I best seller di Artsper
Dalla metà del XX secolo, gli Stati Uniti sono stati leader nel mercato dell’arte. L’assegnazione del Leone d’Oro all’americano Rauschenberg alla Biennale di Venezia del 1964 testimonia il passaggio della supremazia dalla Scuola di Parigi alla Scuola di New York. Oggi, oltre ai suoi musei con le collezioni più prestigiose, la “Grande Mela” è la città con il maggior numero di gallerie. Infatti, più di 100.000 artisti hanno stabilito lì i loro studi, approfittando dell’opportunità di tentare la fortuna con oltre 1.500 gallerie. Gli artisti americani del XX secolo sono stati i catalizzatori dell’arte moderna e contemporanea. Artsper presenta ora 10 dei più famosi tra loro!
Edward Hopper, Nighthawks, 1942
Fu il pittore dell’America urbana all’inizio del XX secolo. Conferendo alle sue rappresentazioni della vita quotidiana un’atmosfera mistica, Edward Hopper riuscì a sublimare i soggetti più innocui.
Nato a New York, si formò inizialmente come illustratore prima di studiare in una scuola di pittura. Nei primi anni del Novecento, viaggiò più volte in Europa, dove fu attratto più dagli impressionisti, come Monet e Degas, che dagli avanguardisti cubisti del suo tempo. Invece di rappresentazioni astratte, Hopper preferiva raffigurazioni naturalistiche di paesaggi e costumi contemporanei. Tornato negli Stati Uniti, iniziò una carriera come artista commerciale, prima di decidere di dedicarsi interamente alla pittura.
Fu durante il periodo tra le due guerre mondiali che acquisì un certo prestigio. Appassionato di architettura, iniziò dipingendo acquerelli di case mansardate del XIX secolo, molto apprezzate dai collezionisti. Seguendo lo stile degli impressionisti, i suoi soggetti comprendevano edifici ritratti in diversi momenti della giornata. Prediligeva l’alba e il tramonto, rivelando la sua attrazione per la rappresentazione delle variazioni di luminosità.
In seguito, Hopper ritrasse la società americana in trasformazione ed è oggi considerato uno dei principali rappresentanti del realismo americano. Dalle sue scene emana sempre una certa malinconia. Nel suo celebre dipinto Nighthawks, questa malinconia si manifesta nella solitudine dei personaggi, isolati e silenziosi. È anche un segno di nostalgia per un’America ormai passata, che diventa sempre più urbanizzata e individualista…
Come prezioso testimone del suo tempo, Hopper riesce a immortalare il tempo sospeso sulle sue tele. La teatralità delle sue composizioni, ottenuta grazie a un potente contrasto tra ombre e luce cruda, sarà fonte di ispirazione per il mondo della fotografia e del cinema.
Man Ray, Champs délicieux,10ème rayographie, 1922
Pittore, disegnatore, regista, designer… Questo artista, le cui opere sono disponibili su Artsper, è noto soprattutto come il fotografo dei surrealisti.
Dopo aver studiato design industriale, rifiutò di iscriversi a una scuola di architettura per dedicarsi completamente all’arte. Stabilitosi a New York nel 1910, frequentò la galleria “291” di Alfred Stieglitz. Stieglitz gli fece conoscere la tecnica fotografica e molti artisti dell’avanguardia europea. Nel 1913 partecipò all’Armory Show, la prima esposizione internazionale di arte moderna, che riuniva rappresentanti di Fauvismo, Cubismo e Futurismo. Dopo la sua prima mostra personale nel 1915, si unì al movimento Dada. Nato come reazione all’assurdità della Prima Guerra Mondiale, questo movimento intellettuale, letterario e artistico si caratterizzava per un rifiuto radicale dei valori politici, sociali e ideologici della società. Fu in questo periodo che iniziò a sperimentare con la fotografia.
Nel 1921 lasciò l’America per Parigi, dove continuò le sue ricerche e scoprì per caso una nuova tecnica fotografica: la “rayografia”. Esponendo un foglio di carta sensibile alla luce bianca, le parti non coperte dagli oggetti si anneriscono, ottenendo rappresentazioni con forme spettrali che costituiscono paesaggi onirici e misteriosi, in cui gli oggetti quotidiani vengono trascesi. Contemporaneamente, si avvicinò al movimento surrealista, partecipando a tutte le mostre dal 1925 in poi. Nel 1929 incontrò Lee Miller, che divenne la sua amante e assistente. Insieme, sfruttarono il potenziale estetico della solarizzazione, un processo fotografico che consiste nell’esporre prematuramente una fotografia, invertendo così le zone di oscurità e luminosità.
