L'art sous toutes ses formes

A la préhistoire, les premiers hommes utilisaient comme support à leur art les murs de leurs cavernes. De nos jours, on associe plus souvent l’art à une toile, une sculpture ou une photographie. En réalité, ses formes et ses supports ont évolué pour ne connaître en définitive quasiment aucune limite. Artsper vous propose donc un tour d’horizon des supports d’art moins conventionnels.

#1 L’odeur

En 1919, Marcel Duchamp présentait une fiole en verre intitulée « Air de Paris ». Depuis, nombreux sont les artistes qui ont érigé l’odeur au rang d’art. Parmi eux, la chimiste norvégienne, Sissel Tolaas, collectionne et expose les odeurs humaines ou urbaines tandis que Peter De Cupere, combine odeurs, images visuelles et performance pour produire une expérience méta-sensorielle.

En 2017, la maison Cartier plantait sur le parvis du Palais de Tokyo l’installation, baptisée “OSNI.1”. Le cube transparent, à l’intérieur duquel flottait un nuage blanc, offrait une plongée olfactive dans l’art contemporain.

#2 Le VJing

Après les DJ’s, place aux VJ’s. Le VJing est un mix d’images et de séquences vidéos plus ou moins courtes, tirées de VHS, de DVD, ou créées de toutes pièces par ordinateur. En 1966, le collectif Exploding Plastic Inevitable, mené par Andy Warhol, contribue à fusionner musique et visuels dans un contexte festif et hédoniste. A cette époque, à New York, la fête est considérée comme un format artistique expérimental, au sein duquel le Exploding Party Project, qui mêle danses, performances et projections 16mm, s’attache à illustrer les ambiances sonores.

Dans cette catégorie, Romain Tardy s’est désormais imposé comme l’un des pionniers du VJing, notamment en co-fondant AntiVJ dans les années 2000.

#3 Les bâtiments

Sous la forme de spectaculaires projections réalisées sur la façade d’édifices publics, l’art du mapping – qui consiste notamment à projeter une image vidéo sur une surface ou un objet, tout en respectant les notions d’échelle et de perspective connaît un succès croissant depuis le début des années 2000. Il ne se limite pas aux seuls édifices architecturaux. Les plasticiens utilisent le mapping pour concevoir des installations audiovisuelles dans lesquelles ils créent une même illusion de mouvement et de profondeur à partir d’images projetées sur de petits volumes.

Issu du VJing et co-fondateur d’AntiVJ, Joanie Lemercier a développé sa propre technique baptisée no-logram qui manipule notre cerveau pour percevoir en 3D des images en 2D.

#4 Le GIF

Le format d’image du GIF permet de créer une animation courte qui se répète à l’infini, formant une boucle. Si on s’est habitués à sa présence sur les réseaux sociaux, le GIF n’en est pas moins un art. La Saatchi Gallery, à Londres, s’associant à Google+, a d’ailleurs lancé le « Motion Photography Prize », concours de photographies en mouvement sous format GIF.

En 2010, l’artiste graffeur britannique INSA, décide de rassembler plusieurs photographies de sa création murale à travers un GIF interactif. Le GIF-graffiti ou plutôt GIF-ITI était né. Récemment, INSA a réalisé, à Rio de Janeiro, un gif de 14 379 m2, composé de quatre images différentes. Une équipe de vingt personnes et quatre jours de travail ont été nécessaires pour produire cette animation gigantesque. Son GIF est désormais visible de l’espace.

#5 Le Land Art

Né en 1968, le land art consiste à utiliser le cadre et les matériaux de la nature (bois, terre, pierres, sable, rocher, etc.). Ainsi, ce n’est plus la nature que les artistes représentent mais c’est in situ qu’ils travaillent. Les oeuvres de Land Art sont souvent gigantesques, comme Double Negative de Michael Heizer,  pour laquelle l’artiste a déplacé 240 000 tonnes de roches dans le désert du Nevada et percé une longue tranchée. Pour Spiral Jetty, Robert Smithson a créé une jetée de 457 m de long et de cinq mètres de large environ au bord du Grand Lac Salé. Elle fut engloutie par une brusque montée des eaux en 1972.

#6 Le corps

Dès les années 1970, le body art s’immisce dans l’art contemporain. Poussant à l’extrême la présence de l’artiste dans l’œuvre, l’art corporel met en jeu le corps devenu lui-même support de l’œuvre.

Les artistes américains Vito Acconci, Bruce Nauman, Dennis Oppenheim expérimentent les limites de leur propre corps à l’occasion de performances où le corps est le support d’interventions qui vont de la grimace à la blessure.

En 1974, pendant six heures, pour Rythm o, Marina Abramovic se livre entièrement au public invité à se servir de l’un des 72 objets disposés sur une table. Des objets de plaisir et de destruction, notamment une arme chargée d’une balle. Si les premiers spectateurs se montrent plutôt frileux et tendres avec la performeuse, elle est ensuite successivement agressée physiquement et sexuellement et le pistolet est braqué sur sa tête. En 2020, l’artiste, qui sera âgée de 73 ans, prévoit de s’électriser avec un million de volts. Accueillie par la Royal Academy of Arts de New York, l’œuvre consistera pour l’artiste à « se charger » d’électricité dans le but d’éteindre une bougie du bout de ses doigts grâce à son champ électrique.

Ces nouveaux supports de l’art suscitent tout de même certaines questions. Puisque pour la plupart, les oeuvres crées sont éphémères, peuvent-elles être vendues ?

Ce qui est à vendre n’est pas l’oeuvre elle-même mais la trace de son existence, par exemple des photos de la performance ou des dessins préparatoires. L’immatériel a son marché, comme lorsqu’en 1962, Yves Klein vendait une Zone de sensibilité picturale immatérielle et recevait pour cette vente de « rien » vingt grammes d’or fin.