La importancia del autorretrato de Frida Kahlo con el collar de espinas y el colibrí

Frida Kahlo pintó numerosos autorretratos a lo largo de su carrera. Tras su divorcio del pintor mexicano Diego Rivera, pintó el autorretrato Autorretrato con Collar de Espinas. Esta obra es famosa por su composición, en la que aparece junto a un gato negro, un colibrí y un mono. La obra Autorretrato con collar de espinas y colibrí se considera hoy en día una representación sorprendentemente realista de la lucha emocional interior de Frida Kahlo. Descubra con Artsper el significado de cada uno de los elementos reunidos en este autorretrato introspectivo, altamente simbólico y alegórico !

Un cuadro pintado en un momento crucial de la vida de Frida Kahlo.

Autorretrato con Collar de Espinas es un autorretrato pintado al óleo sobre lienzo en 1940. A pesar de varias desgracias, entre ellas un accidente de autobús a los 18 años, la década en la que se pintó este emblemático autorretrato resultó ser la más trágica de su vida. Durante este periodo, Kahlo sufrió tres abortos espontáneos, varias decenas de operaciones (una de las cuales incluyó la amputación de los dedos de los pies), la muerte de su madre y numerosos rumores de infidelidades en su matrimonio con Diego Rivera. La vida de la artista mexicana estuvo marcada por la tragedia, lo que se refleja en su visión creativa.

Entre el dolor y la pintura introspectiva

Así, este autorretrato íntimo es testimonio de un período doloroso en la vida de Kahlo. Refleja una profunda tristeza, que va más allá de los dolores crónicos provocados por su accidente. El lienzo simboliza también una angustia emocional. Porque el arte era la única vía de escape que Kahlo encontró para afrontar su dolor. A lo largo de su carrera, el dolor y la pintura van de la mano, a menudo sublimándose el uno en el otro. Frida Kahlo comienza a pintar durante su convalecencia. Y es precisamente la pintura lo que le permite liberarse de su angustia y expresarse libremente.

El artista habría dicho lo siguiente: «Mis pinturas transmiten un mensaje de dolor».

Ninguna otra cita o acontecimiento de la vida de Frida Kahlo describe de manera más personal que esta El collar de espinas y el colibrí. Realiza este cuadro tras su primer divorcio de Rivera y el fin de su relación con el fotógrafo Nickolas Muray. Es precisamente ese mismo año cuando se vuelve a casar con Rivera. Antes, y este detalle nos hace sonreír, su amante Muray compró este cuadro para ayudar a Kahlo en su situación financiera.

El autorretrato, el género predilecto de Frida Kahlo

Los autorretratos de Kahlo suman 55 de un total de 143 pinturas. Los especialistas los han interpretado como un intento de recuperar su libertad, representando su cuerpo a través de su propia mirada. La propia Kahlo explicaba: «Me pinto a mí misma porque estoy sola muy a menudo, porque soy el tema que mejor conozco». En una época en la que el mundo del arte, mayoritariamente masculino, todavía representaba la forma femenina como un objeto de deseo para el hombre, Kahlo redefinió su propio tema. Al hacerlo, se opuso a los ideales de la época sobre la conformidad de los sexos y desafió las normas arquetípicas de la belleza. Al utilizar su propia imagen, Kahlo se opuso a una tradición patriarcal en el arte, lo que la convirtió en una artista profundamente feminista.

Una obra que refleja su compromiso político

El interés de Frida Kahlo por la política es otra valiosa vía de evasión. Convertida en un símbolo feminista moderno, Frida Kahlo también desempeñó un papel destacado en otro movimiento político, el de la revolución mexicana.

En sus pinturas de estilo naif o folclórico, predominan las representaciones de símbolos mexicanos. El arte de Kahlo refleja sus ideas nacionalistas y patrióticas como ferviente partidaria de la revolución a partir de 1910. En 1948, Frida Kahlo se unió al Partido Comunista Mexicano. En 1951, apoyó el movimiento por la paz en México. Expresa su herencia cultural a través de la representación del yo en sus pinturas. En sus obras posteriores, se inspira en el concepto de «mexicanidad» de su marido Rivera. Algunos dicen que Kahlo asumió la identidad de una mujer tehuana de origen mexicano en una identificación apasionada con las raíces indígenas prehispánicas de México.

Frida, la feminista

Frida Kahlo, cuyo rostro hoy en día adorna el movimiento feminista moderno en la cultura popular, desempeñó un papel importante en el surgimiento de un supuesto culto a la feminidad mexicana en el siglo XX. Sus retratos reflejan un movimiento femenino en auge en México en aquella época, que valoraba «el altruismo, el martirio, el sacrificio de uno mismo, la anulación de uno mismo y la negación de la propia existencia exterior», según Jolie Olcott.

