Die Geschichte der weiblichen Aktmalerei

Die Darstellung des menschlichen Körpers ist seit prähistorischen Zeiten eines der wichtigsten Themen der Kunstgeschichte. Tatsächlich sind unter den Gemälden, die die Geschichte geprägt haben, viele Aktbilder von Körpern, genauer gesagt von nackten Frauen. Als Beispiel können wir Botticellis Die Geburt der Venus, Courbets Der Ursprung der Welt oder Modiglianis Der liegende Akt nennen. Das Genre der Aktmalerei lässt sich mit einer Vielzahl von Bildthemen assoziieren, zu den bekanntesten gehören die „Odalisken“ von Matisse und Ingres, die „Badenden“ von Renoir und Cézanne oder die „Olympia“ von Manet und Magritte. 

Der Körper ist eine phantastische Inspirationsquelle für einen Künstler, denn er ist gleichzeitig die Verkörperung von Schönheit, Begehren, Träumerei und Verbotenem. Und es sind oft die Aktbilder, die in der Kunst für Skandale sorgen. Im Laufe der Jahrhunderte und quer durch alle Strömungen hat die Aktmalerei eine Ästhetik des Körpers und der Schönheit geschaffen. Über das dargestellte Thema hinaus schaffen die Maler Bilder des menschlichen Körpers, die oft sehr persönlich sind und manchmal sogar gegen die künstlerischen Regeln ihrer Zeit verstoßen. Lassen Sie sich von Artsper auf eine kurze Reise durch die Geschichte der weiblichen Aktmalerei mitnehmen.

1. Mittelalter und Vorrenaissance: der heilige Akt

Im Mittelalter nutzte die Kirche den Akt, um die Verletzlichkeit des Menschen zu zeigen, da sie sich der Bedeutung des Bildes für die religiöse Unterweisung der Analphabeten bewusst war. Die Kirche beauftragte Künstler mit der Anfertigung von Fresken, Skulpturen und Gemälden zur Ausschmückung ihrer Kirchen und religiösen Manuskripte. In der damaligen Zeit diente die Kunst vor allem religiösen Zwecken, wobei der Akt als sündhaft galt. Er verwies auf den sterblichen und unvollkommenen Zustand des Menschen. Nacktbilder wurden daher aus ikonografischen Gründen dargestellt. So finden sich beispielsweise nackte Figuren auf den Tympanons von Kirchen, die auf die Unterwelt anspielen. Die biblischen Figuren Adam und Eva sind ein Synonym für Nacktheit und Sünde. Sie werden oft in ihrer einfachsten Form dargestellt, mit Schlangen oder Blättern, die ihre Genitalien bedecken. Obwohl diese nackten Körper optisch sehr nahe an profanen Akten sind, stehen sie in Wirklichkeit im Dienste des Heiligen.

Masaccio

1425 schuf der italienische Maler Masaccio für die Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz ein Fresko, das die Vertreibung von Adam und Eva aus dem Garten Eden darstellt. Während Adam seine Augen senkt und sein Gesicht verbirgt, versteckt Eva ihre Blöße, ihre Augen drehen sich und ihr Mund ist geöffnet, als ob sie schreien würde. Über ihnen sehen wir einen rot gekleideten Engel, der auf den Ausgang weist. Die beiden Figuren beugen sich vor, schämen sich und haben Angst, Eden zu verlassen.

Masolino

Diesem Bild gegenüber in derselben Kapelle befindet sich ein Fresko des Malers Masolino. Das Fresko mit dem Titel The Original Sin wurde 1424 geschaffen. Adam und Eva blicken sich mit einem Hauch von Gelassenheit an und stehen groß und majestätisch da. Von den Figuren geht ein Licht aus, und der dunkle Hintergrund hebt die Körper und ihre antike Statur hervor.

2. Die Renaissance: Die Entblößung des Körpers

Ab der Renaissance verliert die Aktmalerei ihren ikonografischen Charakter und wird ausschließlich aufgrund ihrer ästhetischen und sinnlichen Qualitäten geschätzt. In dieser Zeit führten die Wiederentdeckung der Antike und das Interesse an der plastischen Schönheit dazu, dass die Künstler den Akt selbst schätzten, der zu einer wichtigen Inspirationsquelle wurde. Die Künstler malten den menschlichen Körper nach lebenden Modellen und achteten dabei auf die Proportionen. Sie griffen das von den Griechen erfundene Körperideal auf, fügten aber eine realistischere männliche Muskulatur hinzu. 

