Die Geschichten hinter 5 berühmten Tierskulpturen

Jedes Kunstwerk hat seine eigene, einzigartige Geschichte. Dabei kann es sich um ein bewusstes Konzept handeln, das der Künstler ansprechen möchte, oder um eine eher zweideutige Darstellung des Lebens des Künstlers und seines Weges dorthin, wo er jetzt ist. Im Laufe der Entwicklung der zeitgenössischen Kunst haben sich einige unglaublich anspruchsvolle visuelle Themen entwickelt. Viele dieser Themen und Motive werden durch die Darstellung von Tieren und der Natur zum Ausdruck gebracht. Die Konnotation des Löwen steht für Stärke und unerschütterliche Führungsqualitäten, ein Vogelschwarm, der über die Hügel fliegt, deutet auf eine kathartische Freiheit hin. Entdecken Sie die berühmtesten Tierskulpturen der zeitgenössischen Kunst, von Jeff Koons bis Louise Bourgeois, und erfahren Sie, wie sie entstanden sind!

1. It’s a celebration!

Jeff Koons ist der Inbegriff des Popkultur-Künstlers der heutigen Zeit. Inspiriert von Warhols Pop-Art-Darstellung kommerzieller Objekte, ist Koons‘ Werk eine Geste der kindlichen Nostalgie und der Erfahrung des Aufwachsens in einer sich schnell entwickelnden modernen Welt. Seine Celebration-Kollektion von 1994 verkörpert dies, und eines der ikonischsten Stücke, die hier ausgestellt wurden, war der Balloon Dog. Mit einer Höhe von drei Metern stellt die Skulptur (die inzwischen in großer Stückzahl produziert wird) das beliebte Partyobjekt aus hochglanzpoliertem und glänzendem Edelstahl dar. So unbeschwert und kindisch das Werk auf den ersten Blick erscheinen mag, so schwer ist es, die sentimentalen Interpretationen zu ignorieren, die sich zu diesem Werk entwickelt haben. Koons selbst sagte, der Hund stehe für die menschliche Erfahrung, da wir, wie die Skulpturen, Luft einatmen, um uns zu erhalten. Andere meinten, dass die strukturelle Starrheit der Stahlskulptur auf die Bedeutung von Kindheitsnostalgie und das Festhalten von Kindheitserinnerungen an uns hinweist.

2. Wo Kunst auf Aktivismus trifft

Das Werk von Rafael Gómezbarros wurde für seine tiefgreifenden konzeptuellen Kommentare zu Bürgerkriegen und der substanzlosen nationalen Sicherheitspolitik in seinem Heimatland gefeiert. Eines der symbolträchtigsten Werke im Repertoire des Künstlers ist vielleicht seine Casa Tomada. Die Installation besteht aus Hunderten einzelner Skulpturen von 50 Zentimeter langen Ameisen, die über Gebäude und Ausstellungsräume verteilt sind. Sie wird als eine Darstellung des bürgerlichen Protests gegen bürokratische Ungerechtigkeiten betrachtet. Es wurde unter anderem in der Saatchi Gallery in London und an verschiedenen historischen und politischen Gebäuden im Heimatland des Künstlers, Kolumbien, ausgestellt. Die Konnotation harter Arbeit und komplexer sozialer Hierarchien wird durch diese imposante Darstellung eines Ameisenvolkes wirkungsvoll vermittelt – eine sicherlich verzerrte visuelle Erfahrung. In der Tat ist dieses Werk ein hervorragendes Beispiel für die konzeptionelle und visuelle Kraft der Kunst im sozialen Aktivismus.

3. Klassiker der Kindheit

Eine weitere äußerst beliebte Tierskulptur der zeitgenössischen Welt ist die Mickey Mouse von KAWS. Dieses Werk ist sowohl in internationalen Galerien als auch in Privatsammlungen rund um den Globus zu finden. Der Künstler begann seine Karriere 1974 als Jugendlicher in Jersey City als Graffitikünstler im Untergrund. Nach seinem Abschluss an der School of Visual Arts in New York City arbeitete er als freiberuflicher Animator für Disney. Danach wurde KAWS ein unabhängiger Künstler. In vielerlei Hinsicht werden seine Disney-Nachbearbeitungen als Hommage an KAWS‘ beruflichen Werdegang betrachtet.

