Geschlecht ist eines der Themen, bei denen sich die Terminologie nie ganz richtig anfühlt. Sie ist entweder ein paar Jahrzehnte hinter der Zeit zurück oder zu subjektiv, um in vereinfachte, verallgemeinerte Kategorien zu passen. Und wenn Worte ihre Daseinsberechtigung nicht erfüllen, können die Botschaften, die wir suchen, in der Kunst und ihrem visuellen Vokabular gefunden werden. Mit dieser Auswahl an Kunstwerken betrachtet Artsper die Identität in all ihren Formen. Von LGBT-Kunst bis hin zu anderen, wunderbar komplexen Manifestationen von Queerness… Sind Sie bereit, unsere geschlechtsverändernden Favoriten zu entdecken?
Der in Miami lebende Fotograf Ricky Cohete hat die männliche Form gemeistert und die Komposition und Anmut wiederbelebt, die einst den antiken griechischen Bildhauern vorbehalten war. Der Autodidakt näherte sich zunächst dem Medium, indem er die Balletttänzer von Miami außerhalb ihrer „sicheren“ und vertrauten Proberäume fotografierte. Von da an kultivierte Cohete eine einzigartige Ästhetik, indem er mit den zahlreichen Variationen der männlichen Form spielte. In einem Werk wie Men and Boots nutzt er sowohl weibliche als auch männliche Energien, um eine einzigartige Perspektive auf Geschlechterrollen und die Art und Weise, wie sie unsere Identität formen, zu bieten.
„Auto-kiff“ stammt aus dem französischen Slang und ist ein cooler, informeller Ausdruck für die Selbstbefriedigung. Wie die verstreuten Haare auf diesem Foto vermuten lassen, sind der Künstlerin der Feminismus und seine Unzufriedenheiten nicht fremd. Charlotte Abramow hat das Geschlecht in den Mittelpunkt ihrer Arbeit gestellt und nutzt es sowohl als Mittel zur Ermächtigung als auch als Humor. Wenn wir über LGBT-Kunst nachdenken, vergessen wir oft, dass Sexualität nicht immer auf den Partner ausgerichtet sein muss. Wie bei den meisten Dingen beginnt sie bei einem selbst und erfordert oft ein hohes Maß an Introspektion und Selbsterforschung. Die witzigen und ästhetischen Werke von Charlotte Abramow werden uns dabei sicherlich helfen!
Haben Sie sich jemals gefragt, was man mit einer Schere und etwas Pappe alles machen kann? Der kubanische Künstler Juan Boilero hat daraus eine Kunst gemacht. Er verwendet Découpage, um uns spielerische und stolze Darstellungen der männlichen Sexualität zu bieten. Die Wiederholungen in seinen Werken machen sie nur noch besser. Der Betrachter muss sich auf die Suche machen, um die kleine Diskrepanz innerhalb des Musters zu entdecken. Normalerweise wechselt die Figur in der rechten unteren Ecke auf subtile Weise. Es ist fast so, als würde der Künstler dem Betrachter zuzwinkern. In La Miranda offenbart das leichte Anheben des Hutes einen der aufgeladenen Blicke der Figur. Die Anonymität, die Uniformität beginnt zu verblassen, und wir sehen das Individuum in der Menge.
4. Frida Kahlo, Self-Portrait with Cropped Hair, 1940
Frida Kahlo, Self-Portrait with Cropped Hair, 1940
Auch wenn es oft gesagt wird, muss man es wiederholen: Frida Kahlo war ihrer Zeit zweifelsohne voraus. Dieses Selbstporträt aus dem Jahr 1940 ist nur ein Beweis dafür, denn es zeigt uns eines der ersten echten Beispiele für LGBT-Kunst. Unter einigen Zeilen Text und Musik finden wir die Künstlerin auf einem Stuhl sitzend, umgeben von ihren frisch geschnittenen Haarsträhnen. Mit der Schere in der Hand wirkt sie angesichts ihrer entblößten Weiblichkeit eher gelassen als verzweifelt. Dieses Symbol der Weiblichkeit, an das sich viele klammern, um ihr Geschlecht zu signalisieren und zu behaupten, wird von Frida Kahlo selbstbewusst beiseite geworfen, indem sie bereits durch ihre Kleiderwahl die männlichen Aspekte ihrer selbst umarmt. Die Künstlerin vertrat die Ansicht, dass jeder von uns sowohl männliche als auch weibliche Eigenschaften in sich trägt, und ermutigte uns, uns dieser Pluralität zu stellen, anstatt sie zu leugnen.
