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Die 1920er Jahre werden oft als die „verrückten“ Jahre bezeichnet. Dieses Adjektiv kommt nicht von irgendwoher, sondern bezieht sich auf eine aufstrebende neue Welt. Das Trauma des Ersten Weltkriegs wurde von starken Entbehrungen, Krankheit und Tod begleitet. Es ist auch ein Synonym für Innovation, Revolution und das Aufbrechen von Grenzen. Aus diesem Kontext und dem Unverständnis der Bevölkerung speist sich die gesamte künstlerische Avantgarde, von der die Dadaisten und Surrealisten am hungrigsten waren. Man Ray wurde am 27. August 1890 in Philadelphia in einer Familie von Textilhandwerkern geboren. Sein richtiger Name war Emmanuel Radnitsky und er wurde zu einer Säule der Kunst des 20. Jahrhunderts.
Seine dadaistisch geprägte Malerei hatte keinen großen Erfolg in New York, sondern eher in Paris, wo der Künstler sich etablierte. Er wird schnell bekannt und steigt in der Pariser Kunstszene als renommierter Fotograf auf. Man Ray baut seine künstlerischen Ideen mit den großen Pariser Dadaisten und Surrealisten auf. Zu seinen Weggefährten gehören unter anderem Picabia, Duchamp, Breton, Dali, Eluard und Tzara.
Entdecken Sie 5 Fakten über diesen amerikanischen Künstler, der sich dem Wahnsinn der 20er Jahre stellte, Hand in Hand mit europäischen Künstlern.
Der Spitzname Man Ray ist eine Antwort auf das Bedürfnis nach Integration. Als seine Familie in Amerika ankam, war sie auf der Flucht vor den von Zar Alexander III. von Russland angezettelten Judenpogromen. Die Radnitzkys wurden nach ihrer Ankunft in den Vereinigten Staaten zu den ‚Rays‘.
Der junge Emmanuel wusste, dass er Künstler werden wollte, bevor er das Erwachsenenalter erreichte. Er besuchte die Schule des Ferrer Centers, eine moderne Einrichtung mit damals bekanntermaßen sehr freien politischen und sozialen Ansichten. Dort lernte er Dichter und Künstler wie Adolf Wolff oder Adone Lacroix, seine spätere Frau, kennen.
In den Jahren 1910-1911 besucht er die Galerie 291, die von seinem Freund Alfred Stieglitz geführt wird. Dort entdeckte der spätere Man Ray die zeitgenössische Malerei. Die Galerie war vor allem dafür bekannt, Künstler zu vermitteln, die eine Brücke zwischen der europäischen und der amerikanischen Kunst schlugen.
Entschlossen, der Kunstwelt seinen Stempel aufzudrücken, kehrt Emmanuel Radnitzky an die Fine Arts of New York zurück. Seine Lehrer, die verzweifelt vor seinen Gemälden standen, rieten ihm, aufzugeben, da sie der Meinung waren, dass er niemals ein talentierter Künstler werden würde. Wütend verließ er die Schule und begann, alles und jeden zu malen. Er malte seine Träume, Ideen und seine innere Verfassung. Die Kunst des jungen New Yorker Künstlers entstand aus dieser Enttäuschung heraus.
Die Malerei ist nicht sein einziges künstlerisches Gebiet. Das Basteln, Zusammenstellen und Gestalten von Gegenständen macht einen großen Teil seiner Kunst aus. 1911 sammelte er Stoffproben aus der Werkstatt seiner Eltern, um einen abstrakten Wandteppich, Tapestry, zu schaffen, den er zum ersten Mal mit dem Namen Man Ray signierte. Der Künstler war endgültig geboren.
