Tracey Emin : A Second Life à la Tate Modern

À la Tate Modern, A Second Life consacre à Tracey Emin la plus vaste rétrospective de sa carrière. Entre aveux, cicatrices et renaissance, l’artiste transforme sa biographie en manifeste radical sur le corps, la douleur et la survie.

Entrer dans la mémoire d’une artiste

A Second Life ne se visite pas : elle se traverse. Du 12 février au 26 mai 2026, la Tate Modern consacre à Tracey Emin une rétrospective d’une ampleur rare, réunissant plus d’une centaine d’œuvres – peintures, vidéos, sculptures textiles et installations – pour retracer plus de trente années de création. Plutôt qu’une chronologie, le parcours esquisse un autoportrait éclaté : fragments d’amour, de traumatisme et de rémission, entre introspection et renaissance.

Au cœur de A Second Life

Au centre du parcours, My Bed (1998) apparaît comme un pivot émotionnel. Ce lit défait, entouré de bouteilles, de cendres et de sous‑vêtements, jadis perçu comme la quintessence du scandale, devient ici le point de départ d’un langage de la vulnérabilité assumée. Non loin, la vidéo Why I Never Became a Dancer (1995) revient sur son adolescence à Margate et installe le ton biographique de l’exposition, entre humiliation, désir de fuite et affirmation de soi.

L’exposition fait aussi une place à des pièces textiles emblématiques, comme Mad Tracey from Margate: everybody’s been there, où mots cousus, souvenirs et déclarations se mêlent en un patchwork de mémoire. Plus loin, des sculptures récentes marquées par l’expérience de la maladie – telles que Ascension – donnent corps à cette « seconde vie » : le corps y apparaît blessé mais debout, comme s’il refusait de disparaître. Ensemble, ces œuvres jalonnent un récit où chaque salle devient une étape d’exorcisme et de reconstruction.

Tracey Emin, My Bed, 1998. Installation présentée à la Tate Modern. Courtesy of The Saatchi Gallery, London.

Du scandale à la rédemption

Plus que jamais, Tracey Emin y manie la confession comme un matériau plastique.

« Chaque œuvre que je fais est la preuve que j’ai survécu », confie‑t‑elle

– une phrase qui résonne dans tout le parcours comme un manifeste. Ses toiles d’aujourd’hui, dépouillées et lumineuses, témoignent d’une autre radicalité : celle de la sérénité retrouvée, où la couleur et la ligne semblent hésiter entre apparition et effacement.

Tracey Emin, The End of Love, 2024 – Credit: Tracey Emin

L’intime devenu institution

En consacrant cette exposition, la Tate Modern reconnaît l’impact durable d’une artiste qui, autrefois marginalisée, incarne désormais une forme de sincérité nécessaire dans l’art contemporain britannique. Là où son œuvre dérangeait par sa crudité, elle émeut désormais par sa justesse. Les salles, volontairement épurées, laissent la place à une émotion presque physique : la vulnérabilité transformée en puissance.

A Second Life n’est donc pas seulement une rétrospective ; c’est une traversée. Celle d’une artiste qui continue de faire de sa vie un espace d’expérimentation et d’affirmation. Car chez Tracey Emin, tout est affaire de présence : même au bord de l’effacement, elle demeure, vibrante, libre et inaltérée.

Tracey Emin, Why I Never Became a Dancer, 1995 – Installation shot of Tracey Emin: A Second Life Tate Modern. Photo © Tate (Yili Liu). © Tracey Emin

Conclusion

Adolescente à Margate — comme elle le raconte dans sa vidéo Why I Never Became a Dancer (1995) — elle est humiliée sur une piste de danse et rêve de partir. Trente ans plus tard, c’est à la Tate Modern que son histoire s’écrit en grand format. A Second Life a peut-être quelque chose de cela : la revanche silencieuse d’une jeune fille devenue figure majeure de l’art britannique. Chez Tracey Emin, la mémoire n’efface rien — elle transforme.