Die best sellers von Artsper
In vielerlei Hinsicht verkörpert der Tanz das Gegenteil dessen, was durch Medien wie Fotografie oder Malerei erreicht wird. Während die bildenden Künste einen festen und isolierten Moment in der Zeit festhalten, geht es beim Tanz um Fluktuation und inhärente Instabilität. Vielleicht ist das der Grund, warum wir die Konvergenz der beiden Kunstformen so lieben, besonders in der Fotografie und der Tanzmalerei. Um die Meisterwerke zu feiern, die sich auf den Tanz konzentrieren, hat Artsper’s fünf Beispiele aus der zeitgenössischen Kunst zusammengestellt und sie mit ihren ursprünglichen Inspirationen verglichen… Sind Sie also bereit, in die Kunst des Tanzes einzutauchen?
La danse ist eines der ikonischsten Tanzgemälde der Kunstgeschichte. Es ist eines der berühmtesten Beispiele der fauvistischen Periode von Matisse und verwendet nur drei Farben: Grün, Rot und Blau. Diese Farbpalette, die an die Farben des Mittelmeers erinnert, reicht vom Grün der Kiefern bis zum grenzenlosen Blau des Himmels. Natürlich fällt der Blick sofort auf den rostfarbenen Wirbel der Körper. Die sich im Kreis drehenden Tänzer folgen der gleichen Formation wie „la Sardana“, einem traditionellen katalanischen Tanz. Das zeitgenössische Meisterwerk soll von einer Gruppe von Fischern inspiriert worden sein, die diesen zyklischen Tanz an einem Strand in Katalonien tanzten.
In der Regel besteht die Choreografie aus dem Verschränken der Hände, um einen nach innen gerichteten Kreis zu bilden. Von hier aus folgen die Tänzerinnen und Tänzer einer Vielzahl von Schritten, die dem Tempo entsprechen. Wenn sich mehrere Kreise bilden, führen sie die Tanzroutine normalerweise in verschiedenen Rhythmen und Geschwindigkeiten aus. Genau das ist es, was Matisse in La dance einfängt: Bewegung, Dynamik und Kreisförmigkeit.
Viele Künstler haben sich von Matisse‘ Tanz inspirieren lassen, wie zum Beispiel Jérôme Mesnager mit seinem Pariser Wandbild, das die gleiche Sardana-Drehung wie im Original nachahmt.
Die französische Filmemacherin Agnès Godard bringt eine einzigartige Vision in ihre fotografische Praxis ein. Aufgrund ihrer jahrelangen Erfahrung in der Filmindustrie ist ihr Ansatz sowohl technisch als auch fließend, voller Bewegung und doch in der Zeit verhaftet. Für ihre jüngste Serie „My Favorite Dance“ schrieb Godard ein paar Zeilen, wählte Schauspieler aus und präsentierte sie mit Rodins Zeichnungen und Aquarellen. Der Rest war Improvisation, Intuition.
Wenn man diese Werke nebeneinander betrachtet, ist der Einfluss von Rodin leicht zu erkennen. Die sanften Linien und zarten Figuren spiegeln sich gegenseitig. Und doch ist Godards Herangehensweise an die Fotografie auch sehr selbstreflexiv und stellt den Prozess selbst in Frage. Die Serie erhält ihre ephemere, verschwommene Wirkung durch die Experimentierfreudigkeit der Künstlerin. In Anbetracht ihrer filmischen Laufbahn war das Umrahmen und Überlagern dieser Fotografien natürlich Teil ihres Prozesses und gipfelt in einem Punkt, an dem man sich nicht sicher ist, ob es sich um Tanzbilder oder Fotografien handelt…
Im Jahr 2014 kollidierte Street Art mit dem New York City Ballet. Mit seiner typischen Kombination aus Fotografie und Collage schuf JR eine Installation für das berühmte Lincoln Center. In Zusammenarbeit mit den Tänzern des New York City Ballet bestand sein Ziel darin, ein großformatiges Auge zu formen, das vollständig aus Papier und von den Tänzern selbst besteht. Nach der Fertigstellung dieser Bilder wurden sie auf dem Boden des Atriums des Lincoln Centers installiert.
JR beabsichtigte, dass dieses Werk monumentale Ausmaße annimmt, indem es den gesamten Boden bedeckt. Die Größe des Projekts sollte das Publikum dazu bringen, die ihm zugewiesenen Plätze zu verlassen und nach oben zu den „billigeren“ Plätzen zu gehen. Wie mit den meisten seiner Werke wollte JR die Normen herausfordern, indem er die typische Hierarchie des Ballettpublikums dekonstruierte. Seine Zusammenarbeit mit dem New York City Ballet veranlasste die Zuschauer dazu, ihre Position und ihre Perspektive zu verlassen und eine demokratischere Art des Tanzerlebnisses zu erkunden.