Von Beginn seiner Karriere an befand sich Man Ray in der Geisteshaltung, die mit den Dada-Künstlern Hand in Hand geht. Tapestry ist vollständig aus Alltagsgegenständen gefertigt. Er geht sogar noch weiter als die Kubisten, die lediglich zusätzliche Gegenstände für ihre Leinwände verwenden. Es handelt sich um ein Gesamtwerk, das seine Ablehnung der akademischen Tradition zum Ausdruck bringt. Man Ray wollte sich von dem lösen, was bisher gemacht worden war. Es sollte eine ganz neue Ästhetik geschaffen werden, die Man Ray sehr schnell verstand. Er erklärte: „Ich bin nicht an einem schönen Gemälde interessiert, denn die Antike hat auf jeden Fall etwas geleistet, was wir nicht mehr erreichen können. Das Einzige, was wir jetzt tun können, ist, etwas anderes zu machen. Das ist es, was wertvoll ist“.
Man Ray schuf eine ganz und gar dem Dadaismus entlehnte Kunst, die den Menschen in den Vereinigten Staaten nicht gefiel. Der Künstler hatte mit seinen Gemälden kaum Erfolg. Zur gleichen Zeit findet sich der Antimilitarist Marcel Duchamp auf der Flucht vor dem Krieg in den Vereinigten Staaten wieder. Duchamp, der sich bereits durch zahlreiche skandalöse Werke wie Le nu descendant de l’escalier (Der Akt, der die Treppe hinabsteigt) von 1912 einen Namen gemacht hatte, war in der Kunstwelt bekannt.
Im Frühjahr 1915 lernt er bei einer Ausstellung in der Galerie 291 Man Ray kennen. Sofort entsteht eine echte Verbindung zwischen den beiden. Sie ergänzen sich gegenseitig und ihre künstlerische Zusammenarbeit geht Hand in Hand mit ihrem Humor und Sarkasmus. Man Ray und Duchamp begeisterten sich für eine eher konzeptuelle Kunst und wollten das „Reale“ erfassen, um es in Kunst zu verwandeln. Beide Künstler hatten den Willen, das Kunstwerk neu zu definieren und seine metaphysischen Aspekte zum Klingen zu bringen. Das Kunstwerk musste nicht mehr ein einfacher 2D-Raum sein, sondern konnte alles sein, was sie wollten, wie ein Pissoir!
Das ebenso berühmte wie provokante Werk Dust ist eines ihrer ersten gemeinsamen Werke. Auf den ersten Blick ist das Werk verwirrend. Duchamp und Man Ray verwirren den Betrachter, indem sie ihn über das Thema im Unklaren lassen: Ist es ein Schlachtfeld oder sind es staubige Kälber? Handelt es sich um eine Großaufnahme oder eine Nahaufnahme? Handelt es sich um eine Landschaft oder ein Stillleben?
Während eines Besuchs bei Duchamp in seinem Atelier bemerkt Man Ray eine Staubablagerung auf einer gravierten Glasplatte. Die Motive, die an Felder oder Straßen aus einer Luftaufnahme erinnern, sind in der Tat Teil der Vorzeichnung für das Werk Le Grand Verre.
Das Foto wird 1922 in einer Literaturzeitschrift veröffentlicht, die von einer Gedichtlegende begleitet wird, die absichtlich Zweifel sät: Voici le domaine de Rrose Sélavy/Comme il est aride – comme il est fertile/Comme il est joyeux – comme il est triste! Vue prise en aéroplane par Man Ray.. Erst 1934 lüften die Künstler das Geheimnis, benennen das Werk in Dust um und signieren es mit ihren beiden Namen. Der Humor dieser beiden Künstler mag der Ursprung des Werks sein.
Hinter dieser Interpretation verbirgt sich eine zweite. In den Händen von Man Ray ist die Fotografie nicht mehr nur ein Mittel zum Festhalten von Ästhetik, sondern eine Öffnung zu einer neuen Schönheit. Sie ist eine Einladung, über das hinauszugehen, was wir bereits kennen. Man Ray gibt ihr eine andere Bedeutung, eine andere Definition. Es ist genau diese Art der Verwendung der Fotografie, die es den Kunsthistorikern ermöglicht hat, zu verstehen, wie diese Technik, die so objektiv war, so voller Sensibilität geworden war. Die Fotografie der Surrealisten war ein großer Fortschritt in der Kunst, und die künstlerische Anerkennung dieser Technik wandte sich dem Vergnügen, dem Unbewussten und dem Träumen zu.