Tra gli artisti americani più importanti della storia dell’arte, è colui che ha rivoluzionato l’arte della fotografia!
Noto per le sue illustrazioni per riviste, le opere di Norman Rockwell ripercorrono la storia degli Stati Uniti dal periodo tra le due guerre fino al dopoguerra.
Affascinato dal disegno fin dall’infanzia, a 16 anni entrò all’American Academy of Design di New York. Successivamente, si iscrisse alla Art Students League, una prestigiosa scuola di Belle Arti. Dotato di grande talento, ancora prima di raggiungere la maggiore età, iniziò a ricevere commissioni per illustrazioni da riviste per giovani.
Il 1922 segnò una svolta nella sua carriera. Realizzò la sua prima copertina per il celebre giornale The Saturday Evening Post. Ne seguì una collaborazione durata 47 anni, durante la quale Rockwell produsse altre 321 copertine. Con uno stile realistico, simile a una fotografia, raffigurò la vita quotidiana della classe media americana, sempre con gentilezza e, talvolta, con umorismo. È in questo modo che viene associato al movimento del regionalismo americano.
Durante la Seconda Guerra Mondiale, le sue illustrazioni testimoniano il suo impegno nello sforzo bellico. Ispirato dal discorso del presidente Roosevelt, nel 1943 realizzò una serie di quattro dipinti intitolata The Four Freedoms. Il discorso di Franklin Roosevelt mirava a sollevare il morale degli americani annunciando un futuro migliore, basato sui diritti umani e su quattro libertà: libertà di parola, libertà di culto, libertà dalla paura e libertà dal bisogno. Il pittore scelse quindi di trasporre questi quattro concetti in scene di vita quotidiana, per dimostrare agli americani che non si trattava solo di ideali astratti.
Negli anni successivi, mentre il successo di queste quattro immagini lo rese estremamente popolare, le sue commissioni cominciarono a diminuire. Infatti, i giornali iniziarono a preferire la fotografia alle vignette illustrative. Tuttavia, fino alla fine della sua vita, Rockwell cercò di usare la sua arte per difendere le cause che gli stavano a cuore: i diritti civili, la lotta contro la segregazione, la povertà e la guerra. Fu uno degli artisti americani della sua epoca maggiormente impegnati politicamente.
Pittore americano dell’Espressionismo Astratto, particolarmente famoso per la sua pratica dell’action painting, Jackson Pollock è stato una grande influenza per i pittori contemporanei americani. La sua morte, avvenuta durante il pieno riconoscimento mondiale, ha alimentato la leggenda di questo artista maledetto.
Trascorrendo l’infanzia in un ambiente precario, tra l’assenza del padre e l’autorità della madre, divenne alcolista in giovane età. All’età di 11 anni, una visita a una riserva indiana e la scoperta dei motivi astratti di un’arte cosiddetta “primitiva” lasciarono in lui un’impressione profonda. Per Pollock, l’arte è, prima di tutto, un mezzo di espressione personale. Gli permette di esprimere le sue emozioni e liberarsi dalle sue angosce, dai suoi risentimenti e dalla sua rabbia. Nei suoi action painting, simili a performance, ciò che conta è l’azione del dipingere, non il dipinto in sé.
Vissuto gran parte della sua vita in condizioni di indigenza durante la Grande Depressione, Pollock beneficiò del Federal Art Project. Creato dal governo di Roosevelt nell’ambito del New Deal, questo programma sosteneva gli artisti americani attraverso importanti commissioni pubbliche. Nel 1935 si unì alla sezione “Mural Painting”, ma nel 1938 fu escluso per assenteismo. Fu in quel periodo che iniziò un programma di disintossicazione.
Nel 1943 partecipò alla sua prima grande mostra, organizzata dalla celebre collezionista americana di arte moderna Peggy Guggenheim. Tra i membri della giuria, Piet Mondrian e Marcel Duchamp gli diedero un’opinione favorevole, al punto che la famosa mecenate gli offrì uno stipendio mensile e gli dedicò una mostra personale. Mentre iniziava gradualmente a farsi un nome nel mondo dell’arte, nel 1947 cominciò a praticare il dripping. Questa tecnica consiste nel versare secchi di vernice direttamente sulla tela. Lavorando orizzontalmente, rompe i codici tradizionali della pratica pittorica e si abbandona al più totale astrattismo.
