Visions d’artistes sur 3 thèmes de société à l'épreuve du confinement

Après avoir décrypté trois œuvres réalisées en plein confinement, Artsper prolonge sa réflexion sur la façon dont les artistes vivent la situation actuelle. Au programme, trois visions d’artistes dévoilées grâce à de nouvelles analyses d’œuvres, dont les thèmes font écho à ce que nous traversons actuellement. Une façon inédite de découvrir des œuvres de l’intérieur mais aussi de comprendre comment de tels sujet seraient interprétés aujourd’hui.

Une œuvre personnelle et bouleversante : Sans-Logis de C215

Commençons avec une peinture du street artiste C215 qui aborde la question des sans-abris. Même si cette œuvre n’est pas récente, le sujet semble toujours aussi urgent et complexe. Une problématique peu ordinaire, qui a toujours inspirée l’artiste C215 : « C’est une œuvre qui date de plusieurs années, en fait ce thème m’a toujours inspiré et j’ai même monté une exposition il y a 2 ans sur le sujet. J’ai représenté un sans-abri pour la 1ère fois il y a 13 ans, au départ je souhaitais sensibiliser les gens à cette présence. La problématique a beaucoup évolué, aujourd’hui en France les sans-abris sont de plus en plus des réfugiés, ce qui n’est pas anodin…».

Une œuvre qui résonne encore autrement aujourd’hui au vu du confinement, car comme l’explique l’artiste, « ils sont livrés à la maladie, plus encore que nous autres qui avons la chance de pouvoir être confinés dans de bonnes conditions ». D’ailleurs l’artiste nous confie qu’il traiterait ce sujet exactement de la même façon aujourd’hui car « la problématique est universelle et encore plus d’actualité ! ».

Réalisée à partir d’un support en bois et d’un camaïeu de bruns, cette œuvre rappelle les matières et couleurs que l’on pourrait retrouver dans la rue. Elle est très représentative du travail de C215 comme il nous le dit lui-même « Je travaille en créant des pochoirs à la main et des combinaisons de pochoirs, il n’y a aucun travail au logiciel ». Le street artiste nous livre ici une œuvre qui interpelle, notamment par le regard latéral du personnage et sa position, comme figée en plein mouvement. Malgré le choix du sujet, forcément engagé, l’artiste souhaite avant tout laisser à chacun la possibilité de l’interpréter et de la comprendre à sa manière.

« C’est à chacun de se faire sa propre idée sur l’émotion qu’elle suscite chez lui, ou pas d’ailleurs, car une émotion se laisse difficilement piéger par les mots, elle peut aussi s’échapper furtivement. J’ai envie que les gens ressentent exactement ce qu’ils veulent, personnellement j’essaie de laisser de côté les appréciations » raconte l’artiste.

Un sujet assez dur qui a pourtant rencontré un vrai succès, à la grande surprise du principal intéressé : « C’est une thématique assez étonnante, je ne pensais pas du tout qu’elle puisse être l’objet de collections, et finalement c’est un de mes thèmes les plus demandés par les collectionneurs. Une de mes œuvres sur ce sujet, réalisée sur une boîte aux lettres, est d’ailleurs exposée au Musée de La Poste ! ». 

Si vous aussi, le sujet vous touche, n’hésitez pas à consulter ses œuvres sur Artsper. C215 est également représenté par La Galerie Urbaine à Uzès, avec laquelle il collabore d’ailleurs depuis des années. Celle-ci regroupe aussi bien des artistes émergents que prestigieux, comme Invader, Jonone ou Robert Combas.

Une œuvre intrigante et poétique : Emotion tissée, attente de Ibrahim Ballo

À la fois énigmatique et imaginative, la peinture d’Ibrahim Ballo est une invitation au voyage et à la réflexion comme il nous l’explique lui-même « Ma source d’inspiration émane de mes questionnements sur les liens qui unissent les êtres humains et leurs rêves ».

Dans cette œuvre réalisée au Mali, l’artiste cherche à exprimer des sentiments si violents qu’ils provoquent, chez son personnage, un sentiment paradoxal d’attente, de calme. « Réalisée en 2019, dans mon pays le Mali, cruellement en crise, cette œuvre parle de la fureur qui impose le silence ». Une œuvre qui exprime la solitude grâce à cet homme, dénudé et solitaire, assis sur une natte traditionnelle. Chaque fil de coton tissu sur la toile représente un pont vers le personnage, un point d’accroche qu’il suffit de saisir pour permettre le dialogue. C’est le symbole de « ce qui est essentiel aux êtres humains à savoir leurs liens mutuels ». Un message tout en ambivalence et nuances, à l’image même de la crise que nous vivons actuellement.

Enfin le pansement rouge sur les yeux attire irrémédiablement notre attention avec une question. Ce morceau rouge sur son visage représente-t-il l’enfermement ou bien une ouverture ? Selon l’artiste, « il aveugle le sujet et exprime l’obscurantisme qui taraude le monde. Mais l’espérance est sous-jacente par chacun de ces points de tissage qui pourront à nouveau relier les hommes ». Cette œuvre, très personnelle, est pourtant universelle. En effet Ibrahim Ballo nous précise « Mon personnage conserve sa faculté de s’émouvoir. Il est en attente, preuve d’un possible avenir ». 