Rrose Sélavy war ein weibliches Alter Ego, das die beiden Künstler für Duchamp schufen. Unter diesem humorvollen Künstlernamen (Rrose Sélavy, Eros, c’est la vie, Eros is life) schrieb der französische Künstler zahlreiche Werke mit Wortspielen und Gegenwitzen. Dieses Zeichen wurde übrigens nicht nur von Duchamp, sondern auch von anderen Künstlern wie Robert Desnos verwendet. Diese Schöpfung brachte den ganzen Geist von Paris zum Vorschein, diese überschäumende Kunst, die von Künstler zu Künstler wanderte. Und in diesem Paris stellt Duchamp Man Ray vor.
Da er der einzige Vertreter der Dada-Bewegung in New York ist, sagt Duchamp zu Man Ray, dass er die amerikanische Stadt verlassen und nach Paris kommen muss. Er kommt am 14. Juli 1921 in der französischen Hauptstadt an und ist von der dort herrschenden Euphorie geblendet. Duchamp führt den jungen Amerikaner direkt in das berühmte Café Certa, wo sich alle Künstler treffen. Man Ray fand sich zwischen André Breton, Louis Aragon, Paul Éluard und Philippe Soupault wieder, ohne ein Wort Französisch sprechen zu können. Sie alle entfernten sich vom Dadaismus und bildeten gemeinsam den Surrealismus.
Die Wiederkehr der Namen der Dichter ist nicht unbegründet. Diese neue Öffnung der Kunst kommt aus der Literatur. Die Pariser Avantgarde stützt sich auf diese Gruppe von Gelehrten, die in die Lyrik verliebt sind und 1924 das offizielle Manifest des Surrealismus verfassen. Alle Arten von Künstlern schlossen sich dieser Bewegung an, von Malern und Bildhauern bis hin zu Filmemachern, Illustratoren und Fotografen. Sie sind nicht mehr durch ihre Technik oder ihr Medium definiert.
Der Gedanke des Surrealismus führte zu zahlreichen Kooperationen zwischen Künstlern, aber auch mit Sponsoren und Sammlern. Man Ray experimentierte von 1924 bis 1929 mit einer Filmografie von vier Kurzfilmen sogar mit dem Kino. Dies war für ihn eine weitere Möglichkeit, die plastisch-ästhetische Forschung auf die Fotografie zu lenken und die Bewegung zu studieren. Seine hauptsächlich experimentellen Produktionen hatten keinen wirklichen Erfolg und er gab diese Praxis schnell wieder auf.
Am zahlreichsten sind die Kollaborationen jedoch in der Literatur. Dichter und Maler arbeiteten in Zeitschriften und Romanen zusammen. Mit Eluard wurde Man Ray zum Illustrator von Les Mains Libres, das 1937 veröffentlicht wurde. Die Umsetzung dieses Werks basiert auf dem automatischen Schreiben und Zeichnen der beiden Künstler. Sowohl Man Ray als auch Eluard widmeten sich den beiden Übungen, um dann wählen zu können. Eluards Gedichtsammlung illustriert dann die Zeichnungen von Man Ray. Ziel war es, dass der Leser eine echte Erfahrung des surrealistischen Denkens machen konnte.
