8 Dinge, die man über Joan Miró wissen sollte

Joan Miró war Maler, Dichter, Bildhauer, Keramiker und vieles mehr. Der 1893 in Barcelona geborene Joan Miró stammt aus einer Handwerkerfamilie und beginnt im Alter von 8 Jahren zu malen. Er tritt in die Schule der Schönen Künste von Llotja ein, dann in die von Barcelona, wo er die schönen Werke früherer Künstler entdeckt und sich inspirieren lässt. Obwohl er seiner Heimat Katalonien sehr verbunden ist, markiert seine Abreise nach Paris im Jahr 1920 den Beginn seiner künstlerischen Laufbahn. Von da an hörte seine Produktion nicht mehr auf! Er schuf mehr als 2.000 Gemälde, 5.000 Zeichnungen und Collagen sowie 500 Skulpturen und Keramiken. Diese Zahlen sind verblüffend und verdeutlichen das Wesen des Malers: frei und inspiriert.

Joan Miró war in jedem Moment seines Lebens unterwegs. Er ging von einem Medium zum anderen, von einer Bewegung zur nächsten und von einem Land zum anderen. Er beschränkte sich nie auf eine Sache, wie er erklärt: „Wichtig ist nicht, ein Werk zu vollenden, sondern eine Vorstellung davon zu bekommen, dass man damit eines Tages etwas anfangen kann„. Davon zeugt die Entwicklung seiner Werke, die vom figurativen Minimalismus zum abstrakten Expressionismus führen. Sie sind voll von Sternbildern, Frauen, Kometen, Vögeln und von einer solchen Lyrik durchdrungen, dass man nicht mehr weiß, wohin man schauen soll. Willkommen im faszinierenden und geheimnisvollen Universum eines Malers, der sein ganzes Leben lang hoffte, Träume in seinen Werken zu finden!

Katalonien und die hispanische Welt, eine immerwährende Quelle der Inspiration

Die Heimatregion von Joan Miró hat sein künstlerisches Schaffen stark beeinflusst. Als Jugendlicher erkrankte er schwer an Typhus. Völlig bettlägerig kehrte er in sein Elternhaus in Katalonien zurück. Dieser Kampf machte ihm seine Verbundenheit mit dem spanischen Land bewusst, von dem seine Werke ständig inspiriert sind.

An der Schule der Schönen Künste in Barcelona malte er mit inbrünstiger Lyrik und akzentuierten Farben. Seine Gemälde lassen den Fauvismus erahnen und strahlen eine lebendige Energie aus. Miró lernte auch Pablo Picasso kennen, mit dem er sich anfreundete. Von da an ähneln seine Pinselstriche mehr dem Kubismus, denn der Maler spielt mit Perspektive und verschiedenen Blickwinkeln. Seine Inspiration ist jedoch eher bei Cézanne zu finden. Eines Tages rief er aus: „Ich werde ihre Gitarre zerbrechen“ und bezog sich dabei auf das Gemälde seines Freundes Picasso.

Entsetzt flieht er während des Bürgerkriegs aus Spanien. Dieser Bruch führte zu zahlreichen gewalttätigen Collagen, Gemälden und Zeichnungen mit großen roten und schwarzen, leuchtenden Linien auf dem Papier.

Spanien ist auch die Quelle seines berühmten Gemäldes Der Bauernhof (1920-1922). Mit diesem Gemälde schafft Miró eine Synthese aus kubistischem Experiment und realistischer Akribie. Das Ganze ist eingebettet in das katalanische Universum, das er so sehr liebt. Nach diesem Gemälde wendet sich der Künstler der abstrakten Figuration zu, deren Anfänge wir bereits erkennen können.

Das Gemälde war ein Geschenk von Mary Hemingway an ihren Mann, den berühmten Schriftsteller. Als Bewunderer des Talents von Miró fasst er das Werk in einem einzigen Satz zusammen: „Er hat in diesem Gemälde alles, was man über Spanien fühlen kann, wenn man dort ist, und alles, was man über Spanien fühlen kann, wenn man nicht dort ist“.