Un message d’espoir qui fait écho à ce que nous traversons tous aujourd’hui, comme le conclut l’artiste. « Notre avenir commun est fortement perturbé actuellement avec la pandémie du Covid-19. J’ai voulu porter témoignage. Il n’est plus question d’attendre. Il faut agir, sensibiliser aux mesures de prévention. C’est ce que veulent exprimer deux nouvelles toiles : « Le chasseur à la flûte », dans laquelle le personnage appelle les enfants à faire attention en référence au conte « Le joueur de flûte de Hamelin » et « Prévenir ».

Retrouvez ces deux œuvres et d’autres réalisées par Ibrahim Ballo sur Artsper, également représenté par la galerie SAGA à Lille. Celle-ci conduit des actions de sensibilisation aux arts avec l’accueil d’artistes locaux ou étrangers et promeut notamment les travaux d’artistes africains.

Une œuvre engagée et troublante : Portrait Of A Super Virus de R. Wayne Reynolds 

R. Wayne Reynolds a réalisé cette peinture à l’hiver 2018 alors qu’il préparait une série de cinq œuvres pour une exposition à Zurich. Sur les cinq, trois traitent exactement du même thème que Portrait Of A Super Virus. Il est toujours intéressant pour un spectateur de comprendre les liens entre différentes œuvres d’un même artiste et la façon dont un sujet unique peut se traduire de différentes manières. Dans ce cas, l’artiste voulait mettre en avant « les dommages que nous causons à notre environnement et le fait que, je crois, nous ne « possédons » pas la Terre ». C’est pourquoi les deux autres tableaux portent les noms révélateurs de They Are Not Your Diamonds et Micro Plastics Mutating.

Un sujet récurrent dans le travail de l’artiste, comme il nous l’explique lui-même « Pendant de nombreuses années, je me suis concentré sur la façon dont les humains peuvent être négligents et destructeurs entre eux, et plus important encore, sur la façon dont notre civilisation a ignoré ce que nous faisons à la planète Terre ». Si l’artiste souhaite nous alerter sur les problématiques environnementales, il n’en reste pas moins optimiste et croit « qu’il y a toujours de l’espoir pour nous d’accepter nos responsabilités et de trouver des solutions aux problèmes que nous avons nous-mêmes créés ».

R. Wayne Reynolds a réalisé ce tableau après avoir entendu dans une émission scientifique que l’industrie pharmaceutique préférait prescrire des médicaments existants plutôt qu’en développer de nouveaux pour des questions de rentabilité, sans prendre en considération le fait que les virus sont de plus en plus résistants, ce qui pourrait entraîner une pandémie mondiale. Un choix d’œuvre à mi-chemin entre l’actualité et la science, qui résonne de façon curieusement prophétique aujourd’hui…

Ainsi son œuvre au titre évocateur traduit le même sentiment d’urgence que celles de C215 et Ibrahim Ballo. Il nous explique ses objectifs par ces mots « Je veux réveiller le plus de gens possible, car tout ce que nous avons, c’est cette fragile planète rocheuse et nous devons écouter ce que l’Univers essaie de nous dire. Nous avons déjà ignoré de nombreux signes, et ce n’est que si nous faisons un effort commun que nous pourrons améliorer nos chances de survie ». En effet, pour lui « l’art a toujours été un moyen puissant de transmettre l’émotion, je sais que c’est ce qui m’apporte le plus de paix tout en me permettant de sonner l’alarme ».

Pour cette série, l’artiste a d’ailleurs développé un nouveau style en jouant avec le morphing des formes, des motifs et des couleurs avec des transitions organiques. Une palette de couleurs à la fois mouvantes et énigmatiques qui renforce le pouvoir d’attraction de l’œuvre.

Enfin, l’artiste a réfléchi à la façon dont il représenterait aujourd’hui ce même sujet. Et le résultat n’est autre que l’œuvre ci-dessous. Intitulée Social Distancing, Some Do and Some Don’t!, il l’a commencée fin février 2020 et a réalisé au fur et à mesure de sa progression, que c’était en fait sa réponse à la façon dont le coronavirus affectait le monde entier. « J’ai trouvé que cette petite peinture sur panneau (12 « x 16 ») était le seul endroit que j’avais l’impression de pouvoir encore contrôler, car toute la normalité s’évaporait rapidement autour de moi, et que j’étais à la fois pas vraiment convaincu et pourtant plein d’espoir que cette fois le message serait entendu ! ».

Retrouvez les œuvres de R. Wayne Reynolds sur Artsper ! Il est également représenté par la galerie Art Goda à Zurich. Celle-ci met en avant des artistes talentueux venus de Lituanie , Suisse et Etats-Unis et admirés par des collectionneurs en Europe et aux Etats-Unis.

Des artistes sans cesse en questionnement

Ces trois artistes, chacun à leur façon, nous confient les sujets qui les préoccupent et les interpellent. Entre témoignages et appels à l’action, ils nous invitent à nous questionner et à agir, en totale opposition avec l’image de l’artiste rêveur que nous avons parfois en tête. Ces trois visions d’artistes permettent également de comprendre comment un auteur analyse son propre sujet des années plus tard, à la lumière de l’actualité, et parfois même donner lieu à de nouvelles interprétations !