L'amour dans l'histoire de l'art : une inspiration éternelle

L’amour est un thème majeur dans l’histoire de l’art. Tout particulièrement, le thème de la romance s’impose comme un sujet inévitable que de nombreux artistes, des grands maîtres au noms oubliés de l’histoire, ont exploré. Elle inspire, elle tourmente, elle exalte… Au fil des siècles, ses représentations n’ont cessé d’évoluer et de surprendre. 

Chez Artsper, nous considérons que l’amour peut se traduire par une relation romantique, oui, mais pas que ! Nous vous invitons donc à plonger dans une exploration chronologique d’un sujet fondateur de l’histoire de l’art, l’amour, sous toutes ses formes.

1. Un trésor de l’histoire de l’art

Imaginez un jour de 1908, en Autriche, près du village de Willendorf. Un groupe d’archéologues découvre une mystérieuse statuette de seulement 11 centimètres de hauteur. Celle-ci représente une femme voluptueuse, que l’on pense dans un premier temps être Vénus, déesse romaine de l’amour. On estime aujourd’hui qu’elle daterait d’il y a 25 000 ou 30 000 ans, soit de l’époque du Paléolithique supérieur. Son utilité reste à ce jour assez floue, bien qu’on la suspecte d’être en lien avec les rites de fertilité et de reproduction. On dit d’elle qu’elle représente l’idéal féminin du Paléolithique, et ce en raison de la rondeur de ses formes, non sans rappeler le thème de la maternité. 

Finement taillée dans le calcaire, La Vénus de Willendorf présente des traces de pigments, indicateurs de son ancienne teinte rouge, couleur symbolique de l’amour dans l’histoire de l’art… 

2. Un amour éternel

Khnoumhotep et Niânkhkhnoum partageaient un même rôle au palais du pharaon Niouserrê, sixième monarque de la 5ème dynastie, vers 2460-2430 avant J.C. Ils étaient qualifiés de « confidents du roi ». C’est en 1964 que leur tombe commune est découverte dans la nécropole de Saqqarah, dans la région de Memphis en Égypte. Pour certains, Khnoumhotep et Niânkhkhnoum forment le premier couple masculin dont on ait gardé la trace. En effet, il arrive aux deux serviteurs d’être présentés comme des amants, des frères ou même des jumeaux. Leur lien semble intime, tendre et définitivement puissant. Leur relation, quant à elle, divise les spécialistes et les passionnés d’histoire antique. 

Sur le tombeau qu’ils partagent figure l’épitaphe suivant : « Khnoumhotep et Niânkhkhnoum ont vécu ensemble et se sont aimés avec passion ».

3. Un amour taillé dans la pierre

La représentation de l’enfant est un sujet qui passionne, tout comme celui de l’amour filial. Silène portant Dionysos enfant souligne toute la complexité autour de l’amour parental à la période hellénistique. Marbre romain du début de notre ère, il s’agit en fait d’une copie d’une œuvre en bronze grecque datant d’environ -300. Elle fait partie des seuls vestiges témoins d’une époque où l’on pourrait qualifier la production sculpturale d’extrêmement prolifique. 

Cette sculpture représente Dionysos, enfant issu d’une relation adultérine entre Zeus et Sémélé, simple mortelle. Pour éviter la colère d’Héra, l’enfant est placé sous la protection des Nymphes par son père. Il croise alors le chemin de Silène, l’Ivresse, qui s’impose comme une figure paternelle pour le jeune Dionysos. Sur leurs visages, on peut lire toute la complicité qui lie un père à son fils. Leurs expressions naturelles et enjouées renvoient à ce qu’on appelle le « rococo hellénistique », style léger mettant en scène des enfants joueurs et des personnages grotesques.

4. L’amour d’un couple iconique dans l’histoire de l’art

Exemple d’art profane et véritable incontournable du genre du portrait, Les Époux Arnolfini témoigne d’une époque de l’histoire où les peintres s’émancipent de l’injonction de représenter le sacré. Giovanni Arnolfini et sa femme Giovanna Cenami, un couple de bourgeois italiens de Bruges, se tiennent au centre d’une chambre nuptiale, probablement chez eux. Mari et femme semblent s’aimer dans la retenue, en toute simplicité. Leurs mains se lient, peut-être le signe du serment du mariage, sous les yeux de leur chien qui symbolise la fidélité. Ils représentent une famille, alors qu’on peut déduire que les époux Arnolfini attendent un enfant. 