Der vitruvianische Mensch von Leonardo da Vinci ist ein typisches Beispiel für die anatomischen Forschungen der Künstler jener Zeit.

Botticelli

Botticelli war 1485 der erste Künstler, der die Aktmalerei ohne religiösen Grund malte. So etwas hatte man in Europa noch nie gesehen! Es handelt sich um einen fast lebensgroßen weiblichen Akt mit den Maßen 172,5 mal 278,5 Zentimeter, eine Darstellung der Venus, die anmutig ihren Körper enthüllt.

Um die Zensur zu umgehen, faltet Botticelli das lange Haar der Venus über ihre Genitalien. Eine ihrer Hände verdeckt eine Brust, aber die andere bleibt sichtbar. Ihre Schamhaftigkeit wird durch diese beiden Gesten, die ihre weiblichen Rundungen nur teilweise verbergen, kaum verdeckt. Es ist ein Spiel zwischen dem, was sie verbirgt, und dem, was sie entblößt, wobei diese Idee eine erotische Dimension in das Bild einbringt. Ihre Haltung ist vom antiken „Contrapposto“ inspiriert, bei dem ein Bein ausgestreckt und das andere leicht angewinkelt ist. Dadurch werden ihre Hüften und ihre schlanke Figur hervorgehoben. Im Gegensatz zu klassischeren Porträts, bei denen die Füße fest auf dem Boden verankert sind, wirkt das Gleichgewicht der Venus instabil. 

Sie hat einen nachdenklichen Blick. Es ist schwer zu sagen, worüber sie nachdenkt, vielleicht erwacht sie gerade aus einem Traum? Hinter ihr ist das Meer ruhig mit nur wenigen Wellen, kein Sturm zeichnet sich am Horizont ab und eine sanfte Brise ist zu vernehmen.

Botticelli befand sich auf dem Höhepunkt seiner Karriere, als er dieses Bild auf Wunsch reicher Mäzene malte und mit damit Konventionen brach. Seine Venus ist der anmutige, elegante Akt, weit entfernt von jedem sakralen und religiösen Anspruch sowie weit entfernt von der Tradition des Mittelalters. 

3. Manierismus und Rokoko: der Libertinenkörper

In der Zeit des Manierismus im 16. und 17. Jahrhundert wird die Aktmalerei von allen Zwängen und religiösen Überlegungen befreit. Der Manierismus bot eine große Freiheit bei der Darstellung des Körpers. Zwischen der Übertreibung der Formen und der Verzerrung des Körpers entstand ein starkes Gefühl der Erotik.

Agnolo Bronzino

Agnolo Bronzinos Gemälde mit dem Titel ‚Allegorie des Triumphs der Venus‘ aus dem Jahr 1550 ist eines der wichtigsten Beispiele des Manierismus. Die anmutigen Kurven dieser unbescheidenen Venus zeichnen auf der Diagonale des Gemäldes eine für diese ästhetische Strömung typische „Schlangenlinie“ nach: Kurven und Gegenkurven, die die Körper der dargestellten Figuren weich machen.

Ein Gemälde, das die religiöse Moral zweifellos missbilligen würde! Hinter diesem reizvollen Schauspiel verbirgt sich eine inzestuöse Szene, ein Kuss zwischen Venus, der Göttin der Schönheit, und ihrem Sohn Amor, der Inkarnation der Liebe. Provokant, ungehörig, verstörend – Es mangelt nicht an Worten, um diese gegen alle Moral verstoßende Szene zu beschreiben.

Gegen den Strom der Renaissance lehnt diese Bewegung sowohl den antiken Kanon als auch das klassische Denken ab, um Arabesken und Künstlichkeit zu verherrlichen. Der Rokoko-Stil war auch eine Inspirationsquelle für die Aktmaler. In der Tat zelebrierten die Rokokomaler mit ihren kühnen Aktbildern die Schönheit des Körpers wie kein anderer. 

