Kunst und Natur: Die Entstehung der Ökologischen Kunst

Kunst und Natur haben schon immer einen Weg gefunden, sich gegenseitig zu beeinflussen, wobei letztere eine große Inspirationsquelle für Künstler darstellt. Sie findet sich in vielen Formen: ländlich und historisch für die Klassizisten, grandios und wild für die Romantiker oder sensibel und poetisch für die Impressionisten. Doch erst viel später wurde sich der Künstler der Zerbrechlichkeit der Umwelt bewusst. Die Kunst wurde dann zum bevorzugten Medium, um dies auszudrücken. Die Natur wird über den reinen Ästhetizismus hinaus dargestellt, denn Kunst und Natur stehen im Mittelpunkt dieses politischen Kampfes. In der Tat hat die Zerstörung der Natur die Beziehung zwischen Künstlern und der Landschaft tiefgreifend verändert. Artsper lädt Sie ein, zu entdecken, wie die Verbindung von Kunst und Natur im 20. Jahrhundert zu einem ökologischen und umweltpolitischen Kampf wurde.

Die In-situ-Methode: Die Betrachtung des Werks in seiner Umgebung

In den Vereinigten Staaten wurde die künstlerische Praxis zwischen 1969 und 1970 auf den Kopf gestellt. Viele Künstler begannen, über die traditionellen Orte wie Galerien, Museen und Ateliers hinauszudenken. Ähnlich wie die Impressionisten zu ihrer Zeit – die ihre Ateliers verließen, um im Freien zu malen – gaben die amerikanischen Künstler die Galerien zugunsten großer, isolierter und natürlicher Räume auf. In der Folge setzte ein Wandel ein, als der Verzicht auf geschlossene Räume zum Synonym für wiedergewonnene Freiheit wurde. 

Das Aufkommen der ortsspezifischen Land Art markierte einen echten Wendepunkt. Von nun an waren die Kunstwerke nicht mehr autonom. Stattdessen leiten sie sich von dem Raum ab, dessen Teil sie sind. Daher können Kunstwerke nicht mehr ohne Berücksichtigung des Ortes ihrer Präsentation verstanden werden. Bei In-situ-Kunstwerken, die oft in Form einer Installation präsentiert werden, spielt die einzigartige Umgebung eine aktive Rolle.

Land Art und Natur: Das Entstehen eines ökologischen Ansatzes 

Die In-situ-Kunst ist das bevorzugte Verfahren der Land Art, einer Bewegung, die versucht, Werke direkt in der natürlichen Umgebung zu schaffen. Die natürlichen Elemente der Landschaft werden zum eigentlichen Material der Produktion, da diese Werke aus Materialien wie Felsen, Erde und Sand hergestellt werden. Viele sind der Meinung, dass diese Verbindung von Kunst und Natur als Erlebnis und nicht nach ihrem Marktwert betrachtet werden sollte. 

Robert Smithson, ein Theoretiker und eine Ikone der Land Art, bietet mit Spiral Jetty ein gutes Beispiel dafür.

Walter De Maria, Lightning Field, 1977

Das Lightning Field von Walter De Maria ist ein weiteres bekanntes Werk dieser Bewegung. Es handelt sich um eine permanente Installation aus 400 Stahlpfosten. Sie sind über eine kilometerlange Wüstenebene in Quemado, New Mexico, verteilt. Das 1977 fertig gestellte Werk ist so konzipiert, dass es Blitze anzieht. Als Symbol der Land Art ist das Lightning Field ein echtes Erlebnis. Die Besucher, bis zu sechs pro Sitzung, übernachten in einem Schuppen neben dem Feld und warten auf den Einbruch der Nacht und die Blitze. Obwohl es sich um ein dauerhaftes Werk handelt, ist das Erlebnis selbst jedes Mal ein anderes. Die Besucher können das Ausmaß der Installation nur dann wirklich begreifen, wenn der Blitz auf wundersame Weise in die Pfosten einschlägt, was völlig dem Zufall überlassen ist. 

Der Schwerpunkt liegt auf der Umwelt, denn das Kunstwerk befindet sich im Freien, eine Tatsache, die noch wichtiger ist als die Masten selbst. In dieser Installation ist das Feld viel mehr als nur ein Rahmen, sondern ein entscheidendes Element, um sich der Bedeutung der Umwelt bewusst zu werden. 