Nicht nur Surrealismus in Paris!

In den Jahren 1919-1920 stellte der katalanische Maler seine Koffer in Paris ab, der französischen Hauptstadt voller Künstler: Kubisten, Fauvisten, Surrealisten, Nabis, Dadaisten, Futuristen! Mitten in dieser Mischung aus neuen Bewegungen und künstlerischen Ideen kommt Joan Miró an. In dieser Pariser Zeit lernt er Tristan Tzara, Jean Dubuffet, André Masson und die gesamte Pariser Avantgarde kennen. Er nimmt mit ihnen an künstlerischen Experimenten teil und sucht nach seiner eigenen Sprache.

Er entdeckt auch die Experimente des automatischen Schreibens bei André Breton und Robert Desnos, die ihn faszinieren. Dieser Prozess ermöglicht es ihm, eine neue Art und Weise zu entdecken, das Unbewusste zu verstehen und zu befreien. Die Träume, das Seltsame, der schräge Humor und das Imaginäre ziehen Miró an und prägen seine Kunst.

Im Jahr 1924 unterzeichnete er zusammen mit Max Ernst, André Breton, Paul Eluard, André Masson, René Magritte, Giorgio di Chirico und Guillaume Apollinaire das surrealistische Manifest. Der Surrealismus, eine Bewegung, in der er die größte Freiheit fand, gewann das Herz des Malers. Diese Bewegung hat sein künstlerisches Schaffen während seiner gesamten Laufbahn stark geprägt.

Der Surrealismus nach Miró: Ein Mittel zur Eindämmung von Träumen

Innerhalb der surrealistischen Bewegung verbrachte Joan Miró Zeit mit vielen Dichtern. Die poetische Lyrik ist in seinen Werken fast allgegenwärtig. Der Austausch mit Paul Eluard, Jacques Prévert, Jacques Dupin, Max Jacob, Aragon und André Breton nährt sein Universum kontinuierlich mit Poesie.

Mit einer begrenzten Palette von Blau, Weiß, Gelb, Schwarz und Rot erscheinen Vögel, Frauen, Sterne, Kometen, Blumen und Schnecken, die auf der Leinwand miteinander tanzen. Der Surrealismus erlaubt es Miró, seiner Fantasie freien Lauf zu lassen und seine Träume, sein Unbewusstes zu enthüllen. Der Künstler versucht mit Strenge und Inbrunst, das im Grunde Immaterielle auf dem Papier festzuhalten.

Ab 1928 beginnt Miró mit einer Serie von „Gedichtbildern“, die Träume und lyrische Elemente verbinden. Von da an entstand eine ganze Reihe von Werken, in denen das Unterbewusstsein des spanischen Künstlers durch ein allgegenwärtiges und extravagantes Blau dargestellt wird. Es entstehen seltsame Formen, die auf einer geheimnisvollen und betörenden Flächigkeit tanzen. Die Zweidimensionalität verunsichert uns und lässt unsere Gedanken in ein unendliches Blau fallen, das an das Meer und den Himmel erinnert.

Nachdem er sich einer anderen künstlerischen Methode zugewandt hatte, kehrte Miró 1961 zu seinen Traumbildern zurück. Mehr als zehn Monate lang arbeitete, meditierte und studierte er, um seine berühmte Serie Blue I, II, III zu schaffen. Sie ist die gelungene Synthese seiner surrealistischen Serien über das Unterbewusste. Für Miró ist dieses Triptychon der Gipfel, da er versucht, seine Welt, seine Realität, seine Träume zu perfektionieren.

Joan Mirós Metamorphose

Der spanische Künstler war ein echter Beobachter der Natur. Ab den 1930er Jahren gab er den Realismus auf, um ausschließlich „den Geist der Form“ darzustellen. Diese zu Innovation und Revolution neigende Bewegung ermöglichte es Miró, sich von traditionellen Darstellungsformen zu befreien.