Jan van Eyck est le premier peintre à signer ses œuvres. Ici, il ne déroge pas à la règle. En effet, on aperçoit son nom au-dessus du miroir que l’on distingue en arrière-plan…

5. L’amitié comme ciment de la vie

Comment parler d’amour dans l’histoire de l’art sans mentionner l’amitié ? Portrait de l’artiste avec un ami de Raphaël date de la période entre 1518 et 1520. Le tableau représente deux hommes sur un fond sombre. Leur apparence est similaire, presque identique ; leurs bustes se confondent. Raphaël s’est représenté au second plan, laissant l’identité de son ami incertaine. La main posée sur son épaule comme un signe de soutien et de loyauté, l’attention du peintre semble retenue par le spectateur, alors que celle de son mystérieux ami se fixe sur Raphaël.

Ce double portrait s’inscrit dans la période artistique de la Haute Renaissance, caractérisée par l’élégance et la rhétorique des poses, éléments que l’on retrouve dans cette toile.

6. L’amour-propre d’une femme iconique de l’histoire de l’art

Aimer l’autre, c’est bien. S’aimer soi-même, c’est encore mieux. Élisabeth Vigée Le Brun l’avait peut-être compris à son époque. Portraitiste française du 18ème siècle, son travail contribua à démocratiser l’image de la femme peintre. À seulement 23 ans, elle est nommée portraitiste officielle de l’exigeante reine Marie-Antoinette. Alors que beaucoup de ses consœurs peintres ont été effacées de l’histoire ou même confondues avec des peintres masculins, Élisabeth Vigée Le Brun a réussi à se faire une place de choix dans l’histoire de l’art. Nettement influencée par le style rococo, l’artiste infuse ses œuvres d’une touche de modernité, alors qu’on décèle son goût prononcé pour l’indépendance dans ses autoportraits au travail…

Élisabeth Vigée Le Brun peint en grande majorité les femmes de la cour et leurs enfants. Ses portraits de famille participent à dessiner le nouveau visage de l’amour maternel. Et ses autoportraits dénotent d’une confiance résolue qui ne peut qu’inspirer encore aujourd’hui…

7. L’amour fraternel comme remède

Rien ne vaut l’amour d’un frère, n’est-ce pas ? Entre Vincent Van Gogh et son frère Théo, un lien indestructible s’est créé. Au cours de sa vie et de leurs correspondances, l’artiste tourmenté ne cessera de trouver réconfort et bienveillance dans les mots de son cadet. Bien que très différents, ils se comprennent et s’admirent. Leur ressemblance est frappante. Si bien qu’en 2011, à l’issue de longues recherches, l’identité de l’homme figurant sur l’un des autoportraits de Vincent Van Gogh datant de l’été 1887 a été remise en question. S’agirait-il de Théo ? En effet, on soupçonne l’œuvre d’être associée à un autoportrait de Vincent, aux mesures, à la composition et à la date de création identiques. Cependant, le doute plane encore sur l’identité de l’homme représenté sur ce modeste portrait de 19 x 14 cm. Il porte désormais un double titre : Autoportrait ou Portrait de Théo Van Gogh.

8. L’amour qui construit l’histoire

Dans son poème intitulé « Il n’y a pas d’amour heureux », Aragon considère l’amour comme un absolu inaccessible. Marina Abramoviĉ et Ulay, partenaires connus notamment pour leurs œuvres performatives en tandem, ont écrit leur histoire sous les yeux du public. Ils se sont aimés et déchirés au rythme de leur art. En 1988, ils mettent en scène leur rupture sur la Grande Muraille de Chine. Chacun part d’un bout opposé à la rencontre de l’autre. Après trois mois de marche et des milliers de kilomètres, ils se retrouvent enfin pour une dernière étreinte emplie de poésie, entre souffrance et espoir.

C’est en 2010 qu’ils se sont retrouvés, au MoMA, où Marina Abramoviĉ présentait son nouveau projet intitulé The Artist is Present. L’artiste serbe invitait les visiteurs à s’installer à une table et à lui faire face pour un moment intime et silencieux, les yeux dans les yeux. Parmi eux, Ulay. Les deux artistes ne s’étaient pas vus depuis leur séparation, vingt-deux ans plus tôt. Ulay, aujourd’hui décédé, et son œuvre, ne cessent d’inspirer les amoureux de l’histoire de l’art.

Finalement, l’amour n’a ni définition, ni limites. Au cours de l’histoire de l’art, il a pris différentes formes et a transmis une multitude de messages. Représenter l’amour, c’est un acte symbolique auquel de nombreux artistes s’essaient… En résultent des œuvres iconiques et fondatrices, ancrées dans leurs époques. Si vous souhaitez explorer davantage le thème de l’amour, découvrez la sélection d’œuvres inspirée de l’amour !

Vous devriez aimer…