10 Dinge, die man über Alexander Calder wissen sollte

Alexander Calder, der Erfinder des „Mobiles“ und der kinetischen Kunst… er war ein Meister des Gleichgewichts zwischen industriellen Materialien und der Natur, die er in perfekter Harmonie zusammenbrachte. Dieser bedeutende Künstler des 20. Jahrhunderts veränderte die Landschaft der Bildhauerei, indem er dieser Kunstform eine neue und delikate Note verlieh. Er hat an der Seite von Miro, Arman und Mondrian gearbeitet und ist heute einer der beliebtesten Künstler auf dem Markt. Er wird von den angesehensten Museen der Welt anerkannt und ist in den prestigeträchtigsten Sammlungen vertreten. Entdecken Sie 10 Dinge, die Sie über diesen Künstler wissen sollten, der mit den Konventionen brach…

1. Er war der Pionier der mobilen und kinetischen Kunst

Alexander Calder war der Pionier des „Mobiles“, das wir heute kennen, und der Begründer der kinetischen Kunst. Der Name „Mobile“ wurde von Marcel Duchamp geprägt. Diese neue Struktur brach mit den Konventionen der Bildhauerei in seinem zeitgenössischen Umfeld. Calders Skulpturen waren unglaublich filigran, und, was entscheidend war, sie bewegten sich. Anfänglich bewegten sich Calders Skulpturen durch den Einsatz von Motoren. Mit der Zeit bewegten sie sich jedoch durch natürliche Kräfte. Die Skulpturen waren so konzipiert, dass sie die Luftströme im Raum oder die Brise draußen einfangen konnten – ein revolutionäres Konzept in der Welt der Kunst. Hand in Hand mit der Einführung dieser „Mobiles“ ging die Einführung der „Stabiles“. Dieser Name wurde von dem abstrakten Künstler Jean Arp für Calders frühere stationäre Skulpturen vergeben.

2. Er ist bekannt für sein „Zeichnen im Raum“

Der Begriff „Zeichnung im Raum“ wurde erstmals in der französischen Zeitung Paris-Midi in Bezug auf Calder verwendet. Dies geschah nach einer seiner ersten Einzelausstellungen im Jahr 1929, in der Calder seine Drahtskulpturen präsentierte. Die Bezeichnung blieb haften und wurde in der Folgezeit häufig zur Beschreibung von Calders Werken verwendet. Der Begriff passte auch deshalb zu Calder, weil er Drahtstücke mit sich führte und Bilder von dem schuf, was er auf der Straße sah. Berühmt ist, dass er mit Vorliebe Drahtporträts von Menschen anfertigte, denen er begegnete – eines seiner bekanntesten war das der Schauspielerin Kiki aus dem Jahr 1929. Calder war besonders von ihrer Nase angetan, die „in den Weltraum zu starten“ schien.

3. Er kam aus einem künstlerischen Umfeld

Da er aus einer Künstlerfamilie stammt, ist es nicht schwer zu verstehen, wie Calder zu einer solchen Stütze der Kunstwelt wurde, obwohl es nicht seine Eltern waren, die ihn zu dieser Karriere drängten. Sein Vater, der ebenfalls Alexander Calder hieß, war selbst Bildhauer und kannte daher die Schwierigkeiten, die mit dem Künstlerdasein verbunden waren. Er nannte seinen Sohn „den Müllmann“, weil seine Taschen immer voller Kieselsteine, Schnüre und anderer Kleinigkeiten waren.

Schon früh zeigte Calder Interesse an der Bildhauerei und daran, die Welt um ihn herum mit seinen Händen zu gestalten. Als er 11 Jahre alt war, schenkte ihm seine Schwester zu Weihnachten eine Zange. Mit dieser fertigte er zwei kleine Messingskulpturen für seine Mutter und seinen Vater an, eine Ente und einen Hund. Metall wurde zu seinem Hauptmedium. In seinen Arbeiten verwendet er alte Draht- und Holzstücke und zeigt, wie man aus ungewollten Resten Schönheit schaffen kann.

