Die modernen Kunstbewegungen die Sie kennen sollten

Mit dem Übergang zum zwanzigsten Jahrhundert nahm die moderne Kunst ihren Anfang. Picasso, Matisse, Kandinsky, Malevitch, Delaunay und all die anderen bildeten eine blühende Avantgarde, die sich in der ersten Hälfte des Jahrhunderts in zahlreiche künstlerische Strömungen aufteilte. Die Experimente wurden von Malern vervielfacht, die sich immer weiter ins Unbekannte vorwagten. Um in alle Kunstbewegungen, die die Geschichte der modernen Kunst ausmachen, einzutauchen, hat Artsper diese Zusammenfassung für Sie erstellt!

Kubismus

Der 1907 entstandene Kubismus war die erste Kunstbewegung, die nicht mehr nur eine bloße Nachahmung der Realität anstrebte. Die kubistischen Künstler ließen sich von den Formen der primitiven Kunst inspirieren, die zu dieser Zeit ein Revival erlebte. Allerdings wurden alle Formen von Volumen zerlegt und neu zusammengesetzt. Georges Braque, Pablo Picasso und Fernand Léger sind einige der wichtigsten Vertreter dieser Kunstrichtung.

Futurismus

Der 1909 in Italien entstandene Futurismus basiert auf kubistischen Formen und Denkweisen. Er berührt die Literatur, die Malerei und die Bildhauerei. Fasziniert von der Bewegung, der modernen Gesellschaft und den Maschinen, versuchten Futuristen wie Boccioni, Russolo und Marinetti, sie zu zerlegen und auf der Leinwand darzustellen.

Geometrische Abstraktion

Die Abstraktion, eine echte Revolution der modernen Kunst im 20. Jahrhundert, entstand um 1910 mit den Pinselstrichen von Piet Mondrian, Vassily Kandinsky und Kasimir Malevitch. Die ersten abstrakten Werke basierten auf spirituellen Überzeugungen und verwendeten Musik als Hauptmotiv, zwei Themen, die sich nicht figurativ darstellen ließen. In ihrem Ausdruck suchen die Künstler nach Reinheit und Vereinfachung durch die Verwendung geometrischer Formen.

Expressionismus

Diese Bewegung, deren Vorläufer Munch war, entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland und in den Ländern des Nordens, wo sie sich gegen den Akademismus wandte. Am Ende des Ersten Weltkriegs vertraten die expressionistischen Werke eine pessimistische und düstere Sicht der Welt. Die Verformung wurde wie gewünscht eingesetzt, um das innere Gefühl auf die figurative Realität zurückzuführen. Diese Bewegung teilt sich in zwei Gruppen: ‚Die Brücke‘ und ‚Der Blaue Reiter‘, wobei die letztere zur Abstraktion führt.

Orphismus

Es war Guillaume Apollinaire, der 1912 bestimmte Aspekte der Avantgarde-Malerei als Orphismus bezeichnete. Er ließ sich von dem Namen der Ausstellung inspirieren, in der die ersten Werke der Bewegung ausgestellt wurden: die goldene Sektion (la section d’or). Es handelt sich um eine Vereinfachung der Formen, von denen nur noch Farben und Licht sichtbar bleiben, das Ziel des Orphismus war es also, ein Gefühl der Bewegung auf der Leinwand zu schaffen. Robert und Sonia Delaunay sind u. a. seine Vertreter.

Surrealismus

1924 definierte André Breton in seinem Manifest den Surrealismus wie folgt: „Es handelt sich um einen reinen psychischen Automatismus, durch den man versucht, das wirkliche Funktionieren des Geistes auszudrücken, sei es verbal, schriftlich oder auf irgendeine andere Weise. Vom Unbewussten diktiert, in Abwesenheit jeglicher Kontrolle durch die Vernunft und frei von ästhetischen oder moralischen Überlegungen…“. Diese künstlerische Bewegung hebt die Grenzen zwischen Realität und Irrealität auf. Träume werden zu einer wichtigen Inspirationsquelle, und Künstler wie Dali, Magritte, Ernst und Picabia entwerfen ihre eigene Vorstellung von der Welt, die dann nach den Wünschen des jeweiligen Betrachters verzerrt wird. Dies war das Ende der Herrschaft der Vernunft in der Kunst.

Abstrakter Expressionismus

Der abstrakte Expressionismus gilt als die erste wichtige künstlerische Bewegung in den Vereinigten Staaten und beschäftigt sich mit Gestik und Farbe. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde er in zwei Bereiche unterteilt: Action Painting und Colorfield Painting. Im ersten Bereich arbeiten die Künstler mit ihrer Gestik und der Art und Weise, wie sie die Farbe auftragen, wobei sie die Technik des Dripping anwenden. Die Beziehung zwischen dem Körper des Künstlers und seiner Leinwand wird intensiv, wie Jackson Pollocks Ansatz beweist. In der zweiten Variante untersucht der Künstler die Flächigkeit seiner Leinwand und will jeden Tiefeneffekt beseitigen. Der Name Farbfeld kommt von den großen flachen Farbflächen, die es charakterisieren und die man zum Beispiel in den Werken von Rothko finden kann.