Monochrome Kunst: Warum schaffen Künstler sie?

Monochrome Kunst scheint für viele das Einfachste zu sein, obwohl die Allmacht der Farbe in ihrer bescheidensten und reinsten Form den Blick des Betrachters übersteigt. Das Genre lässt keinen Raum für Figuration, während seine zeitgenössischen Darstellungen die Besonderheit der Kunst in Frage stellen. Künstler, die monochrome Kunst schaffen, profitieren von der totalen Freiheit in ihrem Ansatz und ihrer Technik.

Heute lädt Artsper Sie ein, in ein Meer von Farben einzutauchen und monochrome Kunst zu entdecken…

Absolute Abstraktion, der Ausgangspunkt der monochromen Kunst

Die moderne Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts war geprägt vom Aufkommen der Abstraktion, einer visuellen Sprache, die frei von jeder definierten Darstellung ist. Ihre internationale Dimension wurde durch die Arbeit innovativer Künstler mit einzigartigen Visionen gefördert.

Der Begriff „monochrom“ stammt aus dem Griechischen und bedeutet „nur“ und „chroma“ bedeutet „Farbe“. Während die monochrome Kunst ursprünglich Werke mit verschiedenen Schattierungen umfasste, beschränkt sie sich heute auf Werke mit einer einzigen Farbe. Diese große Veränderung verdanken wir sicherlich Yves Klein, für den die Monochromie eine Berufung war. Sein Klein Blue, oder IKB, wurde schnell zur Ikone der modernen Kunst. Es trug dazu bei, eine Praxis zu popularisieren, die heute neben dem Porträt, der Landschaft oder dem Stillleben zu einem eigenen Genre geworden ist.

Die zeitgenössische monochrome Kunst ist in der Tat von anderen Forschungen geprägt, die für den uneingeweihten Betrachter vielleicht weniger offensichtlich sind. Die Impressionisten konzentrierten sich ganz auf das Licht und seine Auswirkungen auf die Farben. Berühmte Gemälde wie Effet de neige à Giverny (1893) stellen die manchmal sehr feine Linie zwischen Figuration und Abstraktion in Frage, ohne sie jemals zu überschreiten. Das Ölgemälde von Claude Monet auf Leinwand ist in einen einzigartigen Farbton gekleidet, ein bläuliches Weiß, das an einen verschneiten Tag in der Normandie erinnert… Das Werk wird durch fast greifbare Pinselstriche vergrößert, die einzigartige Farbflecken schaffen, die den Impressionismus perfekt repräsentieren!

Die Wurzeln der monochromen Kunst

Wie kann man über monochrome Kunst sprechen, ohne den Suprematismus und seinen Schöpfer, Kasimir Malewitsch, zu erwähnen? Der Maler, Zeichner, Bildhauer und Theoretiker Malewitsch scheint ein Pionier der abstrakten und vor allem der monochromen Kunst zu sein. Im Jahr 1915 enthüllte der Künstler eine bescheiden wirkende Leinwand mit dem Titel Black Square. Dieses Werk, ein echtes Emblem einer neuen Ära, verkörpert perfekt den russischen Suprematismus des frühen 20. Jahrhunderts. Die Theorie des Suprematismus geht auf Malewitschs jüngste kubofuturistische Periode zurück. Primäre Farben, geometrische Formen und Dynamik waren damals die Zutaten für ein brillantes Rezept. In Malewitschs Kunst wird die Zweidimensionalität der Leinwand als Medium akzeptiert, ja sogar gefeiert. 

Mit White on a White (1918) betritt Malewitsch endgültig die Welt der Ungegenständlichkeit, in der das Nichts nicht mehr beängstigend, sondern sehr eindrucksvoll ist. Er beginnt mit der Erforschung der reinen Farbe, die der reinen Form gegenübergestellt wird. Symbolisch öffnet der Künstler die Türen zu dieser Welt der unendlichen Möglichkeiten für viele Zeitgenossen, die ebenfalls etwas Magisches in dem Nullpunkt der Malerei finden werden. In der Tat lässt uns die monochrome Kunst das Material, die Symbole und die Zeit vergessen. Es geht um die Empfindung des Künstlers, die manchmal verstörend, aber auch erstaunlich sein kann.