Das Werk wurde auch als eine Ode an die Ästhetik von Keith Haring und Jean-Michel Basquiat beschrieben. Diese beiden Künstler haben KAWS zutiefst inspiriert. Die Mickey Mouse-Skulptur, die sowohl in einer Höhe von 18 Fuß als auch in einer Höhe von 36 Fuß reproduziert wurde, zeigt die ikonische Zeichentrickfigur in einer monochromen Farbpalette, die seine Augen verdeckt. Diese Position ist neben der Verwendung von Xs durch den Künstler zu einem durchgängigen Motiv im Werk von KAWS geworden. Sie verleiht der Skulptur ein Gefühl der Anonymität, obwohl es sich um ein wiedererkennbares Bild der Populärkultur handelt.

4. The elephant in the room

Außerdem befindet sich Joanna Malinowskas Boli in der Saatchi Gallery in London. Er wurde 2009 aus Holz, Gips, einem Pullover, Auszügen aus Spinozas Abhandlung über Ethik und einem Liter Wasser hergestellt. Die 2 Meter hohe Skulptur in der Mitte des Ausstellungsraums zieht den Betrachter in ihren Bann. Es wird vermutet, dass die leicht zweideutige Rinderform der Skulptur an ein traditionelles Objekt erinnert, das für eine indigene Kultur in West-Mali, Afrika, von zentraler Bedeutung ist. Der handwerkliche visuelle Eindruck des Werks verweist auf die traditionelle Praxis der Herstellung von Figurinen, die für Gottesdienste und rituelle Zeremonien verwendet werden. Die Boli-Skulptur ist in vielerlei Hinsicht eine Verkörperung des Interesses der Künstlerin an Anthropologie, Ethnologie und Kunstgeschichte. Malinowskas Arbeiten setzen sich häufig mit den Erfahrungen marginalisierter Gemeinschaften auseinander und bringen dem westlichen Betrachter eine Vielzahl traditioneller und kultureller Praktiken nahe.

5. Erinnerung an die Familie

Schließen wir unsere Erkundung mit der Skulptur Maman von Louise Bourgeois aus dem Jahr 1999 ab. Sie besteht aus Bronze, rostfreiem Stahl und Marmor und stellt eine Spinne dar, die 30 Fuß hoch ist. Ähnlich wie die Ameiseninstallation von Gómezbarros fällt die Skulptur vor allem durch ihre übertriebene Darstellung von Insekten auf. Bourgeois spielt mit der allgemein ablehnenden Haltung gegenüber Spinnen und anderen Insekten: Sie nennt die Skulptur Maman, was auf Französisch „Mama“ bedeutet, und erzählt uns die herzerwärmende Geschichte hinter diesem Kunstwerk.

Außerdem ist es eine sentimentale Ode an die Mutter der Künstlerin, die wie eine Spinne, die ein Netz knüpft, eine Wandteppichweberin war. Die Skulptur ist eine Anspielung auf die Stärke und Unverwüstlichkeit ihrer Mutter. Als das Werk von der Londoner Tate Gallery erworben wurde, kommentierte Bourgeois die freundliche und schützende Präsenz der Spinnen. Sie verzehren kleinere Insekten, die den Stoff im Gobelinatelier ruinieren können. Das Werk ist also eine Geste an den schützenden Geist der Mutter des Künstlers.

Und da haben Sie es! 5 unserer Lieblingstierskulpturen und die Geschichten dahinter. Entdecken Sie noch heute einige unserer Lieblingstierskulpturen und von der Natur inspirierte Werke auf Artsper. Was sind Ihre Lieblingstiere in der zeitgenössischen Kunst?