Les liens entre l’art et la musique sont depuis longtemps discutés par les théoriciens. D’ailleurs, on parle souvent de tableaux musicaux ou de chansons aux couleurs vibrantes. Quant aux œuvres d’art, ne sont-elles pas qualifiées d’arrangements, d’harmonies ou de symphonies de créativité ? Ainsi, la musique et l’art sont intrinsèquement reliés. Cet article se propose d’explorer quelques-uns des meilleurs exemples de la convergence de ces disciplines « sœurs ». Laissez Artsper vous emmener dans un voyage célébrant la synesthésieet découvrez les meilleures musiques à écouter en tant qu’amoureux d’art !
La comparaison entre deux disciplines d’arts « sœurs »
La comparaison entre les arts, appelée « paragone » par Léonard de Vinci, est une tradition de longue date du monde classique. La peinture, la poésie et la musique sont incarnées par les déesses grecques. Ceci est en raison de leur recherche commune de la vérité et de la beauté objectives. Dans son « Optiks » de 1704, Isaac Newton propose que l’arc-en-ciel soit composé de sept couleurs. Il utilise l’analogie directe avec les sept notes de la gamme musicale diatonique.
Alors que la période des Lumières choisit de se concentrer sur les différences entre les diverses formes d’art, l’ère moderne privilégie une approche holistique pour définir les similitudes entre les arts. Nous utilisons le terme « artistes » pour désigner les créateurs travaillant dans les deux disciplines. Dans son « Essai sur l’origine des langues » (1755), Jean-Jacques Rousseau notait que les arts étaient comme des langues différenciées par le sens humain particulier auquel elles s’adressaient. La musique et les arts visuels se côtoient dans le même but de procurer du plaisir, que ce soit par la stimulation sensorielle visuelle ou orale.
À une époque où les mots ou la langue n’étaient pas maîtrisés par une partie de la population, la musique et l’art traduisaient le sens. Au-delà de leur valeur descriptive et esthétique, ces arts ont la capacité émotionnelle à véhiculer des choses qui les dépasse. James Abott McNeill Whistler enrichit le débat en disant : « Comme la musique est la poésie du son, la peinture est la poésie de la vue, et le sujet n’a rien à voir avec l’harmonie du son ou de la couleur. Les grands musiciens le savaient. »
L’exemple parfait : « Dark Side of The Moon » de Pink Floyd
Pour commencer cette liste de musiques inspirées par l’art, commençons par « Dark Side of The Moon » de Pink Floyd, dont la couverture d’album reste l’une des plus connues au monde. Sorti en 1973, l’album de Pink Floyd a laissé un héritage visuel durable sur la scène artistique et culturelle.
Ces dernières années, l’Atelier des lumières à Paris a organisé une exposition consacrée au maître surréaliste Dali. Cette projection visuelle et sonore est accompagnée de la bande son du célèbre groupe. Ici, on peut voir une correspondance étroite entre le visuel et l’oral. Les rythmes ondulants de la musique correspondent aux images. Les airs rebondissent sur les murs, où les projections fluides et chromatiques s’enchaînent avec rythme. Résultat ? Une expérience sensorielle complète, qui émerveille en même temps la tête, les oreilles et les yeux. D’ailleurs, le succès de ce nouveau type d’exposition immersive a été immédiat. Aujourd’hui, on retrouve le même concept dans de nombreuses villes du monde entier, comme Bordeaux, Londres et Paris, pour n’en citer que quelques-unes.
Pour continuer cette liste de musiques parfaites pour les amateurs d’art, nous devions invoquer au moins un morceau classique. Tout au long de l’histoire, les périodes de changement culturel marquent une progression des arts, dans tous les domaines. Au cours de la période charnière du classicisme (1730-1820), des compositeurs tels que Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven ont créé des chefs-d’œuvre absolus, largement admirés, notamment des symphonies, des quatuors à cordes et des concertos.
La musique romantique qui a suivi (1800-1910) s’est plutôt concentrée sur la musique à programme (œuvres instrumentales) avec une prédisposition pour la chanson d’art, le poème symphonique et divers genres pianistiques. À cette époque, la virtuosité était le maître-mot. On encourage l’immensité, tout en intégrant la philosophie et le nationalisme, et le meilleur exemple est sans aucune doute les opéras de Richard Wagner.
Au 20ème siècle, l’unification stylistique s’est progressivement dissipée. La musique populaire prend alors une place de plus en plus importante. De nombreux compositeurs évitent volontairement les techniques et les genres du passé dans l’optique du modernisme. Certains abandonnent la tonalité au profit du sérialisme. D’autres trouvent une nouvelle inspiration dans les mélodies folkloriques ou les sentiments impressionnistes. Ainsi, si les mouvements artistiques du classicisme, du modernisme et de l’impressionnisme ont profondément bouleversé le monde de l’art, il en a été de même pour le monde de la musique.
Nos suggestions de chansons :
« Piano Concerto N°21 en C Majeure » de Mozart,
« Visions of Gideon » de Sufjan Stevens,
« Ala » de Joep Beving.
La rencontre de deux grands maîtres
La chanson de David Bowie intitulée « Andy Warhol » est sortie en 1971. Cet hommage classique à Andy Warhol immortalise la carrière de l’artiste en tant que leader incontesté du mouvement pop art. Les paroles énigmatiques de David Bowie s’avèrent aussi envoûtantes que la chanson elle-même, comme le refrain « Andy Warhol, silver screen/Can’t tell them apart at all ». Ces paroles font référence au large éventail de réalisations créatives de Warhol, de la musique à l’art en passant par le cinéma, et rendent compte de l’importance de cette figure pour l’évolution de l’art. En 1996, Bowie a joué le rôle de Warhol. Affublé de la perruque argentée caractéristique de l’artiste, il participe au film biographique de Julian Schnabel sur Jean-Michel Basquiat.
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Nos suggestions de chansons :
« Andy Warhol », « Space Oddity » et « Starman » de David Bowie.
Les grandes figures féminines de la musique et de l’art
La chanson « What the Water Gave Me »(2011) de Florence and the Machine s’inspire d’une chef de file féministe des arts. En effet, c’est une peinture de Frida Kahlo qui a donné naissance à cette chanson de l’album « Ceremonials » (2011) de Florence and the Machine. « La plupart du temps, quand j’écris, les choses apparaissent simplement. J’étais en train d’écrire la chanson et ce livre sur le symbolisme traînait par terre, et il y avait le tableau dedans. C’est bien de mélanger l’ordinaire et l’extraordinaire », a déclaré la chanteuse Florence Welsh. Les paroles de cette chanson font référence à la scène chaotique qui se déroule dans le tableau de Kahlo, celle des personnes échouées en mer.
« What the Water Gave Me » and « Bird Song » de Florence and the Machine,
« Blush » de Wolf Alice.
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Voilà un bref résumé de notre playlist idéale pour les mélomanes ! Bien sûr, la liste est infinie… En tout cas, celle-ci démontre le lien intrinsèque entre les arts. Si vous avez envie d’en savoir plus sur les périodes de l’histoire de l’art liées à la musique contemporaine, consultez dès maintenant d’autres articles sur notre blog !
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