Seit Mitte des 20. Jahrhunderts sind die Vereinigten Staaten und somit amerikanische Künstler führend auf dem Kunstmarkt. Die Verleihung des ‚Golden Lion‘ an den Amerikaner Rauschenberg auf der Biennale von Venedig 1964 zeugt von der Veränderung der Primärstellung von der Pariser Schule hin zur New Yorker Schule. Heute ist der „Big Apple“ neben seinen Museen mit den renommiertesten Sammlungen auch die Stadt mit den meisten Galerien. Mehr als 100.000 Künstler haben sich in New York niedergelassen und nutzen die Möglichkeit, ihr Glück bei mehr als 1.500 Galerien zu versuchen. Die amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts waren die Katalysatoren der modernen und zeitgenössischen Kunst. Artsper stellt Ihnen 10 der berühmtesten von ihnen vor!

Die Vordenker der modernen Kunst

Edward Hopper (1882-1967): Zwischen Realismus und Symbolismus des American Way of Life

Er war der Maler des urbanen Amerikas zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Indem er seinen Darstellungen des Alltags eine mystische Atmosphäre verlieh, gelang es Edward Hopper, auch die harmlosesten Motive zu sublimieren. 

Der in New York geborene Künstler ließ sich zunächst zum Illustrator ausbilden, bevor er an einer Malschule studierte. In den frühen 1900er Jahren reiste er mehrmals nach Europa, wo er ein größeres Interesse für die Impressionisten, wie Monet und Degas, als für die kubistischen Avantgardisten seiner Zeit hatte. Anstelle abstrakter Darstellungen bevorzugte Hopper naturalistische Darstellungen zeitgenössischer Landschaften und Bräuche. Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten begann der Künstler eine Karriere als Werbegrafiker, bevor er schließlich beschloss, sich ganz der Malerei zu widmen.

In der Zwischenkriegszeit erlangt er ein gewisses Ansehen. Als leidenschaftlicher Architekturmaler fertigt er zunächst Aquarelle von Mansardenhäusern aus dem 19. Jahrhundert an, die von Sammlern sehr geschätzt werden. Er bevorzugte Sonnenauf- und -untergänge, was seine Vorliebe für die Darstellung von Variationen in der Leuchtkraft verdeutlicht und in Anlehnung an die Impressionisten malte er Gebäude zu verschiedenen Tageszeiten.

Später porträtierte er die sich wandelnde amerikanische Gesellschaft und gilt heute als einer der Hauptvertreter des amerikanischen Realismus. Von seinen Szenen geht immer eine gewisse Melancholie aus. Im Werk Nighthawks wird sie durch die Einsamkeit der Figuren verkörpert, die isoliert und still sind. Sie ist auch ein Zeichen der Nostalgie für ein vergangenes Amerika, das ebenso urbanisiert wie individualisiert ist. 

Als wertvoller Zeuge seiner Zeit gelingt es ihm, die in der Schwebe befindliche Zeit auf seiner Leinwand zu verewigen. Die Theatralik seiner Kompositionen, die durch einen starken Kontrast zwischen Schatten und rohem Licht erreicht wird, wird eine Inspirationsquelle für die fotografische und kinematografische Welt sein.

Man Ray (1890-1976): Vom Dadaismus zum Surrealismus

Maler, Zeichner, Regisseur, Designer… Dieser Künstler, dessen Werke auf Artsper verfügbar sind, ist vor allem als Fotograf der Surrealisten bekannt.

Nach einem Studium des Industriedesigns lehnte er den Besuch einer Architekturschule ab, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als er sich Anfang der 1910er Jahre in New York niederließ, besuchte er die Galerie „291“ von Alfred Stieglitz. Stieglitz machte ihn mit der Technik der Fotografie und vielen Künstlern der europäischen Avantgarde bekannt. Im Jahr 1913 nahm er an der Armory Show teil. Dies war die erste internationale Ausstellung moderner Kunst, die Vertreter des Fauvismus, Kubismus und Futurismus zusammenbrachte.

Anschließend zu seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1915 schloss er sich der Dada-Bewegung an. Diese intellektuelle, literarische und künstlerische Bewegung entstand als Reaktion auf die Absurdität des Ersten Weltkriegs und zeichnete sich durch eine radikale Ablehnung der politischen, sozialen und ideologischen Werte der Gesellschaft aus. In dieser Zeit begann er mit der Fotografie zu experimentieren.  

