Les best sellers d’Artsper
La danse a toujours été une source d’inspiration pour l’art. Et pour cause, le dynamisme, la beauté et l’expressivité de la danse en ont fait un sujet captivant pour d’innombrables artistes. Qu’elle soit une célébration, un rituel ou une expression émotionnelle, la danse, comme d’autres formes d’art, joue également un rôle culturel important. Découvrez avec Artsper comment les artistes ont capturé cette forme d’art au fil des époques.
Les premières représentations de danse dans l’art apparaissent dans les peintures rupestres indiennes primitives, créées il y a plus de 9 000 ans ! Elles se retrouvent aussi de la Renaissance au Romantisme, pour un certain nombre de raisons. Certaines faisaient référence à la mythologie ou à la religion. On peut prendre comme exemple l’œuvre de l’artiste romantique William Blake, Danse d’Oberon, Titania et Puck avec les Fées, inspirée de Shakespeare. Bacchus et Ariane du Titien est un autre exemple célèbre de la Renaissance. Cependant, ce n’est qu’au cours des derniers siècles que la danse s’est réellement popularisée dans l’art.
Il est impossible d’aborder l’histoire de la danse dans l’art sans parler des impressionnistes. Les principes clés de ce mouvement, qui consistent à capturer le mouvement, l’énergie et l’émotion avant tout, correspondent parfaitement au monde de la danse.
Degas est né dans une famille de mélomanes à Paris, alors que le ballet est en plein essor en Europe. Dès son plus jeune âge, Degas développe une fascination, voire une obsession, pour le ballet. À partir de 1860, l’artiste fréquente le Palais Garnier pour analyser les danseurs. Au fil du temps, il réalise plus de 1 500 œuvres représentant des danseurs, en représentation ou en coulisses. D’après Degas, son intérêt intense provenait de la perspicacité du ballet à être le témoin direct de la condition humaine.
La vie était extrêmement difficile pour ces jeunes danseuses. Issues de familles souvent pauvres, « les petits rats de l’opéra » devaient travailler d’arrache-pied six jours par semaine. C’était nécessaire pour subvenir aux besoins de leur famille. Elles étaient souvent contraintes d’accepter les propositions d’hommes riches dans les coulisses. Ce n’est qu’en ayant un riche mécène, appelé « abonné », qui les soutenait financièrement et professionnellement, que ces jeunes filles pouvaient échapper à la pauvreté et réussir en tant que danseuses.
Ce phénomène est illustré dans le tableau L’étoile, où l’on voit le lever de rideau à la fin d’un spectacle. Au premier plan de l’image se trouve une ballerine qui fait la révérence, baignant dans l’éclat des projecteurs. Derrière elle, un homme sombre et bien habillé se cache dans les coulisses, le visage masqué. Ces contrastes frappants soulignent la sinistre réalité de cette danseuse.
Cependant, nous ne pouvons pas y voir une sorte d’activisme féministe. L’artiste, qui avait une vision misogyne des femmes, était connu pour sa cruauté envers les danseuses. Il les forçait à poser pendant des heures pour obtenir le résultat artistique souhaité. Ces tableaux, bien que magnifiques, dépeignent une représentation sinistre de la danse, mais aussi de la nature humaine.
Renoir a aussi signé certaines des représentations impressionnistes les plus significatives de la danse. Le tableau Bal du moulin de la galette, peint par l’artiste en 1876, représente une scène de danse animée en plein air. Les coups de pinceau maîtrisés et dynamiques de Renoir capturent le mouvement joyeux et rapide des danseurs. En même temps, les délicates touches de lumière du tableau, comme la lumière du soleil, se dispersent sur le tableau, lui apportant un optimisme estival. Dans cette scène, Renoir célèbre la joie de la vie quotidienne, la fête et la communauté.
Ce n’est pas surprenant que la danse soit un sujet récurrent dans le fauvisme. En effet, ce mouvement du début du 20ème siècle est associé à une expression sauvage et désinhibée, libérant les artistes des contraintes strictes du genre. Deux des peintures de danse les plus célèbres ont été créées par les chefs de file du mouvement, André Derain et Henri Matisse.