Jean-Honoré Fragonard

Jean-Honoré Fragonard malte großartige Landschaften, religiöse und mythologische Gemälde. Dennoch gilt er als der Maler der Frivolität und des Rokoko. Das ausgezogene Hemd aus dem Jahr 1770 ist zweifelsohne eines der ikonischsten und sinnlichsten Werke des Künstlers. In der Mitte liegt eine nackte Frau und ein „Putto“, ein Diener der Göttin Venus, zieht ihr die Bluse aus. Das Gemälde stellt ein gewagtes Motiv dar, auch wenn die geschlossenen Augen und der halb umgedrehte Körper eine gewisse Bescheidenheit suggerieren. Hier wird der Akt durch die weißen, grauen und rosafarbenen Farben sublimiert, die die junge Haut der Frau hervorheben. Indem er sich von mythologischen und historischen Themen abwandte, revolutionierte Fragonard das Genre mit diesen intimen und frivolen Aktbildern.

4. Romantik und Realismus: der Akt im totalen Umbruch

Die Epoche der Romantik brachte den Wunsch mit sich, die Realität darzustellen, ohne jedoch zu zögern, sie zu dramatisieren. In diese Zeit fallen der Exotismus und die Fantasie der Harems. Die Aktmalerei wird befreit und beginnt sogar, Sexualität zu thematisieren. Die Romantik brach vollständig mit dem Klassizismus und dem Neoklassizismus, indem sie die formalen Konventionen ablehnte. Nicht mehr die Formen und Themen werden hervorgehoben, sondern die Intensität der Farben, der Kontraste und des Lichts.

Francisco de Goya

1790 zeigte Francisco de Goya in seinem Gemälde La maja desnuda wahrscheinlich zum ersten Mal das Schamhaar einer echten Frau und nicht das einer Göttin oder Nymphe. Der Künstler schuf den Akt ohne eine andere Rechtfertigung als das Vergnügen, sich zu enthüllen. Die nackte Frau hat einen selbstbewussten Blick und starrt den Betrachter direkt an, ohne Scham oder Schüchternheit. Dieses Gemälde, das die Geliebte des spanischen Malers darstellt, wurde privat in Auftrag gegeben und sollte vor der Öffentlichkeit verborgen werden. Dennoch wurde es entdeckt und schockierte die damalige Gesellschaft!

Die Maler des Realismus konzentrierten sich oft auf Akte, die sie aus ihrem täglichen Leben aufnahmen. Ihre Modelle stammten aus den sogenannten unteren Gesellschaftsschichten: Prostituierte, Schauspielerinnen oder Geliebte.

Gustave Courbet

Natürlich darf man das Gemälde Der Ursprung der Welt von Gustave Courbet nicht vergessen, das 1866 in der Öffentlichkeit und in den Salons für einen Skandal sorgte. Ohne Zensur stellt es die weibliche Vagina dar. Courbet lehnte die akademische Malerei und ihre idyllischen, idealisierten Versionen des Aktes ab. Seine Malerei forderte stets die Grenzen des Darstellbaren heraus.

5. Der Impressionismus: der weibliche Akt in seiner ganzen Pracht

Den Malern des Impressionismus wird zugeschrieben, den Akt neu entdeckt zu haben. Indem sie die Kanten und Konturen des Körpers entfernten, konzentrierten sie sich auf Farbe und Pinselstriche, um den Körpern Energie und Vitalität zu verleihen. In der impressionistischen Malerei sorgte der Akt für den größten Skandal. Viele Künstler malten gewöhnliche Frauen, meist in ihrer einfachsten Form. Die Künstler des Impressionismus stellen den Akt auf unterschiedlichsten Weisen dar.

Edouard Manet

Mit seinen beiden Gemälden Olympia und Déjeuner sur l’herbe lehnt Edouard Manet 1863 die akademischen Normen seiner Zeit radikal ab. Der moderne Maler wollte die Realität seiner Zeit darstellen: Olympia ist eine Prostituierte und keine mythologische Göttin oder Nymphe. Er malte diese Realität, ohne sie zu idealisieren. In der Mitte des 19. Jahrhunderts war die Darstellung eines Aktes jedoch nur zulässig, wenn er sich in einem exotischen oder mythologischen Kontext befand. Hier ist die nackte Frau stark individualisiert und provokativ. Sie starrt den Betrachter an: Es ist dieser direkte Blick und der Ausdruck von Gleichgültigkeit, der einen Skandal hervorruft. In den akademischen Gemälden sind die nackten Frauenfiguren „überrascht“, so als ob jemand sie nackt erwischt hätte. Schließlich zeigen sie sich nicht freiwillig nackt. Olympia widerspricht jedoch dieser Vorstellung.

