Die Werke, die die Kunstgeschichte geprägt haben

Welches sind die Werke, die die Geschichte der (modernen und) zeitgenössischen Kunst geprägt haben? Nachdem sie sich von der klassischen Kunst entfernt haben, haben diese Revolutionen neue Bereiche und unendliche Freiheit eröffnet.

Avantgardistisch, revolutionär, kühn… sie alle haben einen Stil geprägt. Duchamp, Picasso, Christo, Anish Kapoor, JR, haben eines gemeinsam: ihren Status als Pioniere. Artsper hat 11 dieser Werke ausgewählt und zeigt, wie sie die Geschichte der Kunst geprägt haben…

1. Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Duchamp markiert die Geburt der künstlerischen Gestik mit einem Kunstwerk. Eine Geste, die anti-ästhetisch ist, aber er konzentrierte sich auf das Konzept: Es ist das Konzept des „ready made“, das hier das Objekt als Kunstwerk klassifiziert. Ein umgekehrter Brunnen, der einem Pissoir ähnelt und die ikonoklastischsten Ideen liefert. Der Performance-Künstler Pierre Pinoncelli, bewaffnet mit einem Hammer und seinem Urin, attackierte das „ready made“ zweimal hintereinander während der Eröffnungsausstellung des Carre des Arts in Nimes am 24. August 1993 und dann im Centre Pompidou am 4. Januar 2006.

2. Edouard Manet, Le déjeuner sur l’herbe, 1863

Le Dejeuner sur l’Herbe ist als ein Anti-Raphael-Gemälde bekannt. Seine 3 Personen sind aus Raffaels Jugement de Pâris entnommen, die ihrerseits einem Stich von Raimondi entnommen wurden. Doch Manet schockierte die Öffentlichkeit vor allem wegen dreier Details. Erstens: die nackte Frau, die von zwei Männern umgeben ist. Zweitens die Eliminierung des Göttlichen: die Götter sind verschwunden und die Persönlichkeiten sind aus dem Himmel vertrieben. Das dritte Element, das für die damalige Zeit zu avantgardistisch und skandalös war: Das Modell hat einen provozierenden Blick, der ihre Position als inspirierende Muse unterstreicht. Mit diesem konfrontierenden Blick wird der Betrachter zum ersten Mal in die Geschichte der Kunst eingeführt. Er apostrophiert uns, bleibt aber im wahrsten Sinne des Wortes absorbiert, dies ist die Geburt des Theaters der Ausstellung und nicht mehr der Aktion, die der Theoretiker Michael Fried „Facingness“ nennt.

3. Pablo Picasso, Les demoiselles d’Avignon, 1907

In seiner „Rosa Periode“ schuf Picasso eines der radikalsten Werke der Moderne, indem er alle Spuren des Perspektivismus beseitigte. Der Maler ist einer der wenigen Künstler, die sich für Objekte und formalen Primitivismus interessieren. Er behandelte die Gesichter dieser Frauen wie ein formales Objekt, was es ihm ermöglichte, jedes Element der Darstellung als ein eigenständiges Kunstelement zu behandeln. Les Demoiselles d’Avignon erben den malerischen Einfluss von Paul Cezanne und integrieren Leitmotive primitiver Kulturen: eine Grabplastik aus dem alten Athen, afrikanische Masken und Fetische. Auf der Suche nach dem wahren Ursprung versuchte Picasso, den Moment einzufrieren, in dem das Bild auf der Leinwand erscheint: die berühmte „tabula rasa“.

4. Andy Warhol, Shot Sage Blue Marilyn, 1964

Andy Warhol fotografierte das Gesicht von Marilyn Monroe, das ins Unendliche geneigt war. Durch Reduktion im Siebdruck schafft der Künstler ein verstörendes Porträt von Marylin. Dieses Gesicht hat sich in einer visuellen Kultur ausgebreitet, während es gleichzeitig seine Individualität verleugnet. Aus dieser Sicht ist die Anbetung des Bildes auf den Tod des Individuums zurückzuführen. Andy Warhol schuf dieses Porträt kurz nach dem Selbstmord der Schauspielerin. Es ist mehr als nur ein farbenfrohes Pop-Porträt, es kann als „memento mori“ betrachtet werden, wie die Theoretikerin Susan Sontag schreibt. Auf jeden Fall gehören sie zu den wichtigsten Werken der jüngeren Kunstgeschichte. Seither sind unzählige Gemälde und Fotografien von Marilyn Monroe entstanden.

5. Christo, Pont Neuf, 1985

Am 22. September 1985 verhüllten Christo und Jeanne Claude die Pont Neuf für 15 Tage. Die älteste Brücke von Paris wurde mit einem goldenen Überzug versehen, der bei den Passanten, die nicht mehr nach oben blickten, eine neue Sichtweise auslöste. Das Künstlerpaar lädt uns ein, die Brücke mit einem neuen und aufgeklärten Blick zu betrachten. Die Installation ist ein Stück ästhetischer, technischer und politischer Tapferkeit. Ein Werk, das nicht durch das Gesetz geschützt ist, denn die Justiz bestätigt, dass ein entmaterialisiertes Konzept (in diesem Fall das der Verkleidung eines Denkmals) nicht durch das Gesetz geschützt werden kann, nur der sensible Teil ist in diesem Fall geschützt.

6. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1990

Robert Smithson, der als Anführer der Land Art bezeichnet wird, ist ein Anti-Duchamp: Sein Werk ist das Gegenteil eines in Serie gefertigten Objekts, das sich im Laufe der Zeit auflöst. Land Art verwendet den Erdboden als Hauptmaterial und untersucht dessen Entwicklung, Abbau und „Entropie“. Robert Smithson verließ die Welt des White Cube (die Galerie), um das Ziel der Demokratisierung der Kunst zu unterstützen. Spiral Jetty begann als eine Utopie, nämlich die Abschaffung der geografischen und zeitlichen Grenzen. Das Werk wurde schließlich zu einer Dystopie… denn der Künstler starb bei einem Hubschrauberunfall, als er versuchte, sein Kunstwerk zu sehen.

7. Louise Bourgeois, Maman, 1999

Maman oder die übergroße Spinne hat autobiografischen Charakter und ist eine Hommage an ihre Mutter, Josephine Bourgeois, eine ehemalige Gobelinreparateurin, die in der Textilrestaurierungswerkstatt ihres Mannes in Paris arbeitete. Als Kind beobachtete Louise Bourgeois die Fadenmuster, die ihre Mutter beim Weben zog. Das Weben der Maman (Mutter) ist eine Metapher für das Spinnen, die Pflege und die mütterliche Fürsorge. „Die Spinne ist eine Ode an meine Mutter… Denn meine Mutter war so intelligent, geduldig, sauber, nützlich, vernünftig, unentbehrlich wie eine Spinne“. Die Spinne wurde bereits in London, Tokio, San Francisco, Kopenhagen und St. Petersburg ausgestellt und hat ihre Leinwand im Museum of Fine Arts in Ottawa, Kanada, gezeigt.

8. Jeff Koons, Ballon Dog, 1994-2000

„Warum ein Ballonhund?“
„Vielleicht, weil in ihm die Idee des Überlebens steckt. Ich habe ein Objekt ohne Eigenschaften – ein einfacher Luftballon – in ein monumentales Kunstwerk verwandelt, das die Kraft des Überlebens hat „. – Jeff Koons.

Überleben für 58 Millionen Dollar ist der Luxus, den sich diese Stahlhunde leisten. Mit seinen einfachen Luftballons bleibt Jeff Koons, Schöpfer oder Marketing-Ass, der teuerste Künstler der Welt. Seine Metalltiere sind Schlüsselwerke, die die jüngste Geschichte des Kunstmarktes geprägt haben.

9. Anish Kapoor, Dirty Corner, 2015

Dirty Corner, auch die Vagina der Königin genannt, wurde im Frühjahr 2015 im Rahmen der Kapoor-Versailles-Ausstellung in den königlichen Gärten des Schlosses von Versailles ausgestellt. Anish Kapoors großes Stahlobjekt hat eine sexuelle Konnotation. Die Konfrontation zwischen dem Heiligen und dem Sex, der Harmonie und der Deformität, der Natur und dem Stahl spiegelt zwei gegensätzliche Epochen und damit zwei Visionen wider. Diejenigen, die sich mit der ersten identifizieren, sind beleidigt und haben das Werk von Anish Kapoor bei vier Gelegenheiten angegriffen und damit die „Freiheit der Schöpfung“, wie die ehemalige Kulturministerin Fleur Pellerin bei ihrem Besuch im „Château de Versailles“ erklärte.

10. JR, La pyramide du Louvre, 2016

Der Straßenkünstler JR hat im größten Museum der Welt mit Zauberei getrickst. Die Pyramide des Louvre verschwand, nachdem sie im Mai 2016 eine Anamorphose (optische Täuschung) durchlaufen hatte. Die optische Täuschung verstörte das Publikum, da sie eine Mischung aus zwei widersprüchlichen Epochen darstellt: dem digitalen Zeitalter (Photoshop) und dem Mittelalter (die Sully-Fassade). Die Kühnheit dieser Konfrontation der Epochen löste unter den Traditionalisten heftige Kontroversen aus. Mit seiner Geste regt JR dazu an, einen neuen und desinteressierten Blick auf das zu werfen, was wir nicht mehr sehen können. „Heute posieren die Leute mit Selfies vor diesem Denkmal und kehren ihm den Rücken zu“, sagt JR.

11. Yayoi Kusama, Dots Obsession, 2012

Yayoi Kusama, eine echte ikonoklastische Persönlichkeit, hat ihre zweifarbigen Punkte in den Rang eines Statussymbols erhoben. Schöpfer wie Louis Vuitton haben ihr Leitmotiv übernommen. Ihre Besessenheit von den Punkten zieht uns in ihren Bann, indem sie unseren Körper in ihr immersives Werk mit einer Vielzahl von Spiegeln einbezieht. Yayoi Kusama fügt sich in das Dekor ein, indem sie ihre Person mit ihren Werken in Einklang bringt und uns so zur Alchemie einlädt.