Kunstwerk-Analyse: Der Schrei von Edvard Munch

Edvard Munch’s Der Schrei ist neben Andy Warhol’s Campbell’s Suppen und Pablo Picasso’s Guernica vielleicht eines der berühmtesten Werke der modernen Kunst und wird sofort erkannt. Der wirbelnde Himmel in Rot- und Gelbtönen, das verzerrte, ängstliche Gesicht im Vordergrund, der weit aufgerissene Mund, der einen unheimlichen Laut von sich gibt, den wir uns nur vorstellen können. Auch mehr als ein Jahrhundert nach seiner Entstehung hat das Bild nichts von seiner Kraft verloren, und es wirkt auch heute noch als Ausdruck der Angst.

Ein Beweis für seine Berühmtheit: Im Mai 2012 wurde die 1895 entstandene Pastellversion des Werks bei Sotheby’s für 120 Millionen US-Dollar verkauft und war damit das teuerste Kunstwerk, das jemals bei einer Auktion versteigert wurde. Das Werk ist auch in der Populärkultur sehr präsent, von Kevin McCallisters Gesichtsausdruck auf dem Filmplakat von Home Alone bis hin zum Emoji mit dem schreienden Gesicht 😱. In diesem Artikel helfen wir Ihnen, sich mit diesem ikonischen Kunstwerk vertraut zu machen.

Die Arbeit basiert auf einer Vision

Der Schrei ist im Wesentlichen ein autobiografisches Werk, das auf einer Vision beruht, die Munch bei einem Spaziergang mit zwei Freunden hatte. Die Inspiration zu diesem Werk hielt er in einem Tagebucheintrag vom 22. Januar 1892 fest. Er schreibt, wie sich „plötzlich der Himmel blutrot färbte“ und „der flammende Himmel wie Blut und Schwert über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt hing“. Er beschreibt sich selbst als erstarrt und „zitternd vor Angst“, während er spürt, wie „ein gewaltiger, unendlicher Schrei durch die Natur [reißt].“

Der beklemmend bunte, wirbelnde Himmel und die geschwungene Landschaft erinnern an die Vision, die Munch beschreibt. Der Künstler schildert eine Welt, die außer Kontrolle geraten zu sein scheint. Die Figur, deren Körper die geschwungenen Verzerrungen der Landschaft nachahmt, ist fest in dem Chaos verankert, das sie umgibt. In krassem Gegensatz dazu steht die Linearität der Brücke, die das Bild von rechts nach links durchschneidet, eine von Menschenhand geschaffene Schöpfung, die von den Unruhen der sie umgebenden Umwelt nicht betroffen ist.

Auch die beiden Figuren im Hintergrund, die vielleicht Munchs zwei Freunde darstellen, scheinen in ihrer Vertikalität von dem Schrei des Künstlers unberührt zu sein. Die Trennung zwischen diesen beiden Teilen des Bildes scheint darauf hinzudeuten, dass die Verzerrungen in der Landschaft und der Figur vielleicht nicht gesehen, sondern tatsächlich gefühlt werden, wie Munch in seinem Tagebucheintrag beschreibt. Dies lässt eine Interpretation des Werks als Darstellung eines inneren Kampfes, von Angst und Verwirrung zu.

Ein innerer Kampf, der durch die Kunst dargestellt wird?

Munchs Leben war von Tragödien geprägt: Er verlor früh sowohl seine Mutter als auch seine Schwester, sein Vater litt unter Depressionen, eine seiner Schwestern wurde wegen einer Geisteskrankheit eingewiesen und sein Bruder starb als junger Mann. Munch selbst war körperlich und geistig angeschlagen und kämpfte mit Alkoholismus. Diese biografischen Details werden oft als Haupterklärung für die expressionistischen Werke des Künstlers angeführt, aber in Wirklichkeit ist es vielleicht nicht so einfach.

Munch war ein Künstler und Denker, der sich nicht nur mit seinem eigenen Leben, sondern ganz allgemein mit der Gesellschaft und der Welt um ihn herum auseinandersetzte. Die symbolistische Bewegung der damaligen Zeit ermutigte die Künstler, sich nach innen zu wenden, um sich inspirieren zu lassen, was Munch in seinen Werken verarbeitet haben könnte. Außerdem entstanden im späten 19. Jahrhundert die Psychiatrie und die Psychoanalyse als Wege zum Verständnis der menschlichen Natur und Erfahrung, und diese neuen Theorien könnten den Künstler sehr wohl inspiriert haben.

Das Gemälde ist zwar als Darstellung von Munchs Gefühlen zu sehen, aber das ist nicht alles, worauf es hinausläuft. Die Entpersönlichung der Figur im Vordergrund könnte darauf hindeuten, dass sich das Werk an ein allgemeineres Publikum wenden sollte.

Andere Erklärungen

Kunsthistoriker haben versucht, das Werk auf andere Weise zu erklären. So könnten die leuchtenden Farben des Himmels von den beeindruckenden Sonnenuntergängen inspiriert worden sein, die sich auf der ganzen Welt ereigneten, nachdem der Ausbruch eines Vulkans in Indonesien vulkanischen Staub in die Atmosphäre freigesetzt hatte. Die Figur wurde auch mit einer peruanischen Mumie verglichen, die während der Weltausstellung 1889 in Paris ausgestellt war.

Munch schuf vier Versionen

Munch schuf vier einzigartige Versionen der Szene sowie eine lithografische Version im Jahr 1895. Das erste Werk wurde 1893 fertiggestellt und ist auf Karton mit Öl, Tempera und Pastell gemalt. Zwei Pastellversionen wurden 1893 und 1895 angefertigt. Diesen folgte einige Zeit später ein Temperagemälde. Munch war an den Ausdrucksmöglichkeiten der verschiedenen Medien interessiert. Die häufige Verwendung desselben Sujets zeigt, wie sehr ihn das Werk und seine Themen, nämlich Leben, Tod und Angst, in dieser Zeit beschäftigten.

Munch kehrte nur selten zu diesem verzerrten Stil zurück

Obwohl Munch über mehrere Jahre hinweg von dieser Szene besessen war, kehrte er in anderen Werken nur selten zu diesem stark verzerrten Stil zurück. Der Schrei ist Munchs unrealistischstes Werk. Die Tiefe der Verzerrung scheint den Künstler beunruhigt zu haben. Auf eine der Versionen, die sich im Besitz der Nationalgalerie in Oslo befinden, schrieb er „kann nur von einem Verrückten gemalt worden sein“. Selbst während der Zeit von 1883 bis 1910, in der er mehrere Versionen des Werks schuf, malte Munch weiterhin Porträts von Freunden und Familienmitgliedern sowie sanfte Landschaften und Wasserlandschaften.