Zur Fotografie kam er durch andere Werke, die nicht seine eigenen waren. Enttäuscht von den Fotos, die bei Ausstellungen von seinen Werken gemacht wurden, beschloss Man Ray, sie für die Galerien selbst zu machen. Von da an erkannten die Vertreter des Kunstmarktes, dass Man Ray ein echtes Auge für Details hatte, was zu einer Zunahme der Aufträge führte. Diese Arbeit, die noch nicht vollständig in die Kunst integriert war, war seine Geldquelle. Bekannt, aber erfolglos, verkauften sich seine Werke nicht. Sehr schnell begriff der Künstler, dass er diese Technik auch anders nutzen konnte. Die Fotografie muss nicht zwingend eine präzise Ästhetik haben, sie kann ebenso subtil wie konstruiert sein. 1920 hatte er eine Offenbarung: Er fotografierte zerknitterte Blätter.
Man Ray wechselte im Laufe seiner Karriere ständig zwischen diesen beiden Künsten hin und her. Der Künstler äußerte sich über diese beiden Techniken und meinte, dass sie beide gleich wichtig seien. Die Fotografie war aus künstlerischer Sicht eine Möglichkeit, das auszudrücken, was er in der Malerei nicht ausdrücken konnte, und umgekehrt. Außerdem hat Man Ray nie aufgehört zu malen und hatte immer den tiefen Wunsch, durch die Malerei in die Kunstgeschichte einzugehen. Le temps est bon (Die Zeit ist gut) ist für den amerikanischen Maler eines seiner schönsten Meisterwerke.
Die Fotografie wurde schließlich zu einer Technik, die er vollständig beherrschte und die ihm die Fähigkeit verlieh, Bilder zu schaffen und zu konstruieren. Unter den Surrealisten war er sozusagen der offizielle Fotograf, der Porträts seiner Freunde aufnahm und zu einem wahren Ikonenschöpfer wurde.
Man Ray liebte es, den weiblichen Körper zu malen. Frauen waren sowohl in seinem Werk als auch in seinem Leben immer sehr präsent. Sein künstlerisches Leben und sein Liebesleben sind kaum voneinander zu trennen, denn beide sind Quellen seines Schaffens. Mit seinen Modellen pflegte er einen regen Austausch. Einige waren Musen, wie Kiki de Montparnasse, Nush Eluard, Juliet Browner… Andere waren Künstlerinnen wie Lee Miller und Dora Maar. Jede Beziehung brachte ihm eine neue Inspirationsquelle und eine andere Sichtweise.
Man Ray, der den traumhaften Surrealismus von René Magritte oder Joan Miró gut kannte, war besonders auf die Befreiung des Unbewussten mit einer sehr freudschen Sichtweise ausgerichtet. Er stellt die Sinnlichkeit und den Ausdruck des menschlichen Begehrens heraus. Die Fotografie ermöglichte es ihm, den weiblichen Körper neu abzubilden und über die klassische Sichtweise hinauszugehen. Man Ray vermittelte eine moderne Wahrnehmung des Körpers und wollte das Lebendige sichtbar machen. Er inszenierte seine Modelle in Kompositionen, gestaltete Licht, Schatten, Farben und Bildausschnitte neu. Einfach oder ostentativ betonte der Künstler die Sinnlichkeit eines Körpers, einer Geste, eines Blicks.
Da die Fotografien in Zeitschriften veröffentlicht und nicht ausgestellt wurden, schlug er sich selbst als Modefotograf vor, da ihm die finanziellen Mittel fehlten. So arbeitete Man Ray mehrere Jahre lang mit großen Modeschöpfern wie Poiret und Chanel sowie mit Modemagazinen wie Vanity Fair, Vogue und Harper’s Bazaar zusammen.
Abschließend lässt sich sagen, dass der Künstler ein zutiefst innovativer Künstler war, der die Kunst unbedingt revolutionieren wollte. Verankert im Dadaismus und dann tief im Surrealismus, nährte der amerikanische Fotograf und Maler seine Kunst aus beiden Bewegungen. In seinen Werken spiegelt sich sein innerer Zustand wider, seine Werke werden zur Katharsis. Er stellte dar, was er sah, was er dachte und was er sich wünschte.
Man Ray und seine Künstlerfreunde haben zweifellos neues Leben nach Paris gebracht und die Kunst von ihren traditionellen Fesseln befreit.
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