Im Jahr 1921 verließ er Amerika und ging nach Paris, wo er seine Forschungen fortsetzte und durch Zufall eine neue fotografische Technik entdeckte: die „Rayographie“. Indem er ein weißes, lichtempfindliches Papier dem Licht aussetzt, werden die nicht von Gegenständen bedeckten Stellen geschwärzt. So entstehen Darstellungen mit spektralen Formen, die traumhafte und geheimnisvolle Landschaften darstellen, in denen alltägliche Gegenstände transzendiert werden. Gleichzeitig engagiert er sich in der surrealistischen Bewegung, an der er ab 1925 an allen Ausstellungen teilnimmt.

1929 lernt er Lee Miller kennen, die seine Geliebte und Assistentin wird. Gemeinsam nutzen sie das ästhetische Potenzial der Solarisation, eines fotografischen Verfahrens, bei dem ein Foto zu früh belichtet wird. Auf diese Weise werden die Zonen der Dunkelheit und der Helligkeit vertauscht.

Unter den bedeutendsten amerikanischen Künstlern der Kunstgeschichte ist er derjenige, der die Kunst der Fotografie revolutioniert hat!

Norman Rockwell (1894-1978): Der Hyperrealismus des amerikanischen Geschichtenerzählers

Norman Rockwell, bekannt für seine Illustrationen für Zeitschriften, zeichnet in seinen Werken die Geschichte der Vereinigten Staaten von der Zwischenkriegszeit bis zur Nachkriegszeit nach.

Seit seiner Kindheit vom Zeichnen fasziniert, wurde er im Alter von 16 Jahren an der American Academy of Design in New York aufgenommen. Danach besuchte er ein zweites Mal die Art Students League, eine renommierte Schule für bildende Kunst. Noch bevor er die Volljährigkeit erreichte, gaben Jugendzeitschriften seine ersten Illustrationen in Auftrag.

Das Jahr 1922 markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere. Er malte sein erstes Titelbild für die berühmte Zeitung The Saturday Evening Post. Es folgte eine 47-jährige Zusammenarbeit, in der Rockwell 321 weitere Titelbilder schuf. In einem realistischen, fotoähnlichen Stil porträtierte er das tägliche Leben der amerikanischen Mittelschicht, immer mit Freundlichkeit und manchmal mit Humor. Auf diese Weise wird er mit der amerikanischen Regionalismusbewegung in Verbindung gebracht.

Während des Zweiten Weltkriegs bekräftigen seine Illustrationen seine Beteiligung an den Kriegsanstrengungen. Inspiriert durch die Rede von Präsident Roosevelt schuf er 1943 eine Serie von vier Gemälden mit dem Titel ‚The Four Freedoms‘. Die Rede von Franklin Roosevelt sollte die Moral der Amerikaner stärken, indem sie eine bessere Zukunft ankündigte. Diese sollte auf den Menschenrechten und vier Freiheiten beruhen: Redefreiheit, Religionsfreiheit und Freiheit von Angst und Not. Der Maler entschied sich dann, diese vier Konzepte in Szenen des täglichen Lebens zu übertragen. Er wollte den Amerikanern zeigen, dass es sich nicht nur um abstrakte Ideale handelt.

In den folgenden Jahren, als der Erfolg dieser vier Bilder ihn sehr populär machte, gingen seine Aufträge zurück. Die Zeitungen begannen nämlich, die Fotografie den Pressekarikaturen vorzuziehen. Dennoch wird er sich bis zu seinem Lebensende mit seiner Kunst für die Anliegen einsetzen, die ihm am Herzen liegen: Bürgerrechte, Kampf gegen Rassentrennung, Armut und Krieg. Er war einer der amerikanischen Künstler seiner Zeit, die sich am stärksten politisch engagierten.

Jackson Pollock (1912-1956): Pionier des Klecksens

Jackson Pollock war ein amerikanischer Maler des abstrakten Expressionismus, der vor allem für seine Aktionsmalerei berühmt war und einen großen Einfluss auf die zeitgenössische amerikanische Malerei hatte. Sein Tod in völliger Weltabgewandtheit hat die Legende des verfluchten Künstlers genährt.