En su autorretrato, reconsidera activamente los cánones de belleza. Aunque era conocida por su belleza, exagera deliberadamente sus rasgos físicos. Por ejemplo, su rostro bronceado, sus dientes torcidos, su ceja única y su bigote. Al acentuar deliberadamente sus rasgos, Kahlo cuestiona su doble relación con la feminidad y la androginia. Decía: «De mi rostro, me gustan las cejas y los ojos. Aparte de eso, no me gusta nada… Tengo bigote y, en general, el rostro del sexo opuesto».

El simbolismo del autorretrato de Frida Kahlo con su collar de espinas y su colibrí

Los detalles autobiográficos de la vida de Kahlo se reflejan directamente en la iconografía utilizada. De hecho, su estilo pictórico ingenuo o folclórico está fuertemente impregnado de simbolismo. Su arte suele estar compuesto por una mezcla de símbolos que hay que leer entre líneas, por así decirlo. Al destacar el contexto cultural de su obra, cuenta la historia de una joven mexicana. Es precisamente esta honestidad, brutal pero poética, la que ha dado lugar al reconocimiento internacional de su trabajo. La artista obtuvo primero reconocimiento internacional antes de alcanzar un verdadero éxito en México. Realizó su primera exposición individual en Estados Unidos (en la galería Julien Levy de Nueva York en 1938), antes de hacerlo, unos años más tarde, en México. Esto puede parecer irónico, para una obra tan estrechamente vinculada a su país natal.

La iconografía mexicana

A Kahlo le gusta fusionar el rico pasado étnico de México con su visión de los Estados Unidos y la sociedad occidental moderna. Esta contradicción se refleja en la combinación de iconografía cristiana y azteca en sus obras. Ya sea por sus cejas marcadas, su peinado apretado o su llamativa ropa tradicional, la apariencia de Kahlo evoca a una joven definitivamente mexicana, orgullosa de su herencia. Al utilizar la poderosa iconografía de la cultura indígena mexicana, Kahlo se sitúa en una tradición de rebelión contra las fuerzas coloniales y la dominación masculina.

Llenar un vacío gracias a los animales

El colibrí muerto que cuelga de su cuello se considera un amuleto para enamorarse en el folclore mexicano. Algunos interpretan el colgante de colibrí como un símbolo de Huitzilopochtli, el dios azteca de la guerra. En cuanto a la pantera negra, simboliza la mala suerte y la muerte. El mono, por su parte, es un símbolo del mal. Ademas, el paisaje natural, que normalmente simboliza la fertilidad, contrasta con las imágenes mortíferas del primer plano. El cuadro evoca sin filtros el dolor infligido por su relación amorosa y sus luchas contra la infertilidad. En la vida real, Kahlo recibió un mono araña como regalo de su marido. El mono del lienzo podría ser una referencia a su marido, que, de forma alegórica, inflige dolor a Kahlo tirando del collar de espinas que le rompe la piel.

En la creencia católica, el collar de espinas podría aludir a la corona de espinas de Cristo. Esto permitiría compararla con un mártir cristiano. En la misma línea, las mariposas y las libélulas podrían simbolizar su resurrección. Los historiadores del arte señalan que la alusión de Kahlo al martirio podría ser un signo de blasfemia intencionada.

Los animales desempeñan un papel importante en este cuadro y en toda la obra de Kahlo. La propia artista se sentía muy vinculada al reino animal. De hecho, trataba a algunos de sus animales domésticos como si fueran sus hijos. Este amor queda patente en su presencia en varios de sus cuadros.

Un cuadro pequeño pero poderoso

La composición de este cuadro está magníficamente equilibrada, con el rostro de Kahlo como punto central. Sin embargo, sus ojos no miran directamente al espectador. Están ligeramente bajos y parecen tristes, lo que obliga al espectador a interesarse por la naturaleza introspectiva de esta pintura. Es difícil apartar la mirada de esa mirada inmóvil, semidirecta, sin emoción y poderosa. Este cuadro es bastante pequeño (aproximadamente 24 cm × 18 cm), pero muestra a Kahlo en una posición frontal. La artista parece confrontar directamente al espectador y, por consiguiente, a la sociedad patriarcal. Aunque muchos la consideran surrealista, Kahlo siempre reivindicó la denominación de realista. En 1939, viajó a París y conoció a los pintores del movimiento surrealista. Entonces declaró que solo pintaba su «realidad» y los temas que mejor conocía, es decir, ella misma y su triste realidad, y desde luego no el contenido de sus sueños.

Desde 1966, la obra maestra de Kahlo ha dado la vuelta al mundo. Su legado no ha perdido nada de su viveza. Sigue siendo famosa por su contribución al movimiento feminista como artista mexicana y por haber dado a conocer el arte del «neomexicanismo». Pero para Kahlo, pintar no era solo una cuestión de influencia o legado. Era una forma de afrontar la vida. Es por esa intensidad y sinceridad emocional por lo que sus pinturas siguen atrayendo a la gente hoy en día. Y ahí reside el verdadero legado de Frida Kahlo.