4. Er war ein Maschinenbauingenieur, der zum Bildhauer wurde

Calder studierte Maschinenbau am Stevens Institute of Technology und machte 1921 seinen Abschluss. Doch als er 1922 auf einem Schiff arbeitete, wurde er beim Anblick der roten Sonne vor der Küste Guatemalas an seine künstlerische Erziehung erinnert.   Er kehrte diesem Lebensstil den Rücken und zog zunächst nach New York, wo er als Künstler für verschiedene Zeitungen arbeitete, bis er schließlich 1926 in die Kunstmetropole Paris zog. Während seiner Zeit in Paris begann er, Menschen auf der Straße zu skizzieren und in seinem Hotelzimmer kleine Drahtfiguren herzustellen. Eine der ersten Figuren, die er anfertigte, war Josephine Baker, die weltweit für ihren Charleston-Tanz bekannt war. Es war diese Bewegung und Energie, die Calder in seinen Modellen von ihr einzufangen versuchte. 

Auch wenn er sich in seinen Arbeiten nie ausdrücklich auf die Kenntnisse stützte, die er während seines Studiums erworben hatte, scheint es unbestreitbar, dass seine Fähigkeiten seine perfekt zusammengesetzten Skulpturen beeinflussten. Tatsächlich erklärte er später in seiner Karriere: „Wenn ich an etwas arbeite, habe ich zwei Dinge im Sinn. Das erste ist, es lebendiger zu machen. Zweitens muss ich immer das Gleichgewicht im Auge behalten.“

5. Er fühlte sich immer zum Zirkus hingezogen

Calder versuchte Zeit seines Lebens, in all seinen Werken Bewegung darzustellen und einzufangen. Diese Faszination begann, als er in New York lebte. Zwei Wochen lang besuchte er den Zirkus, einen Schmelztiegel für die gesamte Gesellschaft. Hier zeichnete und malte er die Spektakel, die er sah, und versuchte, die Lebendigkeit der Umgebung einzufangen. Diese Inspiration sollte ihn im Laufe seiner Karriere immer wieder begleiten.

Nach seinem Umzug nach Paris schuf Calder einen Miniaturzirkus aus Draht und Holzklötzen. Dazu gehörten Figuren wie ein Gewichtheber, ein Reiter und ein Clown. Diese wurden von Calder durch das Ziehen verschiedener Fäden zum Leben erweckt. Seine erste Vorstellung fand in seinem Hotelzimmer vor einigen seiner Freunde statt. Eine dieser Darbietungen zog Legrand-Chabrier an, einen renommierten Zirkuskritiker der damaligen Zeit. Er war der erste, der Calder ins Rampenlicht rückte, indem er einen Artikel über Calders bescheidenen, aber genialen Zirkus mit dem Titel „Un Petit Cirque à Domicile“ schrieb. 

1929 schloss sich Calder mit Léonard Foujita, dem japanisch-französischen Maler und Grafiker, zusammen. Gemeinsam arbeiteten sie an Calders Zirkusvorstellungen. Calder lieferte den Zirkus und Foujita die Musik. Die Veranstaltungen wurden immer beliebter, und Künstler und Intellektuelle in ganz Paris interessierten sich dafür. Zu den Besuchern gehörten Künstler wie Kiki, Marcel Duchamp, Jean Cocteau und Man Ray. Der Zirkus wurde so beliebt, dass er bis Anfang der 30er Jahre von 15 auf 200 Figuren anwuchs.

6. Inspiriert wurde er durch die Begegnung mit Mondrian

1930 wurde Calder in das Atelier von Piet Mondrian in Paris eingeladen. Hier ließ sich Calder von den bunten Quadraten inspirieren, die über die weißen Wände des Ateliers verteilt waren. Mit diesem Bild, das durch das in den Raum strömende Licht ergänzt wurde, schlug Calder Mondrian vor, die Quadrate in Bewegung zu setzen. Darauf antwortete Mondrian: „Nein, das ist nicht nötig, meine Malerei ist schon sehr schnell…“. Dennoch inspirierte diese Begegnung Calder dazu, die Bewegung mit noch größerem Nachdruck zu verfolgen. 

