Lucio Fontana, un artiste visionnaire

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Lucio Fontana en 1965

Vous ne connaissez peut-être pas son nom, mais il y a des chances que vous ayez déjà vu ses peintures monochromes entaillées, sa signature. Il est le père du mouvement du Spatialisme, et son génie novateur a été crucial pour le développement de l’art abstrait. De janvier à avril 2019, le MET à New York dédie une retrospective exceptionnelle à cet artiste italien : « Lucio Fontana : On the Threshold » . Certaines de ses oeuvres les plus célèbres seront exposées. Dans cet article, nous vous faisons découvrir la vie et le travail d’un artiste visionnaire, qui a inspiré de nombreux mouvements artistiques du 20ème siècle.

Un artiste pionnier

Lucio Fontana est né en 1899 à Rosario de Santa Fé, en Argentine, de parents italiens. Il a passé les années trente et quarante en France et en Italie, où il a travaillé comme sculpteur et a organisé ses premières expositions. Bien qu’il soit surtout connu pour ses peintures, Fontana a d’abord eu une formation de sculpteur. Son parcours dans ce domaine explique son intérêt incessant pour les notions de surface et de dimension. A cette époque, il commence à expérimenter quelques notions du spatialisme avec des œuvres telles que Scultura Spaziale. En formulant ses idées, il a défini un nouveau type d’art et rejeté les vieilles traditions.

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Lucio Fontana dans son studio Via De Amicis, à Milan, 1933

Au début de la seconde guerre mondiale, Fontana se réfugie en Argentine, son pays natal, où il fonde l’Altamira Academy. Il y écrit le Manifesto Bianco avec ses étudiants, dans lequel il expose les théories et les idées qui ont façonné le mouvement spatialiste. En formulant ses idées sur la recherche artistique, il a défini un nouvel art et rejeté les vieilles traditions.

Après la seconde guerre mondiale, Fontana est retourné en Italie où il a continué d’explorer les idées à l’origine de son Spatialisme. Il a commencé à expérimenter différentes techniques innovantes, notamment la lumière et le vide comme un moyen de générer de l’espace. L’artiste italien a été salué par la critique pour son inventivité tout au long de sa vie. Il est décédé en 1968 à Comabbio, en Italie.

Un mouvement artistique révolutionnaire

L’idée principale du Spatialisme était de créer une forme d’art qui synthétiserait sons, couleurs, mouvement et espace dans une seule et même œuvre. Comme il l’a expliqué dans son Manifesto Blanco, le désir ultime de Lucio Fontana était de créer une unité d’art et d’espace : « La couleur, un élément de l’espace ; le son un élément du temps ; et le mouvement oscille entre temps et espace. Fontana trouvait l’inspiration dans la fascination des futuristes pour la technologie. Il voulait encourager les artistes à adopter la modernité et à utiliser de nouvelles techniques adaptées à l’ère moderne.

Fontana était obsédé par la dimension conceptuelle de l’art, qu’il percevait comme un instrument de recherche plutôt que comme un simple questionnement esthétique. Il disait d’ailleurs : « je ne veux pas faire de peinture. Je veux ouvrir un espace, créer une nouvelle dimension, nouer un lien avec le cosmos, qui s’étend sans cesse au-delà du plan confiné d’une image ».

lucio fontana milan studio 1961
Lucio Fontana dans son studio de Corso Monforte à Milan, 1961

Ces innovations ont ouvert de nouvelles perspectives pour la recherche artistique, préfigurant les principaux mouvements artistiques du 20ème siècle tels que l’Arte Povera, l’expressionnisme Abstrait, le Minimalisme et le Zéro.

Focus sur ses oeuvres

1. Concetto Spaziale

lucio fontana concetto spaziale painting


Concetto Spaziale, Attese, 1960

Plus tard sous-titrée Attese (l’attente), la série Concetto Spaziale, est la plus célèbre de l’artiste. Ces toiles monochromatiques entaillées méticuleusement ont initié la période « tagli », rompant avec le geste informel et aléatoire de sa précédente phase « buchi ». En perforant et lacérant ses toiles, Fontana dépasse la matérialité de son support. La toile n’est désormais plus une surface plane mais devient un objet en trois dimensions. La peinture elle-même devient obsolète, ce qui rend la création de l’œuvre non plus additive mais soustractive.

Fontana utilise les entailles pour suggérer une idée d’ouverture et de vide pour offrir une expérience concrète de l’espace. Ce geste radical indique une rupture avec la tradition académique de la peinture; la toile sainte est, pour ainsi dire, violée. Fontana révèle la matérialité du support lui-même et rompt avec la tradition illusionniste associée à la peinture. Il dénonce ainsi la connotation bourgeoise de la fonction décorative et esthétique de l’Art. L’experience remplace l’illusion. Les ombres apparaissent véritablement sur la toile et ne sont plus seulement simulées par le mimesis.

2. Ambiante Spaziale a Luce Nera

lucio fontana installation neon ambiante spaziale
Ambiante Spaziale a Luce Nera, 1949

Le travail de Fontana s’étend bien au-delà de la perforation et de la découpe de ses toiles. Son œuvre Ambiante Spaziale a Luce Nera créée en 1949 est un exemple pionnier de ce qu’on a appelé plus tard l’installation artistique. 70 ans plus tard, cette œuvre n’a pas pris une ride, et garde une dimension très contemporaine. Pour cette œuvre, Fontana a utilisé des matériaux innovants tels que le néon et la peinture phosphorescente. La durée de vie de cette installation n’était que de six jours, le temps de l’exposition. Fontana voulait créer pour le visiteur un espace de « liberté émotive », avec « ni peinture ni lumière ; une forme lumineuse dans l’espace ». Ce sont les œuvres les plus expérimentales et les moins connues de Fontana, en raison de leur caractère éphémère.

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