Dans La Danse d’André Derain, la palette de couleurs intensément saturées et les formes rudimentaires sont conçues comme un moyen de renouer avec l’énergie naturelle et sauvage de l’univers. La danse étant une forme d’expression humaine innée et primitive, elle est l’activité parfaite à laquelle s’adonnent les personnages de cette peinture fauviste.
On retrouve cet élément similaire dans le tableau de Matisse, portant le même nom. Ici, l’artiste rejette la complexité de la figuration détaillée et de l’arrière-plan. En même temps, il conserve la palette de couleurs fauves typiques et les figures déformées. Ainsi, il souligne le mouvement rythmique des danseurs et leur état émotionnel hédoniste. Cette peinture est un hommage à la joie et à l’unité.
Comme dans les mouvements précédents, les artistes modernes du milieu du 20ème siècle, tels que les figures clés du pop art, Alex Katz et Keith Haring, ont continué à dépeindre les coulisses et la joyeuse simplicité de la danse.
Alex Katz, célèbre pour ses peintures figuratives, peint des danseurs depuis le mouvement pop art et jusqu’à aujourd’hui ! L’influence était son collaborateur de longue date, le danseur et chorégraphe moderne Paul Taylor. En créant des costumes et des décors pour la compagnie de danse de Taylor, il se fascine pour l’étude des gestes et des mouvements des danseurs. Dans son style très stylisé et distinctif, il commence alors à créer ces tableaux de danse avec des danseurs comme modèles, comme on peut le voir dans le tableau Dance Company de 1964 Paul Taylor.
Dans la tradition du pop art, l’œuvre Untitled (Dance) de Keith Haring, reprend le style bande dessinée et rejette l’élitisme. Elle reflète la culture hip-hop new-yorkaise émergente de l’époque, dont Haring était fan. Les lignes audacieuses et les couleurs vives sont inspirées par les rythmes enjoués et puissants de la musique, tandis que les petites lignes symbolisent l’énergie qui se dégage des mouvements joviaux des danseurs. À l’instar du reste de l’œuvre de Haring, ce tableau de danse dégage un sentiment de bonheur, de célébration et d’unité.
Aujourd’hui, les artistes continuent de s’inspirer de la magie de la danse. Cependant, les nouvelles technologies dans le domaine de l’art ont permis de développer de nouvelles façons de le faire.
Danseur et chorégraphe professionnel, l’artiste britannique Cody Choi a parcouru le monde pendant plusieurs années avant de devenir photographe d’art. L’expérience et la compétence de Choi en matière de danse confèrent à son travail une qualité unique. Il est capable de s’immerger dans un dialogue visuel intime avec les danseurs, qui va au-delà du simple mouvement pour s’étendre aux capacités, à l’état d’esprit et aux émotions des danseurs. Ses photographies sont la définition même de la puissance, de l’équilibre et du dynamisme.
Certains artistes reflètent l’aspect plus spirituel et culturel de la danse dans leurs œuvres. C’est ce que fait l’artiste chilienne Ignacia Ossandón, connue professionnellement sous le nom de Bosquetro Bosquetro. Travaillant par le biais de l’illustration numérique, elle s’inspire de la féminité, de l’astrologie, des couleurs tropicales et du mysticisme pour créer des images surréalistes. Son œuvre intitulée Dance and Power en est un exemple. Les mouvements libres, rythmés et puissants des personnages évoquent une danse rituelle et spirituelle, tandis que les tons violets, la lune et le ciel sombre confèrent à l’œuvre un caractère magique.
Les qualités expressives de la danse et sa beauté en feront toujours un sujet populaire à explorer pour les artistes visuels – et même un médium populaire ! Nous avons vu des interprétations abstraites, des peintures impressionnistes et d’étonnantes photographies contemporaines : quelle représentation de la danse dans l’art est votre préférée ?
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