Dieses Kunstwerk erinnert uns an die Schönheit der Natur, die wie ein Sturm, der in einem Augenblick aufkommt, flüchtig ist. 

Michael Heizer, Double Negative, 1969

1969 kaufte Michael Heizer, ein Bildhauer aus New York, ein Stück Land in der Wüste von Nevada. Dann bewegte er 240.000 Tonnen Felsen, um sein Werk Double Negative zu schaffen. Diese Skulptur ist ein langer Graben in der Erde, der 15 Meter tief ist. Das „Double“ im Titel des Werks bezieht sich sowohl auf die künstlichen als auch auf die natürlichen Eigenschaften des Canyons.

Land Art, eine ökologische Form der Kunst?

Land Art wird oft mit „ökologischer“ Kunst gleichgesetzt. Aber kann man das wirklich behaupten? Einige Künstler wie Nancy Holt behaupten, dass die Land Art in ihrem Kern ökologisch sei, weil sie eine Verbindung mit dem Land und der Umwelt fördere. Andere, wie Robert Morris, sind der Meinung, dass diese Künstler letztlich durch wirtschaftliche Faktoren beeinflusst wurden.

Morris‘ Argument stützt sich auf die Tatsache, dass Kunstinstallationen Landschaften mitunter radikal schädigen und verändern können. Aus diesem Grund wird Land Art von einigen als „anti-ökologisch“ angesehen, da sie die Natur nicht respektiert. In der Tat kann Michael Heizers Bulldozerarbeit ohne weiteres als eine Zerschneidung der Reinheit der amerikanischen Wüste betrachtet werden… 

Die Umwelt kann also ein umstrittenes Material für Künstler sein, die sich mit dem Gelände beschäftigen. Man könnte sie sicherlich als eine Rückkehr zur Natur betrachten, aber nicht unbedingt als eine Form des ökologischen Aktivismus.

Umwandlung verschmutzter Räume durch Rückgewinnungskunst 

Rekultivierungskunst, auch „Ökovention“ genannt, ist die Kunst der Sanierung verschmutzter Räume oder verlassener Industriegebiete. Sie wird oft mit der Land Art in Verbindung gebracht, doch die Werke dieser Bewegung bieten eine ökologische Sanierung und tragen auch dazu bei, die Verbindung zwischen den Menschen und ihrer natürlichen Umgebung zu fördern.

In New York..

1965 startete Alan Sonfist ein Aufforstungsprojekt in einem der städtischen Gebiete Manhattans. Sein Werk mit dem Titel Time Landscape wurde 1978 fertiggestellt und gilt als der erste städtische Wald in New York. Sonfists Hauptziel war es, dieses Land zu rehabilitieren und ihm sein ursprüngliches Aussehen zurückzugeben, bevor es besiedelt oder urbanisiert wurde. Die Gegenüberstellung des Waldes und der städtischen Umgebung zeigt das Umweltbewusstsein des Künstlers. 

In Dallas..

1985 wurde die Künstlerin Patricia Johanson beauftragt, einen verschmutzten künstlichen See in Dallas zu sanieren. Mit ihrer Kunst verfolgte sie zwei Ziele: die Verbindung zwischen dem Menschen und seiner natürlichen Umgebung wiederherzustellen und das Gebiet ökologisch wieder lebensfähig zu machen. Johansons Werk ist mehr als nur eine Sanierung, es ist ein wahres Kunstwerk. Die Skulpturen aus rotem Ton ziehen Passanten an und schaffen gleichzeitig Mikrolebensräume für kleine Tiere und Pflanzen. Die Skulpturen bilden einen Weg über das Wasser und ermöglichen es den Fußgängern, die Tierwelt zu beobachten. 

Patricia Johanson, Leonhardt Lagoon, 1985 (Foto © Patricia Johanson)

Dieses Hybrid aus Kunst und Natur mit dem Namen Leonhardt-Lagune ist das Ergebnis einer gründlichen Forschung. Es stellt eine perfekte Synthese aus der ästhetischen Reflexion monumentaler Skulpturen und wissenschaftlichen Studien zur Wiederherstellung eines gesunden und nachhaltigen Ökosystems dar. Das Werk ermutigt die Wildtiere mit Erfolg zur Rückkehr und zieht gleichzeitig neugierige Betrachter an.