Die Theorie hinter dem Genre

Es gibt keinen präzisen und allgemeingültigen Grund, der Künstler dazu bewegen würde, monochrome Kunst zu schaffen. Jede Epoche, jedes Land birgt seine eigenen Geheimnisse und Besonderheiten… Dennoch überrascht die monochrome Kunst die Menschen. Sie weckt die Neugier des Betrachters, als Reaktion auf eine esoterische Sprache, die er manchmal nicht versteht, obwohl sie viel Raum für Fantasie lässt. Darin liegt die Besonderheit des Genres… Haben Sie schon einmal eine Ausstellung besucht und sind auf ein simpel aussehendes monochromes Werk gestoßen und haben sich gefragt, was daran so besonders ist? Für viele ist die totale Abstraktion eigentlich ziemlich beunruhigend, weil sie auf das Nichts verweist. Manchmal ruft sie zur Selbstanalyse und zum Hinterfragen auf. Was sehe ich? Was sehe ich nicht? Wer bin ich?..

Die Dimension der monochromen Kunst kann beängstigend sein. Mit der Angst kommt die Ablehnung, aber Humor hat die Kraft zu heilen… Die Kunstgeschichte hat das bewiesen! Gehen wir zurück in die Vergangenheit… 1882 schuf eine Gruppe von Pariser Künstlern die ersten monochromen Bilder, um die Impressionisten zu ärgern. Ihrer Meinung nach waren sie zu akademisch, zu ernst und zu künstlerisch! Die Incohérents wollten die Franzosen mit ihren Parodien und Wortspielen amüsieren. An ihrer Spitze steht Jules Lévy, ein bekannter Satiriker. Die Incohérents nutzten alle ihnen zur Verfügung stehenden Mittel, um das Bürgertum zu verspotten, und legten, ohne es zu wissen, den Grundstein für zwei große Bewegungen des 20. Jahrhunderts, die Abstraktion und den Surrealismus… 1882 präsentierte Paul Bilhaud sein erstes schwarzes Monochrom. Diese Idee verführt Alphonse Allais, der von 1882 bis 1890 eine Serie von sieben monochromen Bildern schafft.

Eine Vielzahl von Interpretationen

Monochrome Kunst hat keine Grenzen und erlaubt alle Arten von Experimenten in Bezug auf Texturen, Oberflächen, Effekte…. Um Alexander Rodtchenko, den Meister der russischen konstruktiven Kunst, zu zitieren, erlaubt sie es, die Malerei auf ihren ursprünglichen Zustand, die Materie, zurückzubringen. Er zielt darauf ab, sie zu entmystifizieren, insbesondere mit seinen drei quadratischen Gemälden mit dem Titel Pure Red Color, Pure Yellow Color, Pure Blue Color (1921) in Anlehnung an die drei Grundfarben. Er beschreibt dieses ikonische Werk als „das letzte mögliche Gemälde“.

Später theoretisiert Władysław Strzemiński den Unismus, der darauf abzielt, alle nichtplastischen Werte zu eliminieren und mit Farbe, Oberfläche und Material eins zu werden. Seine Kunst lehnt jede Rechtfertigung ab.

Erwähnenswert ist auch Pierre Soulages, der mit seinen „Outrenoirs“, die keinen Titel tragen und sich vor allem durch ihre Materialität und ihre Präsenz auszeichnen, das Schwarz verwandelt; oder auch Lucio Fontana, der seine Leinwände schneidet und sie fast zu Skulpturen macht und an die Bedeutung der Geste erinnert.

Ein anderer Künstler, Pier Paolo Calzolari, eine emblematische Figur der Arte Povera, setzt verbrannte Holzbretter auf spezifische Weise zusammen, um ein monochromes Bild mit dem Titel Bois noir zu komponieren.