Seine Kindheit verbrachte er in einem prekären Umfeld, zwischen der Abwesenheit seines Vaters und der Autorität seiner Mutter, und wurde schon in jungen Jahren zum Alkoholiker. Im Alter von 11 Jahren hinterlässt sein Besuch in einem Indianerreservat und die Entdeckung abstrakter Motive einer so genannten „primitiven“ Kunst einen tiefen Eindruck bei ihm. Für Pollock ist die Kunst in erster Linie ein Kunstwerk. Sie ermöglicht es ihm, seine Emotionen auszudrücken und sich von seinen Ängsten, Ressentiments und seiner Wut zu befreien. In seinen Aktionsbildern, die den Performances nahe kommen, steht die Aktion des Malens im Vordergrund und nicht die Malerei.  

Da er während der Großen Depression einen großen Teil seines Lebens in Armut lebt, profitiert er vom Federal Art Project. Dieses von der Roosevelt-Regierung im Rahmen der New-Deal-Politik ins Leben gerufene Programm unterstützte amerikanische Künstler mit großen öffentlichen Aufträgen. Er nimmt 1935 an der Sektion „Wandmalerei“ teil, wird aber 1938 wegen Fernbleibens vom Projekt ausgeschlossen. Zu dieser Zeit begann er ein Entzugsprogramm.

1943 nahm er an der ersten bedeutenden Ausstellung teil, die von einer berühmten amerikanischen Sammlerin moderner Kunst, Peggy Guggenheim, organisiert wurde. Unter den Jurymitgliedern gaben Piet Mondrian und Marcel Duchamp ein positives Urteil über ihn ab, so dass die berühmte Kunstmäzenin ihm ein monatliches Gehalt anbot und ihm eine eigene Ausstellung widmete. Während er sich allmählich einen Namen in der Kunstwelt macht, beginnt er 1947, sich im ‚Dribbling‘ (Klecksen, Tröpfeln) zu üben. Dabei schüttet er eimerweise Farbe direkt auf die Leinwand. Mit dieser neuen Technik des horizontalen Arbeitens bricht er mit den traditionellen Regeln der Malerei und gibt sich der vollkommenen Abstraktion hin.

Auf dem Höhepunkt seines Erfolges verfolgten ihn jedoch immer noch seine alten Dämonen. Betrunken am Steuer stirbt er bei einem Autounfall. Einige seiner Werke sind auf der Website von Artsper zu finden.

Die wichtigsten amerikanischen Künstler der Popkultur

Andy Warhol (1928-1987): Der Vater der Pop Art

Er machte Kunst zu einem Konsumprodukt und verlieh gleichzeitig Alltagsgegenständen den Status von Kunstwerken. Andy Warhol gilt zu Recht als einer der Begründer der Pop Art. 

Warhol, dessen Werke auf Artsper zu sehen sind, stammt aus dem armen Arbeitermilieu von Pittsburgh und ist der Sohn slowakischer Einwanderer. Er schaffte es an der Universität Bildende Kunst zu studieren und zog anschließend nach seinem Abschluss 1949 nach New York. Dort begann er eine Karriere als Werbegrafiker für Modemagazine und erwarb sich schnell einen bedeutenden Ruf in der Werbebranche.

Ende der 1950er Jahre widmete er sich der Malerei. Zunächst ließ er sich von Comic-Grafiken inspirieren. Aber es waren seine Gemälde auf Konsumobjekten, angefangen mit Campbell’s Soup-Dosen, die in die Kunstgeschichte eingehen sollten. Um eine nahezu massenhafte Nachfrage zu befriedigen, begann er 1962 mit dem Siebdruck. Diese auf Schablonen basierende Drucktechnik ermöglichte es ihm, seine Werke in industriellen Mengen und in einer Vielzahl von auffälligen Farben zu produzieren. Seine Porträts von Berühmtheiten wie Marilyn Monroe sind heute auf den Bilderleisten der größten modernen Kunstinstitutionen der Welt zu finden.

Später, im Jahr 1964, eröffnete er seine Factory, das Mekka des New Yorker Kunstlebens. Sie ist zugleich Produktionswerkstatt und Aufnahmestudio für seine Experimentalfilme.

Zu Lebzeiten gefeiert und als Ikone der Pop Art anerkannt, wurde er am Ende seines Lebens in den späten 1980er Jahren zum Kunstmäzen. Er arbeitete mit aufstrebenden Künstlern wie Jean-Michel Basquiat und Keith Haring zusammen und machte seinen Namen zu einer Marke. 