All’apice del suo successo, però, i suoi vecchi demoni continuavano a tormentarlo. Annegato nell’alcol, morì in un incidente d’auto mentre guidava in stato di ebbrezza. Alcune edizioni delle sue opere sono disponibili sul sito di Artsper.
Trasformò l’arte in un prodotto di consumo, mentre allo stesso tempo conferì agli oggetti quotidiani lo status di opere d’arte. Andy Warhol è giustamente considerato uno dei fondatori della Pop Art.
Warhol, le cui creazioni sono disponibili su Artsper, proviene da una famiglia di lavoratori poveri di Pittsburgh ed è figlio di immigrati slovacchi. Riuscì ad entrare all’università per studiare Belle Arti. Dopo la laurea, si trasferì a New York nel 1949, dove iniziò una carriera come artista commerciale per riviste di moda, guadagnandosi rapidamente una notevole reputazione nel mondo della pubblicità.
Alla fine degli anni ’50, si dedicò alla pittura. Inizialmente fu ispirato dalla grafica dei fumetti, ma furono i suoi dipinti su oggetti di consumo, a partire dalle lattine di zuppa Campbell, a entrare nella storia dell’arte. Per soddisfare una domanda quasi di massa, iniziò a utilizzare la serigrafia nel 1962. Questa tecnica di stampa basata su stencil gli permetteva di produrre le sue opere in quantità industriali e in una moltitudine di colori vivaci. I suoi ritratti di celebrità, come Marilyn Monroe, sono oggi esposti nelle gallerie delle più grandi istituzioni d’arte moderna del mondo.
Successivamente, nel 1964, aprì la sua Factory, la Mecca della vita artistica di New York. Essa fungeva sia da laboratorio di produzione che da studio di registrazione per i suoi film sperimentali.
Celebrato durante la sua vita e riconosciuto come un’icona della Pop Art, alla fine della sua carriera divenne un mecenate delle arti negli anni ’80. Collaborando con artisti emergenti come Jean-Michel Basquiat e Keith Haring, trasformò il suo nome in un marchio.
Conosciuto in tutto il mondo per i suoi affreschi di figure colorate con spessi contorni neri, Keith Haring è anche noto come uno degli artisti americani impegnati nella lotta contro l’omofobia e l’AIDS.
Come Andy Warhol, nacque a Pittsburgh e iniziò a studiare grafica pubblicitaria. Tuttavia, desideroso di sperimentare liberamente con la propria ricerca artistica, si trasferì a New York. Lì, fu ispirato dai graffiti. Desideroso di portare l’arte fuori dalla sua cornice per raggiungere un pubblico ampio, iniziò a disegnare con il gesso sulle lavagne pubblicitarie nere della metropolitana. Contemporaneamente, frequentando l’ambiente artistico della New York underground, ebbe le sue prime mostre in gallerie. Infine, nel 1985, fu invitato alla Biennale di Parigi, mentre si trovava nel pieno della sua ascesa internazionale.
Dietro l’apparenza dei disegni infantili, con forme sintetiche, alcune delle quali si possono trovare sul sito di Artsper, Keith Haring affronta temi seri come il razzismo, la violenza, le droghe e la crisi ambientale. Espandendo la sua espressione nell’ambito della strada, cerca di ottenere maggiore visibilità per denunciare i pregiudizi sociali. A tal fine, partecipò a programmi di educazione artistica per i giovani e rispose a numerose commissioni pubbliche. Ad esempio, nel 1987 realizzò un affresco su una delle pareti dell’Ospedale Necker.
Sapendo di essere malato di AIDS nel 1988, mise la sua arte e la sua notorietà al servizio della causa LGBT e della lotta contro questa malattia. Per questo motivo, nel 1989 creò la Keith Haring Foundation. Mosso dal desiderio di trasformare il mondo, morì a soli 31 anni. Nonostante la sua vita breve, il suo lascito, sia artistico che sociale, fu altrettanto considerevole.
È uno degli artisti afroamericani più famosi al mondo. Nel 2017, quasi 30 anni dopo la sua morte, una delle sue opere è stata venduta all’asta per un prezzo record di oltre 110 milioni di euro. Ciò fa di Jean-Michel Basquiat, alcuni dei cui disegni sono visibili sul sito di Artsper, uno degli artisti americani più costosi al mondo.