Wie die Künstler des 19. Jahrhunderts wollte auch Miró über die einfache physische Darstellung der Natur hinausgehen. Die Anziehungskraft der Surrealisten auf die metaphysische Wissenschaft veranlasste Miró, nach einer neuen künstlerischen Sprache zu suchen. Der Gedanke des „Jenseits“ faszinierte den Maler. Seine Werke sind wahre Metamorphosen. Meta-, was jenseits bedeutet, und morphed-, die Form. Durch eine fast radikale Veränderung am Ende seines Lebens ging Miró über die Form und über das, was er sah, hinaus. Er malte also das, was „jenseits“ der Essenz liegt. Es ist die Spannung zwischen den Extremen der Figuration und der völligen Abstraktion, die seine Werke so intensiv macht.

Die flachen geometrischen Formen und seltsamen Symbole auf seinen Werken sind nicht aus dem Nichts entstanden. Es handelt sich um eine andere Art der Figuration der Wirklichkeit. Außerdem sind die Titel von Mirós Werken alle explizit. Die Surrealisten bringen in ihren verschiedenen Schriften zum Ausdruck, dass die Realität die Grundlage aller Kunst ist; sie verlassen sich nicht mehr auf die physische Realität der Dinge, um darüber hinauszugehen.

Seine Leidenschaft für Keramik und die Begegnung mit Artigas

Im Jahr 1917 lernte der spanische Künstler in Barcelona den Keramiker Joan Llorens i Artigas kennen, mit dem er sich anfreundete. In den 1940er Jahren nahm Artigas den katalanischen Künstler unter seine Fittiche und lehrte ihn, wie man den Ton bearbeitet, modelliert und formt, um das Objekt seiner Gedanken zu erhalten. Das war ein wahres Vergnügen für den Maler, dessen Fantasie keine Grenzen kannte. Zu Beginn seines Schaffens bemalte Miró nur Vasen aus Ton.

Nach und nach eignete sich der Künstler die Technik an, und der Ton wurde zu seiner neuen flachen Leinwand, in die er seine Farben durch Hinzufügen von Mosaiksteinen einbrachte. 1957 wurde Miró ausgewählt, um den Sitz der UNESCO in Paris zu dekorieren. Er entwarf zwei parallele Wände an der Außenseite des Gebäudes: Die Wand der Sonne und ihr Gegenstück, die Wand des Mondes. Mit Strenge überwachte Miró den Bau der Wände auf der Baustelle. Die Komplexität der von Miró erlernten Technik sorgte dafür, dass die keramischen Zeichnungen flüssig waren und eine beeindruckende Wirkung auf die Bewegung hatten.

Miró malt nicht mehr mit dem Azurblau des Meeres und der Träume, sondern geht durch das Feuer und die Erde. Eine Veränderung, die sicherlich durch den Spanischen Bürgerkrieg beeinflusst wurde.

Eines seiner größten keramischen Werke stammt aus dem letzten Jahr seines Lebens. Im Jahr 1983 schuf er Frau und Vogel in Barcelona, in dem nach ihm benannten Park. Für dieses kolossale Werk (22 Meter) arbeitet Miró ein letztes Mal mit Artigas zusammen. Es wurde von der Stadt Barcelona in Auftrag gegeben und ist dem Empfang der Besucher gewidmet, die auf katalanischem Boden ankommen.

Bildhauerei, eine Art, sein Universum zu materialisieren

In den 60er Jahren suchte Miró nach anderen Medien, um seine Kunst zu erforschen. Er gab die Keramik eine Zeit lang auf und konzentrierte sich auf die Bildhauerei. Nicht die traditionelle Skulptur aus einem Steinblock, sondern Assemblagen aus verschiedenen Objekten. In seinem Atelier wählte Miró Gegenstände aus, die oft alltäglich und nutzlos sind, aber seine Fantasie befriedigen können.