Ein weiteres bedeutendes Beispiel für die Bewegung der Rekultivierungskunst: Tree Mountain, A Living Time Capsule, von der Künstlerin Agnès Dénes, deren Werke sich mit Umweltfragen befassen. Ihre Installationen untersuchen die Wechselwirkungen zwischen Mensch und Natur. Die Künstlerin schuf einen kleinen Berg und pflanzte mit Hilfe von 11.000 Menschen 11.000 Kiefern, um Land zurückzugewinnen, das durch den Abbau von Ressourcen zerstört worden war. Dieses Projekt wurde auf dem Umweltgipfel in Rio de Janeiro am 5. Juni 1992 als Beitrag Finnlands zur Linderung der Umweltbelastung vorgestellt.

Tree Mountain ist das größte Werk, das Kunst und Natur auf internationaler Ebene verbindet. Das Projekt, dessen Ende nicht absehbar ist, hat ein viel edleres Ziel als die Feier des menschlichen Egos! Dieses Projekt ist mehr als ein Kunstwerk, es ist ein Vermächtnis für künftige Generationen. 

Recycelte Kunst und Schneekunst: Neue Methoden der Gestaltung

Dürre, Entwaldung, steigende Wasserstände, Waldbrände.. Unser Planet ist anfälliger denn je für diese Verwüstungen. Viele zeitgenössische Künstler versuchen, die Öffentlichkeit für diese Umweltprobleme zu sensibilisieren. Was wäre besser geeignet als die Kunst, eine universelle Sprache, um auf dieses Thema aufmerksam zu machen? 

Es ist unmöglich, den weltberühmten Künstler Olafur Eliasson nicht zu erwähnen. Er ist der Meister experimenteller Installationen, die von Naturphänomenen inspiriert sind, wie z. B. sein berühmtes The Weather Project.

Vik Muniz ist bekannt für die Wiederverwendung von Abfall und Recyclingpapier in seinen Werken. Papier, Zigarettenstummel, Magnete, Spielzeug… Muniz ist in der Lage, jeden Gegenstand in ein raffiniertes Medium zu verwandeln. Tatsächlich sind viele Künstler an der Wiederverwendung von Gegenständen interessiert, um Kunstwerke zu schaffen.

Vik Muniz, Fragment in Four Dimensions (Blue and Green), 2017 und Five Rips, 2018

Ein weiteres Beispiel ist Guerra De La Paz, ein Kollektiv von zwei kubanischen Künstlern. Alain Guerra und Neraldo de la Paz verwenden alte Kleidung, um ihre Skulpturen zu schaffen. Ihre Werke sind beeindruckend und zeigen die Verschwendung unserer Konsumgesellschaft gegenüber der Modeindustrie. Eine sehr kreative Art, die Botschaft zu vermitteln!

Andere, wie Simon Beck, finden noch mehr Wege, um das ökologische Bewusstsein zu schärfen. Der britische Kartograf und Cartoonist erfand Anfang der 2000er Jahre die Schneekunst. Mit seinen Schneeschuhen zeichnet er Formen in den Schnee und filmt sie mit einer Drohne. Mit seinem künstlerischen Ansatz warnt er vor der Fragilität der Umwelt und will das Bewusstsein schärfen. Seine Arbeit wurde jedoch aufgrund einiger Lawinenwarnungen und schlechter Wetterbedingungen unterbrochen.

Künstler engagieren sich für die Umwelt

Die Land Art war die erste künstlerische Bewegung, die die Zerbrechlichkeit der Natur zum Ausdruck brachte. Seitdem sind Künstler durch Wüsten und Gebirge gereist, um isolierte Orte für ihre Installationen zu finden. Manchmal verwandeln sie verschmutzte Orte oder verändern Landschaften durch das Versetzen von Felsen. Auch wenn ein ökologischer Grund nicht bei allen Land-Art-Künstlern sofort ersichtlich ist, so ist ihre Herangehensweise doch immer von dem Wunsch geprägt, natürliche Räume zu schaffen, was wiederum ihren Werken einen Sinn verleiht.

Heute sind die ökologischen Ansätze in Bezug auf Kunst und Natur sehr vielfältig. Von der Bewusstseinsbildung bis zur militanten Aktion sind Darstellungen ökologischer Themen auf Kunstmessen und in Ausstellungen allgegenwärtig. Mit ihrer Arbeit versuchen die Künstler, das öffentliche Bewusstsein zu schärfen, um eine bessere Welt zu schaffen, in der die Menschheit in Harmonie mit der Umwelt lebt.