das Mittelalter zurück. Damals waren Kinderdarstellungen selten und beschränkten sich rein auf Jesus. Kurz darauf beschäftigen sich die Künstler mit dem Kindkönig, der oft als Erwachsener in Miniaturform dargestellt wird.

Von Amor bis zum Kind

In der Renaissance und im 18. Jahrhundert, z. B. bei Rubens und Rembrandt oder in der Barockkunst, werden Kinder manchmal als Amor dargestellt. Im 18. Jahrhundert wird das Kind mehr als eigenständiges Wesen wahrgenommen. Es wird immer häufiger dargestellt, vor allem in der Genremalerei. Als die Rolle des Paares und der Familie immer wichtiger wurde, zögerten die Maler nicht mehr, Porträts zu malen, auf denen sich Eltern und Kinder zärtlich umarmen.

Die impressionistischen Maler wie Claude Monet, Berthe Morisot, Edouard Manet, Renoir und sogar Cézanne wollten eine glückliche, behütete und freie Kindheit darstellen.

Aber nicht alle Kinder erleiden das gleiche Schicksal und das Gesetz zum Schutz von Minderjährigen und zur Verhinderung von Misshandlungen vom 10. Juli 1889 ist noch nicht aktuell. Einige Maler veranschaulichen daher auch diese Zeit, in der verlassene Kinder gezwungen sind, Straßenverkäufer zu werden oder sich sogar zu prostituieren.

Kinderzeichnungen als Inspirationsquelle

Im 20. Jahrhundert, zu einer Zeit, als der Primitivismus aufblühte und zu Beginn des 21. Jahrhunderts wird der Kindheit ein beispielloser Platz in der westlichen Kunstgeschichte eingeräumt. Die Avantgarde-Künstler begannen, Kinderzeichnungen besondere Aufmerksamkeit zu schenken. Während Matisse misstrauisch bleibt, greift Dubuffet diese kindliche Art zu malen auf. Diese ist der „Art brut“ nicht ganz fremd, mit der er die Produktionen von Menschen bezeichnet, die frei von künstlerischer Kultur sind. 

Für Picasso, der auf der Suche nach einer Bildsprache war, die mit dem akademischen Realismus brach, war die Wiederentdeckung der primitiven oder kindlichen Geste eine Möglichkeit, die Emotionen, die er empfand und die er beim Betrachter auslösen wollte, getreulich darzustellen. Der Maler, der schon in jungen Jahren die Techniken des Malens und Zeichnens beherrschte, entlehnt der kindlichen Zeichnung ihre antikonformistischen Linien. Er möchte eine neue plastische Sprache entwickeln. Picasso erinnerte sich an die Kinderzeichnung weniger wegen ihrer Frische und Unbeholfenheit als vielmehr wegen ihrer Neigung zu Verzerrungen und Missbildungen.

Als Picasso eine Ausstellung von Kinderzeichnungen besuchte, soll er gesagt haben: „Als ich in ihrem Alter war, zeichnete ich wie Raphael, aber ich brauchte ein ganzes Leben, um zu lernen, wie sie zu zeichnen“. Diese Ansicht deckt sich letztlich mit der von Matisse, der sagte: „Nichts ist für einen wahren Maler schwieriger, als eine Rose zu malen, denn um das zu tun, muss er zuerst alle gemalten Rosen vergessen“. Letzterer, Van Gogh, Gauguin und die Fauves suchen ihrerseits in der Kinderzeichnung die Naivität einer Geste, die noch nicht von den durch Erziehung und allgemein durch die Kultur vermittelten Konventionen beeinflusst ist.

Mit dem Aufkommen der Pop-Art entweihten die Künstler das Kunstwerk und verwendeten populäre Symbole, darunter Comics und Kindheitshelden.

Ab 1947 gab Jackson Pollock die Gegenständlichkeit auf. Er weiht eine neue Technik ein, bei der die Farbe direkt aus dem Topf geschüttet wird. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine zufällige Kunst. Vielmehr steuert Jackson Pollock die Flüssigkeit und die Dicke der Linien („Pouring“) oder das Abtropfen der Farbe („Dripping“). Die Einzigartigkeit seiner Technik rührt auch daher, dass er die Leinwand von der Staffelei löst und sie auf den Boden legt. Um sein Werk zu vollenden, umkreist er dann die Leinwand, wobei er Stöcke und Werkzeuge verwendet und deren Geschwindigkeit und Ausrichtung verändert, um den Aufprall der Farbe auf der Leinwand zu kontrollieren. Seine Gemälde sind die Signaturen seines Geistes. Das Werk ist für den Künstler die Darstellung der Aktion des Körpers auf der Leinwand und nicht ein Bild.

Dieses Beispiel zeigt letztlich, dass abstrakte Werke in Wirklichkeit das Ergebnis echter Überlegungen und des Wunsches der Künstler sind, sich von Regeln zu befreien. Aber um sich von den Regeln zu befreien, muss man sich ihrer bewusst sein. Aus diesem Grund kann abstrakte Kunst manchmal wie die Kritzeleien eines Kindes aussehen, das jedoch nur den ästhetischen Aspekt eines Kunstwerks wiedergeben kann, nicht aber seine Grundlage. Denn der künstlerische Wert eines Werkes ist auch seine Botschaft und manchmal auch die Kritik, die damit einhergeht. 

Von ästhetisch bis wissenschaftlich

Die zeitgenössische Kunst beschränkt sich nicht auf die Ästhetik kindlicher Kunst, sondern hinterfragt die Unschuld der Kindheit, ihre Träume und Schattenseiten. Eine Frage, die insbesondere 2018 im Palais de Tokyo im Rahmen einer der Kindheit gewidmeten Ausstellung gestellt wurde. In der Zwischenzeit haben Psychologen, Prähistoriker und Anthropologen die Rolle der Künstler übernommen. Ihre Interessen sind zwar unterschiedlich – sie wollen die Kindheit wiederfinden oder sie verstehen -, aber sie ergänzen sich dennoch. Yayoi Kusama hat das verstanden und in ihrem „Obliteration Room“ an den Erfindungsgeist der Kinder appelliert, indem sie ihnen Tausende von bunten Gummibärchen gab, die sie aufkleben konnten, wo sie wollten. Wir bezweifeln jedoch, dass ihre Eltern zu Hause über diesen Kreativitätsschub staunen würden!