Die Bedeutung der Wahrnehmung durch den Betrachter

Robert Rauschenberg und Ad Reinhardt gehörten in den 1950er Jahren zu den Wegbereitern des Minimalismus und der Konzeptkunst. Ihre riesigen Leinwände wirken wie imaginäre Leinwände und laden den Betrachter ein, seine eigene Existenz zu hinterfragen. Diese Interpretation von Monochrom beweist, dass man in der Leere die Unermesslichkeit der Seele findet…

Bei Ellsworth Kelly kommen Form und Inhalt zusammen. Was zählt, ist der Rückzug des Betrachters und seine Verantwortung für die eigene Wahrnehmung der Welt. Aus diesen Beobachtungen entstehen seine „Objektbilder“ oder „shaped canvases“. Sie definieren die Beziehung zwischen dem Betrachter und dem ihn umgebenden Raum völlig neu.

Im Jahr 2015 schließlich wurde Robert Rymans monochromes Bild Bridge (1980) bei Christie’s für 20,6 Millionen Dollar verkauft. Der Verkauf löste eine große Debatte in der Kunstwelt aus!

Offensichtlich spaltet die monochrome Kunst nicht nur die Öffentlichkeit. Auch viele Künstler lehnen sie ab und meiden sie manchmal sogar. Einige umkreisen sie und versuchen, das Erhabene und die Einfachheit zu erreichen, ohne sich jemals dazu zu entschließen, sie vollständig zu übernehmen.

Koreanische monochrome Kunst, Dansaekhwa

Das koreanische monochrome „Dansaekhwa“ entstand in den 1970er Jahren. Es heißt, dass es sich als direkte Reaktion auf die politische und soziale Krise nach dem Koreakrieg entwickelt hat. Die moderne und anti-strukturelle Dimension des Dansaekhwa steht im Gegensatz zu dem eher klassischen Malstil, der damals in Ostasien am meisten geschätzt wurde. Die abstrakten Maler begannen, mehr zu experimentieren, das Material zu zerreißen, die Leinwand einzutauchen und ihre Striche zu wiederholen. Diese künstlerische Praxis ermöglichte es ihnen damals, der politischen Autorität und den Beschränkungen zu entkommen. Zu dieser Gruppe gehören koreanische Meister wie Yoo Youngkuk, Kim Whanki, Lee Ufan, Chung Sang-hwa, Park Seo-Bo und viele andere…

Die Dynamik zwischen dem Betrachter und dem Werk steht im Mittelpunkt der Philosophie des Dansaekhwa. Koreanische Künstler verwenden verschiedene Techniken und Materialien, um ihre Kunst zu einer transzendenten und vor allem meditativen Sinneserfahrung zu machen. Die Materialien erwachen unter dem Blick des Betrachters, und das Werk ist ohne den Blick des Betrachters nicht vollständig. Aus dieser Dynamik ergibt sich eine echte Subjekt-Objekt-Dichotomie.

Koreanisches Dansaekhwa auf dem globalen Kunstmarkt

Dansaekhwa entwickelte sich parallel zu den Trends der westlichen Kunst. Der Stil entwickelte sich in drei Phasen: in den 1950er Jahren mit dem Expressionismus, in den 1960er Jahren mit Minimalismus, Abstraktion und Arte Povera und schließlich in den 1970er Jahren mit dem Dansaekhwa, wie wir es heute kennen. Durch die Pflege dieser internationalen Dimension bei gleichzeitiger Beibehaltung seiner koreanischen Wurzeln ist es Dansaekhwa gelungen, Sammler aus aller Welt anzuziehen. In der Tat ist diese monochrome Kunst schnell zum Gesicht der koreanischen Kunst in der Welt geworden. Laut Noh Sang-Kyoon kann das koreanische Dansaekhwa als eine Ode an die Natur und das Universum gelesen werden und unterscheidet sich in diesem Sinne von der eher formalen westlichen Sichtweise des Lebens.

Wir hoffen, dass Ihnen dieser Überblick über die verschiedenen Interpretationen monochromer Kunst die Komplexität des Genres vor Augen geführt hat… 1955 weigerte sich der Salon des réalités nouvelles in Paris, ein orangefarbenes Monochrom von Yves Klein auszustellen. Die Begründung? „Eine einzige einfarbige Farbe, nein, nein, wirklich, das ist nicht genug, das ist unmöglich!“ Was für ein Weg wurde seitdem zurückgelegt! Wenn Sie mehr über dieses Thema erfahren möchten, schauen Sie sich unsere Auswahl an monochromen Kunstwerken auf Artsper an.