Edgar Degas

Aktfiguren stehen auch im Mittelpunkt des Werks von Edgar Degas. Der Akt ist sein Lieblingsthema, weil es das Genre ist, in dem er am meisten innoviert: Diese Akte spiegeln die Vielfalt der Techniken wider, die Degas anwendet. Er verwendet Zeichnung und Malerei, aber vor allem Pastell, das er wegen seiner schnellen Ausführung und der Möglichkeit, das Gemälde zu kopieren, ohne dass das Pastell trocknet, immens schätzt.

In The Tub von 1886 machen die Position der Frau, das Stillleben mit den Toilettenartikeln, die falsche Perspektive und der Überhang dieses Pastell zu einer der meisterhaftesten Aktkompositionen von Degas zur damaligen Zeit.

Paul Cézanne

Wie kann man über künstlerische Akte sprechen, ohne die von Paul Cézanne zu erwähnen? Zwischen seinen Verführerinnen des Heiligen Antonius und seinen Badenden stellt der Künstler eine gequälte Vision der Frau dar.

In seinem Gemälde Die Versuchung des Heiligen Antonius zeigt Cézanne einen dunklen Ausdruck durch Frauen mit grünlicher, kränklicher Haut. Die Figur des heiligen Antonius, die normalerweise im Mittelpunkt steht, ist auf der linken Seite des Gemäldes, kaum sichtbar, untergebracht. Unser Blick wird unweigerlich von diesen drei Frauen mit kräftigen Körpern, großen Bäuchen und Brüsten angezogen. Links tanzt die vierte Figur, die weniger beleuchtet ist, vor dem Heiligen Antonius. Das Gemälde vermittelt einen pessimistischen Eindruck durch die Verwendung von Lichtkontrasten, dunklen Farben (Braun, Grau, Gelbstiche und Dunkelgrün) und grotesken Figuren: Man beachte die männlichen Züge der Frau rechts. 

Cézanne konnte sich damals nicht dazu durchringen, echte Frauen zu bitten, für ihn nackt zu posieren. Einige Kritiker sind der Meinung, dass Cézanne mit diesem Gemälde seine Angst vor Frauen zum Ausdruck bringen wollte, als eine Art Schikane gegenüber diesen weiblichen Körpern, die ihm so unangenehm waren. 

Diese aufreizenden Figuren werden später durch die Figuren der Badenden abgelöst. Mit dem Gemälde der Badenden wollte Cézanne sein eigenes System der Darstellung erfinden. Er versuchte, die Motive zu dekonstruieren, indem er alle erzählerischen und beschreibenden Elemente entfernte, und sie dann zu rekonstruieren, indem er ihre Formen bis zum Äußersten vereinfachte. Wir wissen nicht, wer diese Frauen sind, da ihre Gesichter nur teilweise gemalt sind. Außerdem vermischen sich Formen und Farben auf der Oberfläche der Leinwand, so dass eine Verschmelzung zwischen den Frauen und der Landschaft entsteht. Sicher ist, dass diese Akte ziemlich revolutionär sind und den Weg zur Abstraktion ebnen.

6. Der Expressionismus: Weibliche Akte der Qual

Egon Schiele

Auch im deutschen Expressionismus finden sich zahlreiche Akte. Der mit Gustav Klimt befreundete Egon Schiele war ein bedeutender Maler des Expressionismus, der skandalöseste des frühen 20. Jahrhunderts. Sein Werk ist von einer intensiven Sexualität geprägt und kollidiert mit dem Klassizismus und den bürgerlichen Konventionen seiner Zeit. Sein sehr eigenwilliger Stil ist an den verdrehten Körperformen und den ausdrucksstarken Linien erkennbar. 

1910 begann Schiele, mit dem Akt zu experimentieren und stellte ausgemergelte Figuren in kränklichen Farben dar. Der Weibliche Akt ist ein perfektes Beispiel dafür: eine nackte Frau in verrenkter Haltung, die einen dünnen, leichenhaften Körper präsentiert. Die Einsamkeit des Motivs wird durch den schlichten Hintergrund und den weißen Heiligenschein, der den Körper umgibt, noch verstärkt. Die halbgeschlossenen Augen und die Hand erinnern fast an eine Leichenfigur und damit an die Verbindung zwischen Sexualität und Tod, die der Künstler herstellt. Doch dieser Schiele-Akt ist gleichzeitig kraftvoll! Das zerzauste Haar und der stechende Blick, die ockerfarbenen und roten Farben und das Licht, das von ihm ausgeht, machen dieses Werk zu einer starken und bezwingenden Szene. 

