Kunstwerke, die man im Louvre gesehen haben muss (neben der Mona Lisa)

Begeben Sie sich auf eine Reise durch die Zeit und erfahren Sie mehr über die fesselnden Geschichten hinter einigen der bemerkenswertesten Kunstwerke des Louvre. Von antiken Statuen bis zu Meisterwerken der Renaissance bietet jedes Kunstwerk einen einzigartigen Einblick in die menschliche Erfahrung. Begleiten Sie uns auf eine Entdeckungsreise zu den verborgenen Schätzen, die jenseits der berühmten Mona Lisa darauf warten, entdeckt zu werden.

1. Unbekannter Künstler, Die Ain Ghazal Statue, zwischen 7200 & 6250 vor J.-C

Diese Statue befindet sich in der Abteilung für Vorderasiatische Altertümer, nachdem sie in den 1980er Jahren bei archäologischen Ausgrabungen in der Nähe von Amman, Jordanien, an der neolithischen Stätte „Aïn Ghazal“ entdeckt wurde. Sie stammt aus der neolithischen präkeramischen Periode, aus dem 7. Jahrtausend vor Christus.

Dieses aus Gips für den Körper und Bitumen für die Augenlider und Pupillen gefertigte Kunstwerk wurde auf einem Rahmen aus geflochtenen Faserseilen montiert. Sein Zweck bleibt rätselhaft: Es könnte zur Verkörperung von Vorfahren verwendet worden sein, was mit der Entdeckung von Schädeln an der gleichen archäologischen Stätte übereinstimmt. Es könnte auch ein Ritual- oder Kultobjekt gewesen sein. Ganz allgemein könnte es sich um eines der ersten Anzeichen für die Idee handeln, die Erinnerung an eine Person durch das Material Gips zu verewigen.

2. Antonio Canova, Amor und Psyche, 1787-1793

Antonio Canova, ein herausragender neoklassizistischer Bildhauer des 18. Jahrhunderts, wird für seine Fähigkeit gerühmt, die Anmut und Schönheit der griechischen Antike in der italienischen Schule wieder aufleben zu lassen.

Nehmen Sie sich die Zeit, die Zärtlichkeit und Sinnlichkeit dieses erhabenen Marmorkunstwerks von Canova zu genießen. Es wurde durch die legendäre Geschichte der Liebenden von Apuleius inspiriert. Diese Darstellung fängt den Moment ein, in dem die Liebe, verkörpert durch Amor, sich anschickt, Psyche zu küssen und sie aus ihrem tiefen Schlaf zu erwecken. Canova verewigt die Zuneigung und die Sinnlichkeit des Paares in Marmor, was durch den Abstand zwischen den Gesichtern noch unterstrichen wird und die unendliche Zartheit dieses schwebenden Augenblicks einfängt.

Die Legende von Amor und Psyche erzählt die Geschichte einer Prinzessin namens Psyche, deren Schönheit die Eifersucht der Liebesgöttin Venus erregt. Venus weist ihren Sohn Amor an, sie in den hässlichsten Menschen zu verlieben. Amor selbst verliebt sich jedoch in Psyche und versteckt sie in einem verwunschenen Palast. Trotz ihrer Liebe ist es Psyche nicht erlaubt, Amors Gesicht zu sehen. Nachdem sie diese Regel gebrochen hat, muss Psyche Prüfungen bestehen, um wieder mit ihrem Geliebten vereint zu werden. Amor erweckt sie mit einem Kuss wieder zum Leben, und die Götter gewähren ihnen ewige Liebe.

Canova stellt die pyramidale Komposition der Skulptur geschickt dar, indem er Stabilität schafft und gleichzeitig den Figuren eine auf- und absteigende Dynamik verleiht und so die Begegnung zwischen dem Göttlichen und dem Menschlichen symbolisiert. Die Subtilität dieser Skulptur liegt in der Art und Weise, wie sie den Blick des Betrachters auf den Brennpunkt der Skulptur lenkt, den Kuss, der in der Mitte des von den beweglichen Armen gebildeten Kreises hervorgehoben wird.

3. Gregor Erhat, Heilige Maria Magdalena, 1515 / 1520

Gregor Erhart, der in Ulm, in Deutschland in eine Holzschnitzerfamilie hineingeboren wurde, erhielt seine Ausbildung zum spätgotischen Bildhauer in den Werkstätten seines Vaters Michael Erhart.

Es ist unmöglich, beim Vorbeigehen nicht von der Pracht dieser Statue aus Lindenholz fasziniert zu sein. Die Skulptur verbindet die anmutige Gelassenheit und die sanften Züge der süddeutschen Tradition mit den üppigen weiblichen Formen der Renaissance. Maria Magdalena steht in einer Kontraposthaltung, bei der das Gewicht ihres Körpers auf einem einzigen Bein ruht.

