Die best sellers von Artsper
„Die Frage ist, ob die Bildhauerei oder die Malerei die edelste Kunst ist“. Dieser Vergleich der jeweiligen Vorzüge von Malerei und Skulptur – der sogenannte Paragone – wurde 1547 von dem Florentiner Literaten Benedetto Varchi aufgestellt. Heute mag er veraltet erscheinen, doch er beschäftigte die Künstler der Renaissance in hohem Maße.
In seiner Abhandlung über die Malerei beansprucht Leonardo da Vinci – wenig überraschend – für den Maler einen höheren Status als andere bildende Künstler, Musiker und andere Schriftsteller. Er analysiert nacheinander die Fragen der Intellektualität und der Schwierigkeit der Arbeit, der Dauerhaftigkeit des Werkes, der Universalität und der Wahrheit der Darstellung.
Michelangelo ärgert sich darüber, dass die Bildhauerei auf die Ebene der mechanischen, niederen Künste herabgestuft wird.
Der David und Goliath, von Daniele da Volterra beidseitig auf einen Schieferträger gemalt, wird ausschließlich – wenn man Vasari glauben darf – zu dem Zweck ausgeführt, die Debatte zu beenden. Dieses Werk ist etwas Besonderes. Zum einen besteht es aus zwei Varianten, von denen eine auf der Vorder- und die andere auf der Rückseite eines Schieferträgers angebracht ist. Zum anderen veranschaulicht es über die biblische Episode hinaus den Kampf zwischen Malerei und Skulptur. Und wie David über Goliath siegt, so gewinnt die Malerei ihren Kampf gegen die Skulptur.
Noch später erwähnt Diderot das Paragone in seinem Salon von 1765. Er vergleicht darin Malerei und Skulptur und insbesondere ihre Nachahmung des Natürlichen. Er hinterfragt die Fähigkeit des vom Künstler verwendeten Materials (Stein oder Pigment), die Sinnlichkeit und das Leben der Wirklichkeit zu evozieren.
Heutzutage ist die Debatte nicht mehr so lebhaft. Es ist nicht ungewöhnlich, dass ein Künstler sowohl Bildhauer als auch Maler ist.
Artsper wirft einen Blick auf einige Künstler, die beide Künste perfekt beherrschen.
Degas bleibt seiner malerischen Tradition treu und stellt sich die Frage nach einer „impressionistischen“ Skulptur. Fasziniert von der Bewegung, nähert er sich der Skulptur, indem er ein Pferd als erstes Modell wählt. Der Künstler experimentiert, erfindet und schnitzt mit Wachs. Seine Skulpturen beeindrucken seine Zeitgenossen durch den Realismus ihrer Bewegungen. Nur eines seiner Modelle wurde zu seinen Lebzeiten präsentiert: Die kleine vierzehnjährige Tänzerin. Diese Skulptur, die ursprünglich aus bemaltem Wachs bestand, war mit Haaren, Schuhen und einem Tanzkleid ausgestattet. Degas‘ Skulpturen waren eigentlich nicht dazu gedacht, gezeigt zu werden. Sie ermöglichten es dem Künstler, die Bewegung festzuhalten, um dann als Vorlage für seine Gemälde zu dienen. Die Themen, die in den Skulpturen behandelt wurden, sind daher den gemalten Werken sehr ähnlich.
Pablo Picasso war zu Lebzeiten als einer der größten Meister der Malerei des 20. Jahrhunderts anerkannt. Seine Skulpturen hingegen blieben der breiten Öffentlichkeit bis zu seinem Tod nahezu unbekannt. Doch 1912, einige Jahre nachdem Pablo Picasso zusammen mit Georges Braque den Kubismus erfunden hatte, übertrug er seine kubistischen Theorien von der Leinwand auf die „Dreidimensionalität“. Er passte die Regeln des Kubismus für die Bildhauerei an und fertigte aus Pappe eine Gitarre an. Er bricht mit der Tradition der Bildhauerei, indem er die Technik des Zusammenfügens und Konstruierens anwendet, unedle Materialien wählt und innerhalb einer Skulptur heterogene Elemente zusammenfügt. Im Jahr 1914 wiederholte er seine Erfindung, indem er anstelle von Karton ein Metallblech verwendete.
Joan Miró, der von klein auf eine Leidenschaft für das Zeichnen hatte, war ein Tausendsassa. Aus seinen Händen entstehen nicht nur malerische Meisterwerke, sondern auch Skulpturen. Miró interessiert sich für die Erforschung von Volumen und Räumen. Ab 1944 nimmt das bildhauerische Werk des katalanischen Künstlers wirklich eine andere Dimension an, mit der Verwendung von Bronze und ihren verschiedenen Patinierungen oder dem Einsatz von Säuren, die ihm seine Palette als Maler zurückgeben.