Nato a Brooklyn da un padre haitiano e una madre ispanica, questo precoce genio del disegno realizzò i suoi primi graffiti all’età di 16 anni. Iniziò a firmarsi con lo pseudonimo SAMO (“Same Old Shit”, letteralmente “La solita m***a”). Basquiat dà il tono: dal temperamento provocatorio, rifiuta di conformarsi ai dettami della società.
Ambizioso di diventare il primo artista nero conosciuto a livello internazionale, riuscì a farsi notare dal suo idolo, Andy Warhol. Quest’ultimo lo introdusse ai più grandi galleristi di New York.
Le sue opere, di grande singolarità, spaventano tanto quanto affascinano. Infatti, sono di grande violenza. Con numerosi richiami alla morte, le sue composizioni si caratterizzano per l’introduzione di elementi tribali provenienti dal suo patrimonio culturale. La sua ricerca di identità lo spinge a denunciare l’oppressione delle minoranze, rappresentando un mondo caotico, carico di un potente simbolismo. Infine, essendo un figlio della cultura pop, mescola diverse tecniche nella stessa composizione: graffiti, pittura, collage. Disprezza le tradizioni pittoriche e sfuma i confini delle belle arti.
La sua morte per overdose mise fine alla sua carriera all’età di 28 anni. Una carriera, seppur breve, ma particolarmente prolifica: produsse più di 800 dipinti e 1.500 disegni. Il suo malessere cronico, percepibile nei tratti aggressivi delle sue composizioni, precipitando paradossalmente la sua fine tanto quanto il suo successo.
Pur essendo uno degli artisti americani più celebrati del XXI secolo, Jeff Koons è anche uno dei più controversi. Le sue opere sono denigrate da alcuni come arte industriale o considerate semplici falsificazioni da altri. Eppure, sono le più costose al mondo e sono esposte nelle principali istituzioni artistiche internazionali. Una storia di successo!
Attratto dall’arte sin da giovane, Jeff Koons non incontrò il successo sperato con le sue prime creazioni. Costretto a lavorare come broker finanziario, fu solo negli anni ’80 che le sue sculture monumentali, che rappresentano beni di consumo di massa come i suoi Balloon Dogs e Inflatable Rabbits, divennero popolari tra i collezionisti. Creò quindi, alla maniera di Andy Warhol, uno studio a New York con una trentina di assistenti. Oggi, è più simile a una fabbrica, con oltre 100 dipendenti. Così, le opere firmate Jeff Koons non sono più realizzate dalle sue mani.
Le sue produzioni in acciaio inox, disponibili su Artsper, sono in linea con la Pop Art, attingendo dall’immaginario popolare. Le distorce conferendo loro un carattere industriale, rivelando affinità con i ready-made di Marcel Duchamp. Tuttavia, se Andy Warhol portò l’arte nell’era industriale, l’uomo della finanza la trasportò nell’era della globalizzazione. Le sue icone kitsch sono visibili in tutto il mondo… E non senza suscitare qualche scandalo!
Nel 2008, espose una decina delle sue sculture al Palazzo di Versailles, dove fu organizzato un evento a difesa della “purezza artistica francese“. Più recentemente, è stato il suo Bouquet of Tulips a suscitare un grande dibattito. Infatti, l’omaggio alle vittime degli attentati di Parigi del 2015 e 2016 è stato criticato per contribuire alla bruttezza dello spazio pubblico.
Inoltre, l’artista è stato accusato in più occasioni di plagio, riappropriandosi di soggetti tratti da fotografie esistenti o pubblicità. Resta il fatto che il regno di Jeff Koons sembra avere un futuro brillante! Nel maggio 2019, con il prezzo di 91,1 milioni di euro, l’asta della sua opera Rabbit lo ha reso l’artista vivente più costoso al mondo.
Considerato uno degli artisti americani più importanti dell’espressionismo astratto nel mondo del graffiti, JonOne, da scoprire su Artsper, è tanto discendente di Jackson Pollock quanto di Jean-Michel Basquiat. Non c’è dubbio che la successione degli artisti americani è garantita!
Nato a New York City, nel quartiere popolare di Harlem, e di origini afroamericane, come Jean-Michel Basquiat, anche il giovane John iniziò a marinare la scuola per percorrere le linee della metropolitana di New York dove realizzava i suoi primi tag. Secondo lui, “la metropolitana è un museo che attraversa la città”, considerando il graffiti come una forma d’arte a sé stante.