Anstatt sich auf Fotografien oder Pinselstriche zu stützen, hielt Vassily Kandinsky den Tanz durch nackte und minimalistische Skizzen fest. Mit Graphical scheme of the jump übersetzt er komplexe Bewegungen durch eine vereinfachte lineare Form und verleiht seinem Werk eine technische Dimension. Er konzentrierte sich auf die Ästhetik des Tanzes und studierte Gret Palucca, eine deutsche expressionistische Tänzerin und Favoritin unter den Künstlern der Bauhaus-Bewegung. Paluccas besondere Dynamik zog Kandinsky in ihren Bann, der ihre Bewegungsweise in seinen „analytischen Zeichnungen“ nachzeichnete.
Die von Palucca inspirierten Skizzen basieren ursprünglich auf Fotografien von Charlotte Rudolph, die die Tänzerin im Flug festhielt. Ihr einzigartiger Tanzstil passte perfekt zur Bauhaus-Ästhetik und ihrem Umgang mit der Form. In typisch geometrischer Manier zerlegt Kandinsky die Figur in eine Reihe von Linien und reduziert Paluccas Überschwang auf seine eigentliche Essenz. Man braucht nur die energischen Fingerspitzen der Tänzerin zu betrachten, die lediglich als fünf starke Punkte dargestellt sind…
Der amerikanische Künstler, der für seine stilisierten Porträts bekannt ist, hat sich immer wieder von der Bewegung inspirieren lassen und im Laufe seiner Karriere zahlreiche Tanzbilder geschaffen. Die Zusammenarbeit von Alex Katz mit dem modernen Tänzer und Choreografen Paul Taylor spielte dabei eine entscheidende Rolle. Vom Kostüm bis zum Bühnenbild war Katz an viel mehr beteiligt als nur am Malen der Tänzer. Während ihrer Zusammenarbeit lernten die beiden Künstler voneinander und schätzten die Konvergenz ihrer beiden unterschiedlichen Genres.
Mit seiner Serie „Red Dancers“ aus dem Jahr 2018 setzt sich Alex Katz erneut mit dem Thema auseinander, dieses Mal mit Fragmentierung und Geste. Durch seine Methode des Beschneidens erzielt der Künstler einen ziemlich krassen Effekt, der typisch für die moderne Medienlandschaft ist. Das Einfrieren dieser Figuren in der Zeit und ihre Isolierung auf mehreren Leinwänden soll die Fragmentierung von Fernsehen und Technologie widerspiegeln. Genauer gesagt geht es darum, wie Bilder des Körpers durch verschiedene Medien projiziert und vielleicht verzerrt werden.
Obwohl die Serie im Jahr 2018 entstanden ist, passt diese Form des Kommentars sehr gut zum jüngsten Erfolg von TikTok, einer Anwendung, die kurze, gebrochene Tanzroutinen zelebriert.
Es gibt natürlich die seltene Ausnahme, dass Tänzer selbst zu anderen Medien greifen, um die Botschaften und Bewegungen auszudrücken, die sonst durch den Körper vermittelt werden. Ein perfektes Beispiel dafür sind die Arbeiten von Enfant Précoce, einem französischen Künstler, der seinen interdisziplinären Ansatz in einer Vielzahl von Kunstformen verwirklicht.
Der Maler und Tänzer musste nicht unbedingt beides voneinander trennen und erkundet mit jedem Pinselstrich seine erste Liebe, die Bewegung. Durch Farbe und seinen selbsternannten kindlichen Stil verbindet Enfant Précoce alles miteinander: Tanz, Malerei, Mode…
Seine Einflüsse zeigen sich in der Zusammenarbeit mit der Tanztruppe „La Marche Bleue“ und der mit ihr verbundenen Bekleidungsmarke „Walk in Paris“.
Die Bewegung steht dabei im Mittelpunkt. Für Enfant Précoce trägt sie zur Erzählung und Fantasie seines Universums bei und wirkt wie eine unendliche Einladung, das Kind in sich zu erforschen. Für Fotografen kann der Tanz zu einer Herausforderung für die technischen Aspekte des Prozesses werden, da er sie dazu zwingt, die Bewegung mit der Festigkeit eines Rahmens einzufangen.
Wenn Ihre Leidenschaft für Tanzbilder noch nicht erloschen ist, besuchen Sie Artsper’s kurze Geschichte des Tanzes in der Kunst, von Degas bis zu zeitgenössischen Ausdrucksformen…
Artsper, 2013 gegründet, ist ein Online-Marktplatz für zeitgenössische Kunst. Durch die Zusammenarbeit mit 1.800 professionellen Kunstgalerien auf der ganzen Welt macht Artsper die Entdeckung und den Erwerb von Kunst für alle zugänglich.
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