Keith Haring (1958-1990): Aktivismus durch Straßenkunst

Keith Haring ist weltweit für seine Fresken mit bunten Figuren und dicken schwarzen Umrissen bekannt. Er gehört zu den amerikanischen Künstlern, die sich im Kampf gegen Homophobie und AIDS engagierten. 

Wie Andy Warhol wurde er in Pittsburgh geboren und begann ein Studium der Werbegrafik. Da er jedoch frei mit seiner eigenen künstlerischen Forschung experimentieren wollte, ging er nach New York. Dort inspirieren ihn die Graffiti. Um die Kunst aus ihrem Rahmen zu lösen und ein breites Publikum zu erreichen, begann er mit Kreide auf den schwarzen Werbetafeln der U-Bahn zu zeichnen. Gleichzeitig verkehrte er im künstlerischen Milieu des New Yorker Undergrounds und hatte seine ersten Ausstellungen in Galerien. Schließlich wurde er 1985 zur Biennale in Paris eingeladen, als er sich mitten in seinem internationalen Aufstieg befand.

Hinter dem Erscheinungsbild von Kinderzeichnungen mit synthetischen Formen, von denen einige auf der Artsper-Website zu finden sind, befasst er sich mit ernsten Themen wie Rassismus, Gewalt, Drogen und Umweltzerstörung. Indem er sich auf der Straße ausdrückt, versucht er, mehr Sichtbarkeit zu erlangen, um gesellschaftliche Vorurteile anzuprangern. Zu diesem Zweck nimmt er an Kunsterziehungsprogrammen für junge Menschen teil und nimmt mehrere öffentliche Aufträge an. So schuf er 1987 ein Fresko an einer der Wände des Necker-Krankenhauses.

Als er 1988 erfährt, dass er an AIDS erkrankt ist, stellt er seine Kunst und seinen Bekanntheitsgrad in den Dienst der LGBT-Bewegung und des Kampfes gegen diese Krankheit. Zu diesem Zweck gründete er 1989 die Keith Haring Foundation. Angetrieben von dem Wunsch, die Welt zu verändern, starb er im Alter von nur 31 Jahren. Trotz seines kurzen Lebens war sein künstlerisches und soziales Vermächtnis nicht weniger bedeutend.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988): Die Beförderung der urbanen Kunst in den Rang der bildenden Künste

Er ist einer der berühmtesten afroamerikanischen Künstler der Welt. 2017, fast 30 Jahre nach seinem Tod, wurde eines seiner Werke für einen Rekordpreis von mehr als 110 Millionen Euro versteigert. Damit ist Jean-Michel Basquiat, von dem einige Zeichnungen auf der Artsper-Website zu sehen sind, einer der teuersten amerikanischen Künstler der Welt.

Das frühreife Zeichengenie, das in Brooklyn als Sohn eines haitianischen Vaters und einer hispanischen Mutter geboren wurde, schuf seine ersten Graffiti im Alter von 16 Jahren. Er beginnt unter dem Pseudonym SAMO („Same Old Shit“, wörtlich „Gleicher alter Scheiß“) zu zeichnen. Basquiat gibt den Ton an: Er hat ein protestantisches Temperament und weigert sich, sich dem Zwang der Gesellschaft anzupassen.

Mit dem Ehrgeiz, der erste international bekannte schwarze Künstler zu werden, gelingt es ihm, von seinem Idol Andy Warhol entdeckt zu werden. Dieser macht ihn mit den größten New Yorker Galeristen bekannt.

Seine Werke, die von außerordentlicher Einzigartigkeit sind, erschrecken ebenso sehr wie sie faszinieren. In der Tat sind sie von großer Gewalt. Basquiat’s Kompositionen, in denen er den Tod beschwört, zeichnen sich durch die Einführung von Tribal-Elementen aus seinem kulturellen Erbe aus. Seine Suche nach Identität treibt ihn dazu, die Unterdrückung von Minderheiten anzuprangern und eine chaotische Welt darzustellen, die eine starke Symbolik trägt. Als Kind der Popkultur mischt er schließlich verschiedene Techniken in ein und derselben Komposition: Graffiti, Malerei, Collagen. Er setzt sich über Bildtraditionen hinweg und verwischt die Grenzen der bildenden Künste.