Mit The Rivals fängt die in Barcelona lebende Fotografin Lídia Vives einen grundlegenden Aspekt gleichgeschlechtlicher und nicht-heteronormativer Beziehungen ein: die Kameradschaft. Die Uniformen auf diesem Foto betonen die Ähnlichkeiten zwischen den beiden Personen. Bei genauerem Hinsehen wird jedoch schnell deutlich, dass sie unterschiedliche Farben tragen und somit verschiedenen Teams angehören. Dieses Detail verdeutlicht die Komplexität des Queer-Seins und die Notwendigkeit, sich im Spannungsfeld zwischen Freundschaft und Romanze, Schwesternschaft und binären Geschlechterrollen zu bewegen.
Das Foto verweist auch auf die komplizierte Beziehung zwischen Sexualität und Sport. Ob es sich um Cheerleader oder Footballspieler handelt, diese Räume werden durch ihre Strenge und körperliche Exzellenz bestimmt. Auch wenn sie in der Vergangenheit nicht gerade einladend für Athleten waren, die dem Geschlecht nicht entsprechen, haben wir gesehen, dass Repräsentation einen langen Weg gehen kann… vor allem, wenn sie in Form eines wunderschön komponierten Fotos erfolgt.
6. Robert Mapplethorpe, Two Men Dancing, 1984
Robert Mapplethorpe, Two Men Dancing,1984
Keiner hat die Dualität so genial gemeistert wie Robert Mapplethorpe. Der Filmfotograf begann seine Karriere bekanntlich an der Seite der Chelsea-Hotel-Legende Patti Smith. Mit seiner Hasselblad im Mittelformat perfektionierte er das Spiel mit den Gegensätzen und trieb sie bis an ihre Grenzen. Seine Schwarz-Weiß-Fotografien sind kontrastreich, sowohl auf technischer und ästhetischer Ebene als auch in Bezug auf die von ihm gewählten Motive. In Two Men Dancing sehen wir, wie sich die Dichotomie zwischen männlich und weiblich durchsetzt und das Harte dem Sanften gegenübergestellt wird. Als Teil der New Yorker SM-Szene in den späten 70er Jahren gingen Mapplethorpes Bilder oft noch einen Schritt weiter und erforschten die Beziehung zwischen Dominanz und Unterwerfung, Reinheit und „Unmoral“, Zensur und Freiheit….
7. Keith Haring & Tseng Kwong Chi, Bill T. Jones Body Painting, 1983
Keith Haring (in Zusammenarbeit mit Tseng Kwong Chi) Bill T. Jones Body Painting von Keith Haring(Image G), 1983
Die Körperbilder von Keith Haring folgen der langjährigen Tradition des Künstlers, Leinwände zu meiden und künstlerisches Neuland zu betreten. Angefangen mit seinen U-Bahn-Skizzen scheute sich Haring nicht, die Kunst aus ihrem formalen Kontext zu lösen, was ihn schließlich dazu brachte, die Motive selbst zu malen. Diese Kunstperformances, an denen Stars wie Grace Jones und Robert Mapplethorpe teilnahmen, wurden oft auf Film festgehalten. Das Foto von Bill T. Jones aus dem Jahr 1983 entstand in Zusammenarbeit mit dem Fotografen Tseng Kwong Chi. Die Schwarzweißbilder haben einen spektakulären Moment verewigt: das Zusammentreffen dreier Künstler, die Fotografie, Choreografie und Street Art miteinander verbinden.
Als berühmter Tänzer und Choreograf hat Bill T. Jones während seiner gesamten Karriere die Verbindung zwischen Kunst und Identität zum Ausdruck gebracht. In diesem Fall verbindet sich die Ausdruckskraft des Tanzes mit einer anderen Ausdrucksform, nämlich mit den einzigartigen und rätselhaften Hieroglyphen von Haring. Diese besondere Zeit und ihre Künstler ebneten den Weg für das, was queere Kunst heute bedeutet.
In seiner Serie „Amorfismos“ oder „Aphormisms“ erforscht Javier Rey die verzerrten, negativen Bilder, die wir von uns selbst haben. „Ich erkenne den Körper als eine unbequeme und sich verändernde Masse, als ein Objekt, das ich bewohne und das sich mit dem Gebrauch verschlechtert, ein Gewicht, das ich wie etwas Fremdes und Lästiges mit mir herumschleppen muss“, erklärt der Künstler. Dieses Projekt zielt also darauf ab, die mentalen Bilder, die wir von uns selbst haben, darzustellen und sie in konkrete, gemeinsame Realitäten zu verwandeln. In der Arbeit mit dem Titel Amorphisms 7 können wir die physischen Indikatoren für ein negatives Selbstbild und Scham erkennen, denn die Figuren kauern und krümmen sich in sich selbst.