Bei der Frau mit dem anmutigen Körper und dem verführerischen Haar handelt es sich nicht um einen Engel, sondern um die bekannte biblische Sünderin Maria Magdalena. Nachdem sie Jesus Christus vergeben hat, zieht sie sich in eine Höhle zurück und ist bis auf ihr Haar entkleidet, wie es auf dieser Skulptur dargestellt ist. Diese Darstellung hat im Laufe der Zeit verschiedene Veränderungen erfahren: 1525, während der protestantischen Reformation, wurden ihrem Gesicht Tränen hinzugefügt, um ihren Status als Sünderin zu betonen. Zwei Jahrhunderte später wurde ihre Nacktheit verurteilt und sie wurde mit Kleidern bedeckt. Dieses Kunstwerk hat eine fast profane Konnotation erhalten.

4. Marie-Guillemine Benoist, Porträt einer schwarzen Frau, 1800

Marie-Guillemine Benoist wurde schon früh von ihrem Vater ermutigt, ihr künstlerisches Talent zu entwickeln. Mit dreizehn Jahren wurde sie zu Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, der berühmten Porträtmalerin, geschickt, um ihr Können zu vervollkommnen.

Dieses ikonische Kunstwerk ist ein Tor zur Geschichte der Kunst und der Repräsentation und strahlt eine ansprechende Schönheit aus, die über Klischees hinausgeht. Es wurde im Jahr 1800 geschaffen und zeigt eine schwarze Frau, die für den Künstler posiert. Diese innovative Darstellung zerschlägt die Rassenklischees der damaligen Zeit, da sie die Schönheit und Einzigartigkeit der schwarzen Frau hervorhebt. Über das Modell Madeleine ist nur wenig bekannt. Sie wurde im 18. Jahrhundert in Guadeloupe geboren und wahrscheinlich von den Kolonisten versklavt.

In einer Zeit, in der Künstlerinnen selten waren und sich auf konventionelle Sujets (z. B. Blumensträuße) beschränkten, brach Marie-Guillemine Benoist, eine freigeistige Frau, mit diesem Porträt den Rahmen. Die Abschaffung der Sklaverei, die sechs Jahre zuvor (1794) vom Konvent beschlossen worden war, spiegelt sich in der subtilen Farbgebung des Gemäldes in Blau, Weiß und Rot wider.

Sie war ein Modell von rätselhaftem Charme, das die Kontraste zwischen ihrer schwarzen Haut und der strahlend weißen Kleidung, die für den neoklassischen Stil charakteristisch ist, meisterhaft beherrschte.

Dieses Kunstwerk wurde in dem Musikvideo „Apeshit“ von Beyoncé und Jay-Z gefeiert, das im Louvre aufgenommen wurde.

5. Théodore Géricault, Das Floß der Medusa, 1818 / 1819

Théodore Géricault, einer der führenden Vertreter der französischen Romantik, ist bekannt für sein feuriges, unruhiges Temperament und für sein Meisterwerk Das Floß der Medusa, das die Historienmalerei des 19. Jahrhunderts völlig verändert hat.

Lassen Sie sich von einer Szene mitreißen, die sich auf der Leinwand entfaltet und ein echtes Schiffsunglück vom 2. Juli 1816 zeigt. Die Fregatte La Méduse mit etwa 150 Passagieren an Bord sank vor der Küste Mauretaniens. Die Überlebenden wurden auf ein Floß gezwungen und mussten dreizehn Tage lang durch den Atlantik treiben, geprägt von Konflikten, Verzweiflung und sogar Kannibalismus. Nur fünfzehn wurden schließlich gerettet.

Dieses Gemälde zeichnet sich durch eine dreieckige Komposition aus sich überschneidenden Dreiecken aus, deren Spitzen zu einem helleren Himmel mit einer schweren Atmosphäre zeigen. Manche sehen in der Figur des „Mohren“, der ein Tuch schwenkt, eine Allegorie für den Freiheitskampf der afrikanischen Nationen und unterdrückten Völker. Das ferne Schiff und das Licht am Horizont spiegeln den Traum von einer besseren Zukunft wider und stehen im Kontrast zu der anhaltenden Tragödie im Vordergrund.

Es lassen sich verschiedene Haltungen erkennen: die Resignation derjenigen, die sich zurücklehnen und dem Licht den Rücken zuwenden, die Hoffnung derjenigen, die ihre Arme nach dem rettenden Schiff ausstrecken, und die Kapitulation der erschöpften Körper.

Dieses Kunstwerk verkörpert den romantischen Klassizismus und fängt gleichzeitig die Grausamkeit und Verzweiflung der menschlichen Erfahrung in einem Moment der Krise ein.

6. Jean Jacques Feuchère, Satan, 1833

Der in Paris geborene Jean-Jacques Feuchère wuchs in der Werkstatt seines Vaters, eines begabten Ziseleurs, auf. Ohne eine Bildhauerschule zu besuchen, erwarb er seine Fähigkeiten in der Praxis an der Seite von Meistern.