Schieles Akte stehen im Zusammenhang mit der Psychoanalyse, die zu dieser Zeit auf dem Vormarsch war. Der nackte Körper ist das Vehikel für die existenziellen Ängste des Künstlers. Seine Sujets vermitteln die Dualität des Körpers, der sowohl eine Quelle sexueller Impulse als auch ein Symbol des Todes ist. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde Schiele wegen seiner Aktbilder, die als viel zu skandalös galten, als Pornograph, Psychopath und sogar als Dämon bezeichnet.

Otto Dix

Als unmittelbarer Zeitzeuge der großen Grausamkeiten des 20. Jahrhunderts hat Otto Dix nie aufgehört, in seiner Malerei die Gewalt und Absurdität seiner Zeit zu kritisieren. Er ist fasziniert von der Hässlichkeit, dem schlechten Geschmack, dem Makabren und den grotesken Situationen. Der Künstler malt gequälte Frauen, Kriegswitwen und Prostituierte. 

In Halb-Akt ist Otto Dix von dem Körper dieser Frau fasziniert, die versucht, ihre Nacktheit bescheiden zu verbergen. Ein Gefühl des Unbehagens und der Verlegenheit geht von diesem Gemälde aus. Durch diese Frau, die versucht, ihren Körper, ihre schweren Brüste, ihr übermäßig geschminktes Gesicht und ihren jämmerlichen Gesichtsausdruck zu verbergen, versucht Otto Dix, uns eine Darstellung seiner Welt zu geben, die seiner Meinung nach einfach nur hässlich und abscheulich ist.

7. Zeitgenössische Kunst: der Akt in all seinen Formen

Tom Wesselmann

Nach dem Zweiten Weltkrieg eigneten sich die Künstler den Akt auf sehr individuelle Weise wieder an. Tom Wesselmann, ein amerikanischer Künstler und bedeutender Vertreter der Pop-Art-Bewegung, schuf weibliche Akte, indem er aus Zeitschriften ausgeschnittene Bilder und gefundene Gegenstände verwendete. Seine provokativen und entpersonalisierten Werke sind zu wahren erotischen Ikonen geworden, die die 1960er Jahre verkörpern. Wesselmann wollte, dass seine Akte starke Reaktionen hervorrufen. Er sagte einmal: „Der Akt ist, glaube ich, eine gute Möglichkeit, aggressiv zu sein, bildlich gesprochen. Ich möchte beim Betrachter intensive und explosive Reaktionen hervorrufen. „

Hildegarde Handsaeme

Die Aktbilder von Hildegarde Handsaeme sind wahre Oden an die Frau. Der Körper ist poetisch und farbenfroh, ähnlich wie bei den Kubisten zu ihrer Zeit. Die Nacktheit ist offen, die Formen sind großzügig. Diese Körper mit feinen Konturen, die von Kurven dominiert werden, werden durch die flachen Farbflächen, die um das Werk herum getupft werden, hervorgehoben. Ihr Werk ist sehr persönlich und zeigt, dass die Kunst und der Akt keine Grenzen haben, schwer fassbar sind und sich nur schwer in Worte fassen lassen.

Seit der Moderne hat die Aktmalerei im Wesentlichen den weiblichen Körper evoziert, ein Erbe der Maler (und einer Gesellschaft!), die ihn zum Objekt der männlichen Begierde gemacht haben. Damals jedoch – und das ist das Paradoxe – wurde der weibliche Körper weniger geschätzt als sein männliches, athletischeres Gegenstück.

Die ewige Darstellung des weiblichen Aktes

Schließlich hat die Darstellung des weiblichen Körpers in der westlichen Malerei seit dem Mittelalter einigen der größten Künstler der Welt Ruhm eingebracht. Mal religiös und sakral, mal hemmungslos und libertinär, haben Künstler den weiblichen Akt auf tausende von Arten dargestellt. Je nach Epoche kann der Akt die Unschuld oder die Erniedrigung Evas, die Schönheit einer antiken Gottheit oder die Libertinage des 18. Jahrhunderts symbolisieren. Welches ist Ihr Lieblingsbild eines weiblichen Aktes?

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