Le Land Art est un courant artistique développé aux Etats-Unis dans les années 60. Sous l’influence d’un groupe d’artistes rejetant la commercialisation de l’art, il souhaite échapper aux rouages du marché de l’art. Les artistes se servent uniquement de matériaux naturels, rendant l’exposition dans les traditionnelles galeries impossibles. Comme le Minimalisme, le Land Art a eu pour conséquence de remettre en question la façon dont nous regardons à la fois l’art et la nature.
«Qu’il s’agisse d’art, d’architecture ou de mémoriaux, je me suis rendu compte que tout mon travail est intimement lié au paysage naturel qui nous entoure», partage l’artiste Maya Lin. Avec les montagnes de la vallée de l’Hudson en arrière plan, cette oeuvre au parc de sculptures Storm King à New York est composée de vagues vertes. Elles semblent tout a fait naturelles, comme si ces ondulations se produisaient naturellement sur terre, comme une surface aquatique. Vue d’en haut, Wave Fields prends une forme assez différente. L’expérience de visiter cette oeuvre en personne révèle sa hauteur, qui s’étend jusqu’à quatre mètre de haut parfois. Cette oeuvre de land art et son échelle grandiose sont censées imiter les vagues de l’océan, produisant un effet totalement dépaysant.
Parmi les artistes les plus célèbres du land art figurent Christo et Jeanne Claude. Ce duo inoubliable a profondément changé la vision du rapport entre une oeuvre et son public. Interagir avec l’art, que ce soit par l’habillage du Pont Neuf à Paris ou des Floating Piers au Lac Iseo, est obligatoire. Ces artistes ont toujours eu une préférence pour l’éphémère, limitant habituellement la durée de leurs expositions à deux semaines. Par contre, l’impact de leurs installations a été incommensurable. Cela a été le cas pour The Umbrellas, un des premiers exemples de land art, parcourant les États-Unis et le Japon. 3100 parapluies jaunes et bleus ont été installés à Ibaraki et en Californie, pour démontrer que ces deux endroits lointains n’étaient pas si différents qu’on pourrait l’imaginer.
Au centre du mouvement du Land Art, l’artiste britannique Richard Long puise son inspiration dans ses promenades dans la nature. Son travail se trouve maintenant dans plusieurs collections permanentes, notamment à la Tate et à travers le monde. Avec une pièce comme Stoneline, il est facile de voir l’approche conceptuelle de l’artiste vis-a-vis du Land Art. Cette sculpture linéaire en ardoise présente un contraste entre le matériau naturel et l’espace artificiel, intérieur où elle se trouve. Les œuvres de Long ne sont généralement pas «gravées dans la roche» comme celle-ci, car la plupart de son land art est temporaire et en extérieur.
L’Utah et ses déserts sont naturellement somptueux, mais les œuvres de land art de Nancy Holt le soulignent d’autant plus. Les Sun Tunnels ne sont pas de taille monumentale, mais ils peuvent radicalement changer votre perspective. Avec la perception et le positionnement en tête, Holt crée ces tunnels de ciment perforés, affichant leur propre cosmogonie lorsque le soleil les frappe. C’est une expérience pas comme les autres, qui rappelle la beauté incontestable de l’environment.
Andy Goldsworthy possède une vision unique du Land Art, se limitant principalement aux matériaux qu’il trouve sous la main. Par cette approche, l’artiste ne doit plus distinguer l’œuvre de son environnement immédiat. Son œuvre de Land Art intitulée Out early morning calm se sert de tiges enfoncées au fond d’un lac, pour former une structure en miroir. Les propriétés naturelles de l’eau permettent à Goldsworthy de créer des œuvres éphémères. Cet artiste démontre le potentiel illimité de la nature et des idées de Land Art.
Près d’Almere, aux Pays-Bas, la Cathédrale Verte est un jardin d’inspiration architecturale. Marinus Boezem, l’artiste derrière cette œuvre, imite la structure de la cathédrale Notre-Dame de Reims avec 178 peupliers, qu’il plante en 1987. Depuis, l’œuvre de land art a grandi, au sens littéral du terme, pour atteindre environ 150 mètres de long et 30 mètres de haut. À mi-chemin entre œuvre d’art et forêt, la Cathédrale Verte remet en question la définition même de ce que peut être un Land Artist.
Il a fallu quatre mois pour que Jean Vérame peigne vingt-neuf des massifs du désert du Tibesti. En 1989, l’artiste du land art n’était pas encore vu comme tel, souvent décrit comme « inclassable » à la place. Ses tableaux n’était pas accrochés aux murs des galeries ou à vendre à des prix exorbitants. Au contraire, ils existaient simplement pour exister, en tant que symbole de l’existence humaine et de notre passage sur notre terre. Inspiré des mythes anciens, Verame espérait que ces montagnes peintes seraient également capable d’apporter la paix à la région.
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