In dieser Serie schließen sich verschiedene Paare zusammen und werden eins. Rey nutzt dabei die Fotografie als Ausgangspunkt, um „mein Selbstbild zu erforschen und zu rekonstruieren, was zu einer Masse von Häuten führt, die sich im Raum verklumpen.“
9. Tracey Emin, Her Soft Lips Touched Mine and Every Thing Became Hard, 2008
Tracey Emin, Her Soft Lips Touched Mine and Every Thing Became Hard, 2008
Die Werke der britischen Künstlerin Tracey Emin sind weithin als autobiografisch anerkannt und beruhen auf ihren persönlichen Erfahrungen mit Kontroversen und Traumata. Die Künstlerin hat ihr Privatleben während ihrer gesamten Karriere verarbeitet, sei es in der polemischen Installation Everyone I Ever Slept With oder in den Liebesbriefen, die sie seitdem veröffentlicht hat. Emins Neontranskriptionen, die ihre eigene Handschrift imitieren, bilden da keine Ausnahme. Sie bleiben intim und zutiefst persönlich, halten flüchtige Gedanken oder unausgesprochene Wünsche fest. Die Botschaft in diesem Werk mit dem Titel Her Soft Lips Touched Mine and Every Thing Became Hard ist eine von vielen. Ein weiteres rätselhaftes Beispiel für LGBT-Kunst ist die Neonschrift: „I Loved You Like a Distant Star“. Obwohl diese Kunstwerke nicht so visuell sind, wie sie zum Nachdenken anregen, stehen sie in der Tradition, die offene, bekennende moderne Liebe ungeniert darzustellen.
Ihre bekenntnishaften Werke hatten einen wichtigen Einfluss auf die Kunstwelt, indem sie feministische Erzählungen normalisierten und Wege für unkonventionelle, von Traumata geprägte Erfahrungen eröffneten. Tracey Emins Ansatz verwirrt nach wie vor viele Menschen und stellt die Institutionen und Konventionen, die den Status quo aufrechterhalten, immer wieder in Frage.
10. Gilbert and George, George the Cunt and Gilbert the Shit, 1969
Gilbert and George, George the Cunt and Gilbert the Shit, 1969
Das berühmte Künstlerduo Gilbert & George lernte sich bereits als Studenten an der Saint Martin’s School of Art in London kennen. Seitdem arbeiten sie zusammen und sind für ihre charakteristischen Anzüge und ihren selbstreflexiven Ansatz der „lebenden Skulptur“ in der Performancekunst bekannt. George the Cunt and Gilbert the Shit, eines ihrer ersten gemeinsamen Werke, symbolisiert den Humor und den anti-elitären Ansatz des Paares in der Kunst. Die selbst auferlegten Bezeichnungen sollten der zu erwartenden Kritik aus der Kunstwelt und deren Rezensionen zuvorkommen. Die Erwartungen, die das Selbstporträt des Paares aus dem Jahr 1969 zum Ausdruck brachte, waren nicht ganz unberechtigt. Später sollten Gilbert & George wegen der von ihnen gewählten Sujets viel Kritik einstecken müssen.
Mit Nacktheit und expliziten sexuellen Handlungen, die im Mittelpunkt ihrer Arbeit standen, definierten Gilbert & George das Ausmaß, in dem Sexualität in einem formalen, künstlerischen Rahmen erforscht werden konnte, neu. Allerdings sind die Künstler wegen ihrer politischen Haltung und ihrer ständigen Verteidigung des Konservatismus sehr umstritten. Bei der Erörterung dieser Fragen betonen Gilbert & George, dass es wichtig ist, die Hegemonie auf allen Ebenen zu bekämpfen, insbesondere wenn es um das öffentliche Denken geht.
Queer- und LGBT-Kunst im Kommen…
Unabhängig von ihrer Form ist queere und LGBT-Kunst besonders kraftvoll und grenzüberschreitend. Von der Fotografie bis zum Bodypainting, von der Neonkunst bis zur Découpage – verschiedene Medien haben LGBT-Künstler in ihren Bann gezogen, deren kreatives Potenzial wirklich endlos ist. Wenn Sie immer noch neugierig sind, wie Geschlecht und Sexualität die Kunstwelt beeinflussen können, brauchen Sie sich keine Sorgen zu machen! Entdecken Sie mit Artsper die 5 wichtigsten Trans-Künstler, die die Kunstszene erobern…
Artsper, 2013 gegründet, ist ein Online-Marktplatz für zeitgenössische Kunst. Durch die Zusammenarbeit mit 1.800 professionellen Kunstgalerien auf der ganzen Welt macht Artsper die Entdeckung und den Erwerb von Kunst für alle zugänglich.