Mit einer Überdosis endete sein Leben und seine Karriere im Alter von nur 28 Jahren. Eine Karriere, die zwar kurz, aber besonders produktiv war: Er schuf mehr als 800 Gemälde und 1.500 Zeichnungen. Sein chronisches Unwohlsein, das sich in den aggressiven Zügen seiner Kompositionen bemerkbar macht, hat paradoxerweise sein Ende ebenso beschleunigt wie seinen Erfolg.

Die aufstrebenden zeitgenössischen Künstler

Jeff Koons (1955): Der Gipfel der kommerziellen Kunst

Jeff Koons ist nicht nur einer der berühmtesten amerikanischen Künstler des 21. Jahrhunderts, sondern auch einer der umstrittensten. Seine Werke werden von einigen als Industriekunst verunglimpft, andere halten sie für Plagiate. Dennoch sind sie die teuersten der Welt und werden in den führenden Kunstinstitutionen der Welt ausgestellt. Eine Erfolgsgeschichte!

Schon in jungen Jahren von der Kunst angezogen, hatte Jeff Koons mit seinen ersten Werken nicht den Erfolg, den er sich erhofft hatte. Er war gezwungen, als Finanzmakler zu arbeiten, und erst in den 1980er Jahren wurden seine monumentalen Skulpturen, die Massenkonsumgüter darstellen, wie seine ‚Balloon Dogs‘ und ‚Inflatable rabbits‘, bei Sammlern beliebt. Daraufhin gründete er nach dem Vorbild von Andy Warhol ein Atelier in New York mit etwa dreißig Assistenten. Heute ist es eher eine Fabrik mit mehr als 100 Mitarbeitern. Die von Jeff Koons geprägten Werke werden also nicht mehr von seinen Händen gemacht.

Seine Edelstahlarbeiten, die bei Artsper erhältlich sind, stehen in der Tat im Einklang mit der Pop Art und lassen sich von der populären Fantasie inspirieren. Er lenkt sie ab, indem er ihnen einen industriellen Charakter verleiht, der gewisse Affinitäten zum Ready-made von Marcel Duchamp erkennen lässt. Doch wenn Andy Warhol die Kunst in das Industriezeitalter brachte, so brachte der Finanzmakler sie in das Zeitalter der Globalisierung. Seine Kitsch-Ikonen sind auf der ganzen Welt zu sehen.. und das nicht ohne einige Skandale zu verursachen!

Im Jahr 2008 stellte er ein Dutzend seiner Skulpturen im Schloss Versailles aus, wo eine Veranstaltung zur Verteidigung der „französischen künstlerischen Reinheit“ stattfand. In jüngerer Zeit sorgte sein Tulpenstrauß für eine große Kontroverse. Die Hommage an die Opfer der Pariser Anschläge von 2015 und 2016 wurde nämlich als Mitschuld zur Hässlichkeit des öffentlichen Raums kritisiert.

Darüber hinaus wurde der Künstler in mehreren Fällen des Plagiats beschuldigt, da er Motive aus bestehenden Fotografien oder Werbeanzeigen übernommen hat. Tatsache ist, dass Jeff Koons‘ Herrschaft eine glänzende Zukunft vor sich zu haben scheint! Im Mai 2019 machte ihn die Versteigerung seines Rabbit-Werks mit einem Preis von 91,1 Millionen Euro zum teuersten lebenden Künstler der Welt.

JonOne (1963): Die Weihe des Graffiti

JonOne, der als einer der wichtigsten amerikanischen Künstler des abstrakten Expressionismus in der Welt des Graffiti gilt und auf der Artsper-Website zu entdecken ist, ist ebenso ein Nachkomme von Jackson Pollock wie von Jean-Michel Basquiat. Die Nachfolge der amerikanischen Künstler ist also gesichert!

Wie Jean-Michel Basquiat wurde der junge John im Arbeiterviertel Harlem in New York City geboren und ist afroamerikanischer Abstammung, und auch er schwänzt die Schule. Als Teenager streifte er durch die New Yorker U-Bahn, wo er seine ersten Tags anfertigte. Für ihn ist „die U-Bahn ein Museum, das die Stadt durchquert“, und er betrachtet Graffiti als eigenständige Kunstform.

Seine Begegnung mit dem französischen Graffitikünstler Bando war entscheidend für den Rest seiner Karriere. Dieser überzeugte ihn, zu ihm nach Paris zu gehen. Dort verlässt er den Asphalt, ohne auf seine Farbbomben zu verzichten, und lässt sich in den 1990er Jahren in einer Werkstatt des Ephemeral Hospital nieder. Dort entstehen seine ersten Gemälde. Schnell wird man auf ihn aufmerksam und stellt ihn in den wichtigsten französischen Galerien für zeitgenössische Kunst aus.

