Lucio Fontana, ein visionärer Künstler

Vielleicht ist Ihnen sein Name nicht geläufig, aber wahrscheinlich haben Sie seine charakteristischen monochromen, schräg geschnittenen Gemälde schon einmal gesehen. Als Vater der „Spatialism“-Bewegung war Lucio Fontanas innovatives Genie entscheidend für die Entwicklung der abstrakten Kunst. Von Januar bis April 2019 widmet das MET New York dem italienischen Künstler eine außergewöhnliche Retrospektive, „Lucio Fontana: On the Threshold“, und zeigte einige seiner berühmtesten Werke. In diesem Artikel widmen wir uns dem Leben und Werk eines visionären Künstlers, der viele künstlerische Bewegungen des 20. Jahrhunderts inspirierte.

Ein bahnbrechender Künstler

Lucio Fontana wurde 1899 in Rosario de Santa Fé, Argentinien, als Sohn italienischer Eltern geboren. Die 1930er und 1940er Jahre verbrachte er in Italien und Frankreich, wo er als Bildhauer arbeitete und seine ersten Ausstellungen organisierte. Obwohl er hauptsächlich für seine Gemäldeserien bekannt ist, wurde Fontana zunächst als Bildhauer ausgebildet. Sein Hintergrund und seine Ausbildung in der Bildhauerei erklären sein unermüdliches Interesse an der Beziehung zwischen Oberfläche und Dimensionalität. Zu dieser Zeit begann er mit Werken wie Scultura Spaziale zu experimentieren, die sich bereits mit dem Begriff des Spatialismus befassten.

Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs suchte Fontana Zuflucht in seinem Heimatland Argentinien, wo er die Akademie von Altamira gründete und mit seinen Studenten das Manifesto Blanco verfasste, in dem er die Theorien und Ideen festhielt, die später die Bewegung des Spatialismus prägten. Indem er seine Ideen zur künstlerischen Forschung formulierte, definierte er eine neue Art von Kunst und verwarf alte Traditionen.

Nach dem Zweiten Weltkrieg kehrte Fontana nach Italien zurück, wo er die Ideen, die hinter der Kunstbewegung des Spatialismus standen, weiter erforschte. Er begann mit den innovativsten Medien zu experimentieren, insbesondere mit Licht und Leere als Mittel zur Erzeugung von Raum. Der italienische Künstler wurde zu Lebzeiten von der Kunstkritik für seinen Erfindungsreichtum gelobt und starb 1968 in Comabbio, Italien.

Eine revolutionäre künstlerische Bewegung

Die Hauptidee des Spatialismus war es, eine Kunstform zu schaffen, die eine Synthese aus Klang, Farbe, Bewegung und Raum in einem einzigen Kunstwerk darstellt. Wie er im Manifesto Blanco erklärte, war es sein ultimativer Wunsch, eine Einheit von Kunst und Raum zu schaffen: „Farbe, ein Element des Raums; Klang, ein Element der Zeit; und Bewegung, die sich in Raum und Zeit entfaltet.“ Fontana ließ sich auch von der Faszination der Futuristen für die Technik inspirieren. Er wollte die Künstler dazu ermutigen, sich die Moderne zu eigen zu machen und neue Techniken zu verwenden, die für ein modernes Zeitalter geeignet sind.

Fontana war von der konzeptionellen Dimension der Kunst besessen und betrachtete sie als ein Instrument der Forschung und nicht nur als eine Frage der Ästhetik. Er drückte es so aus: „Ich will kein Gemälde machen, ich will den Raum öffnen, eine neue Dimension schaffen, den Kosmos einbinden, der sich unendlich über die begrenzte Ebene des Bildes hinaus ausdehnt.“

Diese Innovationen eröffneten neue Perspektiven für die künstlerische Forschung und waren ein Vorbote der großen künstlerischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts wie Arte Povera, Abstrakter Expressionismus, Minimalismus und Zero.

Fokus auf ausgewählte Werke

1. Concetto Spaziale

Das Concetto Spaziale, später mit dem Untertitel „Attese“ (das Warten), ist seine berühmteste Serie. Die akribisch geschlitzten monochromen Leinwände leiteten den „Tagli„-Zyklus ein und brachen mit der „informellen“ und zufälligen Geste seiner vorherigen „buchi„-Phase. Indem Fontana seine Leinwände perforiert und zerreißt, geht er über die Materialität der Leinwand hinaus. Sie sind nicht länger eine flache Oberfläche, sondern werden zu einem dreidimensionalen Objekt. Das Gemälde selbst wird obsolet, die Schaffung von Kunstwerken ist nicht mehr additiv, sondern subtraktiv.

Mit den Schnitten suggeriert Fontana eine Idee von Leere, öffnet den Raum und die Leere für eine konkrete Raumerfahrung. Die radikale Geste deutet auf einen Bruch mit der akademischen Tradition der Malerei hin; die heilige Leinwand wird sozusagen geschändet. Fontana enthüllt die Materialität des Trägers selbst und bricht mit der illusionistischen Tradition der Malerei. Auf diese Weise prangert er die bürgerliche Konnotation der dekorativen und ästhetischen Funktion der Kunst an. Die Illusion wird durch die Erfahrung ersetzt; Schatten werden nicht mehr durch Mimesis simuliert, sondern erscheinen tatsächlich auf der Leinwand.

2. Ambiante Spaziale a Luce Nera

Fontanas Werk geht weit darüber hinaus, dass er seinen Leinwänden Löcher und Schnitte zufügte. Sein Werk Ambiante Spaziale a Luce Nera aus dem Jahr 1949 ist ein bahnbrechendes Beispiel für das, was später als Installationskunst bekannt wurde. Auch 70 Jahre später hat es noch immer etwas Zeitgenössisches an sich. Für dieses Werk verwendete Fontana innovative Materialien wie Neon und phosphoreszierende Farbe. Die Installationen sollten nur sechs Tage dauern, also nur für die Dauer der Ausstellung. Fontana wollte für den Besucher einen Raum der „emotionalen Freiheit“ schaffen, in dem es „weder Malerei noch Licht gibt; eine leuchtende Form im Raum“. Es handelt sich um Fontanas experimentellste, aber aufgrund ihres ephemeren Charakters am wenigsten bekannte Werke.