Die Mischungen, Auswahlen und Transformationen sind nicht das Ergebnis von Schöpfungen. Diese Skulpturen sind Akte einer durchdachten künstlerischen Produktion. Die Formen entstehen unerwartet, aber nie unreflektiert und verändern die Identität der Objekte, um kleine Metamorphosen zu bieten.

Mit 3D und der Einbindung dieser Objekte in eine bestimmte Umgebung materialisiert Miró die abstrakten Figuren seiner Gemälde. All diese Formen aus seinem Kopf werden „belebt“. Das Ganze geschieht mit Humor und macht sich über die traditionelle Bildhauerkunst lustig.

Miró: Zerstörer und Brandstifter

In seinen letzten Lebensjahren hoffte Miró, sich noch einmal neu erfinden zu können. In seinem Atelier, vor einer frisch bemalten Leinwand, fragt er sich: „Was wäre, wenn wir sie verbrennen würden?“ Ohne eine Antwort abzuwarten, holte er Benzin, besprühte das Bild und zündete ein Streichholz an. Das Werk verbrannte vollständig und Miró war begeistert.

Doch seine Experimente hörten damit nicht auf. Miró verbrennt, schneidet, zerschneidet, zerreißt und zerfetzt seine Leinwände.

Für den Künstler ist die Zerstörung nicht gleichbedeutend mit Verwüstung, sondern eine Rückkehr zu seinen Wurzeln. Die Leinwände liegen losgelöst von ihrem Rahmen auf dem Boden, wo die zerrissene Leinwand offenbart, was eine Leinwand zu einer Leinwand macht. Mit dem Feuer ist auch die Idee verbunden, das zu verbrennen, was schon einmal gemacht wurde. Durch diesen Akt räumt der Maler mit den vergangenen Leinwänden auf. Es ist Ausdruck des Willens, das zu zerstören, was ihn berühmt gemacht hat, um zur Quelle seiner ersten Werke zurückzukehren.

Im Laufe seiner Karriere und seines Lebens wird Miró von demselben inneren Feuer angetrieben. Wenige Jahre nach der Entstehung dieser Bilder starb der Künstler. Die Schönheit dieser Serie liegt auch in ihrer Symbolik, die durch die Nähe des Todes des Künstlers noch verstärkt wird.

Die Joan Miró Stiftung

Am 10. Juni 1975 öffnete die Stiftung Joan Miró ihre Türen für die Öffentlichkeit. Das Projekt wurde vom Künstler selbst ins Leben gerufen, mit dem Ziel, ein komplettes Kunstzentrum zu schaffen: ein Forschungszentrum, eine Schule, mit Sammlungen und Ausstellungen… Das Gebäude wurde von Josep Lluis Sert, einem Freund des Künstlers, entworfen. Er hebt das Universum von Miró hervor, mit einem offenen Dialog zwischen dem Gebäude und den Werken des Künstlers.

Die Stiftung ermöglichte es, das Wissen und die Fähigkeiten des katalanischen Künstlers durch eine bedeutende Sammlung seiner Werke weiterleben zu lassen. Heute fördert sie zahlreiche zeitgenössische spanische Künstler und unterstützt sie in ihren künstlerisch innovativen Werken. Durch sie verewigt die Stiftung das Erbe von Joan Miró.

Joan Miró ist ein Künstler, der nie aufhörte, sich neu zu erfinden; er war immer auf der Suche nach etwas Neuem. Die Bewegung bestimmt sowohl seine Person als auch seine Werke. Der katalanische Künstler, der für seinen freien Geist bekannt ist, bietet eine ganze Palette von Emotionen und Ideen. Seine Werke sind durchdrungen von Geheimnis, Sanftheit, Angst und Dunkelheit. All dies, ohne die Poesie zu verlieren, die so eng mit jedem seiner Werke verbunden ist.