Nach der Begegnung mit Mondrian und der ersten Begegnung mit der abstrakten Kunst schloss sich Calder ein und malte einfache Leinwände, die dieser Idee entsprachen. Allerdings wurde er dieses Mediums schnell überdrüssig. Aber nachdem er einfache Formen und Bögen kennengelernt hatte, begann er, die figurative Darstellung als einschränkend zu betrachten. In seiner nächsten Ausstellung Volumes, Vectors, Densities in der Galerie Percier präsentiert er Skulpturen, die aus verschiedenen Elementen eines Kreises bestehen. Nach dieser Ausstellung wurde Calder als ernsthafter Konkurrent in der Welt der abstrakten Kunst angesehen.

7. Die Kriegsjahre veränderten die Materialien, die er für seine Skulpturen verwendete

Die Kriegsjahre brachten einen Mangel an Blech mit sich. Dies stellte ein Problem für Calder dar, der auf dieses Material angewiesen war, um seine Meisterwerke zu schaffen. Normalerweise schnitt er Bleche in Stücke, die er dann zu seinen Mobiles zusammensetzte.  Calder ließ sich davon jedoch nicht beirren. Stattdessen brachte der Mangel eine neue Ära für Calder mit sich, der sich natürlichen Materialien zuwandte. Holz und Draht wurden zu seinen neuen Werkzeugen. Mit diesem neuen Medium schuf Calder in den 1940er Jahren seine Constellations-Serie, so genannt, weil die Skulpturen dem Kosmos ähnelten.

8. Er hat mehrere riesige Strukturen in der ganzen Welt ausgestellt

Später in seiner Karriere wurde Calder häufig mit der Gestaltung riesiger Strukturen beauftragt. So zum Beispiel The Red Spider (1976) und Spiral (1958) in Paris und Flamingo (1974) in Chicago. Um diese Strukturen zu schaffen, fertigte er zunächst Modelle an, die dann in einem seiner Ateliers verwirklicht wurden. Eine der größten dieser Skulpturen war Man (1967), die in Montreal aufgestellt wurde und 65 Fuß hoch war. Diese monumentalen Skulpturen waren in Städten und auf dem Land zu finden und sind die wichtigsten Beispiele für Calders „Stabiles“.

9. Er arbeitete einmal mit einer Fluggesellschaft zusammen

1973 erhielt Calder von Braniff International Airways den Auftrag, das Äußere eines Flugzeugs in seinem typischen leuchtenden Stil zu gestalten. Dieses Projekt wurde unter dem Namen Flying Colours bekannt und flog hauptsächlich nach Südamerika. Das Äußere des Flugzeugs trug nicht das Logo der Fluggesellschaft, sondern Calders Unterschrift auf der Außenseite. 1975 wurde er mit der Dekoration eines weiteren Flugzeugs beauftragt, das unter dem Namen Flying Colours of the United States bekannt wurde.

10. Er wollte nie durch eine bestimmte künstlerische Bewegung definiert werden

Obwohl er sich mit den abstrakten Künstlern seiner Zeit vermischte, wollte Calder nie durch eine bestimmte künstlerische Bewegung definiert werden. Vielmehr wandte er sich ausdrücklich gegen dieses Konzept. Er war der Meinung, dass ein Künstler, wenn er sich selbst definierte, dadurch eingeschränkt wurde. Stattdessen war er der Meinung, dass ein Künstler, der versucht, sein Werk zu erklären, seine Ideen in Frage stellen sollte. Über sein eigenes Werk, Steel Fish (1934), sagte er: ‚Das ist völlig nutzlos und bedeutungslos. Es ist einfach nur schön, das ist alles. Es kann einen sehr emotional machen, wenn man es versteht. Wenn es eine Bedeutung hätte, wäre es natürlich leichter zu verstehen.

Abschließend lässt sich sagen, dass Alexander Calder im Laufe seiner Karriere wirklich eine Entwicklung durchgemacht hat. Von seinen originellen Drahtporträts bis hin zu seinen monumentalen Skulpturen waren Calders Kreationen das Ergebnis einer echten künstlerischen Erkundung. Er ließ sich von allem und jedem inspirieren, dem er im Laufe seines Lebens begegnete. Dennoch gelang es ihm, sein Leben lang seinen Werten und Überzeugungen treu zu bleiben, was es ihm ermöglichte, wirklich zukunftsweisende Skulpturen zu schaffen. Letztendlich bedeuteten diese Qualitäten, dass er die Bildhauerei, wie wir sie kannten, vollständig in eine leichtere und spielerischere Kunstform verwandelte.