Erleben Sie die fesselnde Anziehungskraft von „Satan“, einem Kunstwerk, das über die traditionellen Darstellungen des Teufels hinausgeht und eine von Melancholie und Geheimnissen geprägte Reflexion bietet. Feuchère hat sich ganz der romantischen Bewegung verschrieben und sich dabei von biblischen und faustischen Bezügen inspirieren lassen. Der Satan befindet sich in einer nachdenklichen Haltung, den Ellbogen auf das Knie gestützt, das Kinn auf die Hand gestützt, eine Haltung, die an den romantischen Dichter auf der Suche nach dem Sinn erinnert.

Weit entfernt von der üblichen monsterhaften Darstellung erscheint Feuchères Satan verstörend menschlich, mit einem attraktiven Körperbau und einem Ausdruck von Traurigkeit. Diese Herangehensweise spiegelt das Interesse der romantischen Künstler an verfluchten Figuren wider, in denen der Teufel die dunkle Seite der Menschheit verkörpert, sowohl tragisch als auch mitleiderregend.

Feuchère verleiht dem Satan eine psychologische Tiefe und veranschaulicht den Zweifel und die Verzweiflung eines gefallenen Wesens auf der Suche nach Erlösung. Diese Darstellung symbolisiert nicht nur den menschlichen Zustand, der durch den ursprünglichen Zusammenbruch gekennzeichnet ist, sondern auch das Dilemma des Künstlers, der durch seine Schöpfung die vom Schöpfer auferlegten Grenzen in Frage stellt und sich gleichzeitig mit seinen eigenen Unsicherheiten auseinandersetzt.

7. Houdon, Diana, die Jägerin, 1790 – Ein Symbol der Stärke

Jean-Antoine Houdon, ein berühmter französischer Bildhauer des 18. Jahrhunderts, war für seine Fähigkeit bekannt, die Realität mit großer Finesse darzustellen.

Lassen Sie sich von der zeitlosen Eleganz und Anmut des Meisterwerks „Diane chasseresse“ von Jean-Antoine Houdon verzaubern. Die Göttin der Jagd, des Krieges und der Nacht in der römischen Mythologie ist eine eindrucksvolle Darstellung einer jungen Frau in Bewegung, die die Mondsichel trägt und Pfeil und Bogen hält.

Houdon entschied sich für die Darstellung der Jägerin Diana in nacktem Zustand, eine kühne Entscheidung, wenn man bedenkt, dass traditionell nur Diana im Bad auf diese Weise dargestellt wurde. Der Künstler rechtfertigt seine Wahl der Nacktheit damit, dass die Nacktheit der Götter mit ihren perfekten Körpern im Gegensatz zur menschlichen Nacktheit nicht unanständig ist.

Diese Bronzeskulptur wird häufig der neoklassizistischen Bewegung zugeschrieben, da das Gesicht der Antike treu bleibt und das für den Klassizismus typische reine, leidenschaftslose und einschüchternde Aussehen aufweist.

8. Georges de la Tour, Der Betrüger mit dem Karo-Ass, 1636 / 1640

Georges de la Tour, ein französischer Maler des 17. Jahrhunderts unter Ludwig XIII., ist berühmt für seinen Realismus und die Verwendung von Licht und Schatten. Dieses emblematische Kunstwerk zeigt eine Szene, die die Versuchungen der damaligen Zeit widerspiegelt: Glücksspiel, Wein und Lust.

Die Spielszene ist wie eingefroren und fängt einen Moment der Spannung ein, während sie „la prime“ spielen, einen Vorläufer des Pokerspiels. Es zeigt einen jungen Mann, prächtig gekleidet, der in seine Karten vertieft ist, während eine Frau mit einem verführerischen Busen, eine Kurtisane, mit ihrem Blick und ihrer Geste auf der linken Seite der Komposition die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Ein anderer Spieler im Schatten betrügt diskret und versteckt ein Karo-Ass hinter seinem Gürtel. Zwischen den beiden bietet das Dienstmädchen Wein an und vervollständigt so das Bild mit einer Atmosphäre der Täuschung und der Verführung.

Die Komposition ist durch zwei diagonale Linien strukturiert, die den Betrug, die Komplizenschaft zwischen dem Dienstmädchen und der Kurtisane und die naive Beute des Hauptdarstellers betonen.

Das Erbe des Louvre: Neugierde für die unendlichen Schätze der Kunst wecken

Wenn wir die großen Säle des Museums verlassen, nehmen wir eine neue Wertschätzung für die Kraft von Kunstwerken mit, die Zeit, Sprache und Kultur überwinden und unser Leben auf eine Weise bereichern, die wir nie für möglich gehalten hätten.
Die riesige Sammlung des Louvre lässt uns jedoch mit einem unstillbaren Durst nach mehr zurück. Welche anderen außergewöhnlichen Kunstwerke würden Sie auf Ihre Liste setzen?