L’incontro con l’artista francese Bando è stato decisivo per il proseguimento della sua carriera. Quest’ultimo lo convinse a raggiungerlo a Parigi. Lì, abbandonando l’asfalto senza però rinunciare alle sue bombolette spray, si stabilì negli anni ‘90 in uno studio dell’Ospedale Ephemere. Lì realizzò i suoi primi dipinti. Venne rapidamente notato ed esposto nelle gallerie d’arte contemporanea più importanti di Francia.
JonOne riesce a toccare il pubblico con la sensibilità e la poesia che emanano dai suoi dipinti. Lasciando libera corsa alla sua immaginazione, le sue opere gli permettono, nelle sue parole, di aprirsi a se stesso. Evitando ogni riferimento figurativo, si lascia trasportare dal movimento, dai colori e dall’energia delle città. Da quel momento in poi, solo l’impulso delle sue emozioni guida i suoi gesti. Le strisce di colori brillanti e spontanei emergono solo da essi.
All’incrocio tra astrazione lirica e arte urbana, arte moderna e arte contemporanea, JonOne riesce a sfruttare il suo patrimonio artistico americano per offrirci il suo rinnovamento. L’egemonia degli artisti americani nella storia dell’arte è ben lontana dall’essere finita!
È famoso per aver progettato il poster della campagna di Barack Obama per le elezioni presidenziali del 2008. Dimostrando che l’arte di strada ha un posto in politica, l’Institute of Contemporary Art di Boston lo ha riconosciuto come l’artista di street art più influente.
Disegnando t-shirt e skateboard da adolescente, Shepard Fairey, rappresentato su Artsper, entrò nella Rhode Island School of Design nel 1989. Con un gruppo di studenti, creò adesivi e manifesti raffiguranti il lottatore francese André the Giant. L’immagine divenne virale e si diffuse in tutto il mondo. Nel 1998, associando l’immagine alla parola “Obey” (che significa “obbedire”), fece di questa parodia della propaganda la sua firma.
Ma è grazie al suo poster Hope che ha guadagnato notorietà internazionale. Sostenendo la candidatura del futuro presidente Barack Obama, creò una serie di poster. Il più famoso è un ritratto del politico nei colori dell’America. Emblema della campagna presidenziale di Obama, rappresenta un candidato decisamente proiettato verso il futuro. Diffuso in tutto il mondo, ha fatto la copertura della rivista Time. La National Portrait Gallery di Washington ha infine acquistato l’originale.
Da allora, ha avuto una serie di esposizioni continuando la sua attività come street artist. Ha realizzato diversi murales sui muri degli edifici del 13° arrondissement di Parigi nel 2012 e nel 2016. Uno di questi rappresenta una Marianne circondata dal motto nazionale “Liberté, Égalité, Fraternité”. È stato creato dopo gli attentati del 13 novembre 2015. Testimonia così il suo impegno perpetuo nella difesa delle grandi cause, come la democrazia e le libertà. Otto anni dopo essersi impegnato nella campagna elettorale, Shepard Fairey si ripete. Utilizzando gli stessi codici grafici, ha cambiato lo slogan in “Nope” per opporsi all’elezione di Donald Trump. Celebrando i suoi 30 anni di carriera al Grenoble Street Art Fest nel 2019, Shepard Fairey sembra essersi definitivamente affermato nel panorama artistico (e urbano) internazionale!
Così, questa panoramica sugli artisti americani moderni e contemporanei rivela il ruolo cruciale degli Stati Uniti come culla della creazione artistica. Dall’inizio del XX secolo, è nel suo territorio che sono nati i grandi artisti della storia dell’arte. Senza legami con la tradizione pittorica europea, sono riusciti a proporre nuove soluzioni plastiche. Inizialmente tinti di nazionalismo, l’arte americana divenne più popolare e universale nella metà del XX secolo. Il risultato fu la sua assimilazione in tutto il mondo e la consacrazione degli Stati Uniti come potenza artistica di primo piano.
Fondato nel 2013, Artsper è un marketplace online per l’arte contemporanea. Collaborando con 1.800 gallerie d’arte professionali in tutto il mondo, rende la scoperta e l’acquisto di opere d’arte accessibile a tutti.
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