Der Künstler schafft es, das Publikum mit der Sensibilität und Poesie seiner Bilder zu berühren. Indem er seiner Fantasie freien Lauf lässt, erlaubt er sich, wie er sagt, sich selbst zu öffnen. Er entzieht sich jeglichem figurativen Bezug und lässt sich von der Bewegung, den Farben und der Energie der Städte mitreißen. Von da an leitet nur noch der Impuls seiner Gefühle seine Gesten und nur aus ihnen entstehen Streifen von leuchtenden und spontanen Farben.

An der Schnittstelle zwischen lyrischer Abstraktion, urbaner Kunst, moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst, gelingt es JonOne, sein amerikanisches künstlerisches Erbe zu nutzen, um uns seine Innovation anzubieten. Die Herrschaft der amerikanischen Künstler in der Kunstgeschichte ist noch lange nicht zu Ende!

Shepard Fairey (1970): Das politische Engagement der Street Art

Er ist berühmt für die Gestaltung des Wahlplakats von Barack Obama für die Präsidentschaftswahlen 2008. Das Boston Institute of Contemporary Art hat ihn zum einflussreichsten Street Art-Künstler gekürt und damit bewiesen, dass Street Art einen Platz in der Politik hat.

Shepard Fairey, der bei Artsper vertreten ist, entwarf schon als Teenager T-Shirts und Skateboards und besuchte 1989 die Rhode Island School of Design. Mit einer Gruppe von Studenten entwarf er Aufkleber und Poster, die den französischen Wrestler André the Giant darstellten. Das Bild wurde zum Phänomen und verbreitete sich in der ganzen Welt. Im Jahr 1998 verknüpfte er das Bild mit dem Wort „Obey“ (was so viel wie „gehorchen“ bedeutet) und machte diese Propagandaparodie zu seinem Markenzeichen.

Aber vor allem durch sein Hope-Poster erlangte er internationale Berühmtheit. Zur Unterstützung der Kandidatur des zukünftigen Präsidenten Barack Obama schuf er eine Reihe von Plakaten. Am berühmtesten ist ein Porträt des Politikers in den Farben Amerikas. Es ist das Emblem der Präsidentschaftskampagne Obamas und stellt einen entschlossen in die Zukunft blickenden Kandidaten dar. Es ging um die Welt und schaffte es sogar auf die Titelseite des Time Magazine. Die National Portrait Gallery in Washington kaufte schließlich das Original.

Seitdem hatte er eine Reihe von Ausstellungen, während er seine Aktivitäten als Straßenkünstler fortsetzte. In den Jahren 2012 und 2016 schuf er mehrere Fresken an den Wänden von Gebäuden im 13. Arrondissement von Paris. Eines davon stellt eine Marianne dar, die von dem nationalen Motto „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“ umgeben ist. Sie wurde nach den Anschlägen vom 13. November 2015 geschaffen. Es zeugt von ihrem fortwährenden Engagement für die Verteidigung großer Anliegen wie der Demokratie und der Freiheiten.

8 Jahre nach seinem Engagement im Wahlkampf wiederholt Shepard Fairey seine Arbeit. Unter Verwendung der gleichen grafischen Codes änderte er den Slogan in „Nope“, um sich gegen die Wahl von Donald Trump zu stellen. Shepard Fairey, der 2019 auf dem Grenoble Street Art Fest seine 30-jährige Karriere feiert, scheint sich endgültig in der internationalen Kunst- (und urbanen) Landschaft etabliert zu haben!

Dieser Überblick über moderne und zeitgenössische amerikanische Künstler zeigt die entscheidende Rolle der Vereinigten Staaten als Wiege des künstlerischen Schaffens. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die wichtigsten Künstler der Kunstgeschichte in den USA geboren. Ohne Bindung an die europäische Bildtradition waren sie in der Lage, neue plastische Lösungen vorzuschlagen. Die zunächst nationalistisch gefärbte amerikanische Kunst wurde Mitte des 20. Jahrhunderts populärer und universeller. Das Ergebnis war ihre weltweite Akzeptanz und die Entwicklung der Vereinigten Staaten zur führenden Kunstmacht.