Alberto Giacometti, der am besten für seine länglichen Skulpturen bekannt ist, wurde von seinem Vater, der selbst Maler war, in das Zeichnen nach der Natur und das Kopieren von Meistern eingeführt. Während seines Studiums ist die geometrisch facettierte Stilisierung seiner Aktzeichnungen typisch für die Zeichnung eines Bildhauers. Später fertigte er zahlreiche Porträts an, wobei die bekanntesten Porträtierten sein Bruder Diego und seine Frau Annette waren. Sie zeichnen sich durch das Fehlen von Dekor aus. Giacometti vervielfältigte die Versionen seiner Bilder ins Unendliche, indem er sie in Kupferplatten einritzte und auf Seiten von Notizbüchern, Büchern oder Zeitungen zeichnete.
In La Vie Secrète, einer seiner autobiografischen Erzählungen, berichtet Dalí, dass er als Kind die Venus von Milo, die auf seiner Bleistiftschachtel abgebildet war, als Modell nachgebildet hat. Es handelte sich um seine erste Skulptur. Ab den 1930er Jahren versuchte sich Dalí an der dritten Dimension. Als surrealistischer Künstler, der versuchte, sein Unbewusstes in Volumen und feste Materie zu übersetzen, und in der Tradition von Marcel Duchamps Readymade, interessierte er sich für die Kunst des „Objekts“, wobei er unerwartete Materialien und Stoffe verwendete. Mithilfe der Skulptur gab Dalí die großen Themen seines malerischen Werks wieder und fertigte Bronzeskulpturen von seinen berühmtesten Gemälden an.
Die Skulptur Maman ruft bei Arachnophobikern manchmal einige Vorbehalte hervor, doch für viele ist sie ein Sinnbild für die Arbeit von Louise Bourgeois. Dabei ist die Zeichnung der erste kreative Ansatz der Künstlerin und die Quelle ihrer Skulpturen. Bourgeois arbeitete von Anfang an mit einer Vielzahl von Materialien wie Holz, Metall, Latex, Marmor oder Bronze, wurde aber erst Mitte der 1970er Jahre als Bildhauerin bekannt. Louise Bourgeois, die auch als Bildhauerin tätig war, blieb dem gemalten, geätzten und gezeichneten Bild, mit dem sie begonnen hatte, verbunden. Das Zeichnen ist für sie eine ständige Praxis, eine Art Tagebuch, in dem sie ihre „Federgedanken“, wie sie sie nennt, festhält, visuelle Ideen, die sie im Flug aufnimmt und auf den unterschiedlichsten Medien festhält. Aus diesen visuellen Ideen können Skulpturen entstehen oder auch nicht.
Robert Rauschenberg hat die Grenzen zwischen den Künsten immer wieder in Frage gestellt und überschritten. Seine berühmten hybriden Werke Combines verbinden die Praxis der Malerei mit der der Collage und der Zusammenstellung verschiedenster Elemente, die der alltäglichen Realität entnommen sind. Robert Rauschenberg hebt die Grenze zwischen Malerei und Skulptur auf. Seine Werke sind letztlich weder das eine noch das andere. Da er sich auch für den Klang interessiert, entwickelt er in seinen letzten Combines Analogien zwischen Musik und bildender Kunst.
Der kolumbianische Maler und Bildhauer Fernando Botero ist mit seinen aufgedunsenen Figuren und Objekten leicht wiederzuerkennen. Er ist ein äußerst produktiver Künstler, der sowohl als Maler als auch als Bildhauer tätig ist. Für Botero ist die Skulptur die natürliche Erweiterung seines malerischen Universums. Seine Figuren entfalten ihre volle Wirkung im dreidimensionalen Raum. Ihre üppigen Formen werden greifbar.
Um eine Skulptur von Botero oder Louise Bourgeois zu Hause aufstellen zu können, muss man natürlich einen sehr großen Garten haben. Aber da beide sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei hervorragend sind, kann man sich auch ein kleineres Werk in sein Wohnzimmer stellen. Was gefällt Ihnen besser?
Artsper, 2013 gegründet, ist ein Online-Marktplatz für zeitgenössische Kunst. Durch die Zusammenarbeit mit 1.800 professionellen Kunstgalerien auf der ganzen Welt macht Artsper die Entdeckung und den Erwerb von Kunst für alle zugänglich.
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