Objekte in der zeitgenössischen Kunst

Haben Sie sich schon einmal wie in einem Luxus-Antiquariat gefühlt, als Sie kürzlich durch die Gänge einer Kunstmesse liefen? Die Gegenstände sehen sich erschreckend ähnlich, zusätzliche Nullen auf der Rechnung beiseite geschoben: Toilettenpapier, Geschirrstapel, Staubsauger, sogar Sexspielzeug… Diese trendigen Kunstevents sind vollgepackt mit Krimskrams und Objekte, die wir täglich benutzen, ohne zu wissen, dass es sich dabei um Kunstmaterial handelt.

Ein Kunstwerk zu kaufen, das aus Objekte besteht, die man im Supermarkt für das Zehnfache kaufen kann, ist für viele von uns verwirrend. In der Regel folgen zwei Arten von Reaktionen: Wut oder ein völliger Selbstzweifel an der eigenen Urteilsfähigkeit. Halten die mich für dumm? Oder: Wer bin ich, um zu sagen, dass es nicht doch Kunst ist?

Wie sind wir zu einem so fortgeschrittenen Zustand der Misskommunikation zwischen Kunst und Publikum gekommen? Artsper gibt Ihnen einige Anhaltspunkte, um den Stellenwert von Objekten und ihre Entwicklung in der modernen und zeitgenössischen Kunst seit dem 20. Jahrhundert zu verstehen.

Ready-Made und Pop-Art

Der Ursprung dieses Phänomens liegt bekanntlich bei Marcel Duchamp, der ein Pissoir nahm, es auf den Kopf stellte und als „Brunnen“ bezeichnete: Das war der Beginn des „ready-made“. Auf diese Weise verwandelte der Künstler einen gewöhnlichen Produktionsgegenstand in ein Kunstwerk. Die Objekte werden nicht mehr „dargestellt“, wie es in klassischen Gattungen wie dem Stillleben der Fall war, sondern dem Publikum direkt „präsentiert“.

Paradoxerweise läutete dieser Akt auch die Ära der Konzeptkunst ein, obwohl die Kunstwerke immer „materialistischer“ wurden: Duchamp befreite die Künstler von der Pflicht, Kunst zu „machen“, um sich auf die konzeptionelle Arbeit dahinter zu konzentrieren. Duchamp hat nichts im klassischen Sinne „gemacht“: Er wählte lediglich ein bereits hergestelltes Objekt aus und entfremdete es von seiner ursprünglichen Funktion und seinem Rahmen. Für Duchamp öffnete die Herauslösung eines Objekts aus seinem üblichen Funktionszusammenhang die Tür zu symbolischen Darstellungen, die mit der Form der Objekte verbunden sind.

Der Schöpfungsakt wird somit vom „Know-how“ des Künstlers auf die reine Idee des Werks verlagert, und der Künstler kann die tatsächliche Herstellung des Werks sehr wohl delegieren, solange sie nach seinem Plan und seinen Anweisungen ausgeführt wird. In der Kunst sind die Folgen dieser Revolution in zeitgenössischen Künstlerfabriken wie der von Damien Hirst oder Jeff Koons mit ihren Heerscharen von Assistenten gut sichtbar.

Einige Jahrzehnte später, in den 1950er Jahren, machte die Pop-Art-Bewegung die Konsumgesellschaft zum Hauptthema ihrer Kunst und nutzte Duchamps Verdrehung von Gegenständen weg von ihrer utilitaristischen Funktion als Schlüsselmethode.

2. Neuer Realismus

Ein weiteres Jahrzehnt später trug Duchamps Revolution weitere Früchte und führte zum Neuen Realismus: eine Kunstbewegung, die sich ausschließlich auf die Anhäufung, Wiederverwertung und Verdichtung von Objekten konzentrierte. Sie wurde 1960 gegründet und versammelte Künstler wie Yves Klein, Arman, Jean Tinguely, César und Jacques de la Villeglé.

Diesen Künstlern war die Verwendung von aufgetürmten, zusammengesetzten oder komprimierten Objekten gemeinsam, die sie als Relikte unserer Gesellschaft entlarvten. Entfremdet von ihrer ursprünglichen Funktion regen sie uns zum Nachdenken über unseren Lebensstil und unsere Konsumgewohnheiten an.

Die Künstler des Neuen Realismus beschreiben ihren Ansatz als poetisches Recycling der urbanen, industriellen und werbetechnischen Realität. Das Wort „Realismus“ bezieht sich dabei auf die literarische Bewegung des 19. Jahrhunderts, deren Ziel es war, die Realität zu beschreiben, ohne sie zu vergrößern.

3. Aktuelle Themen der zeitgenössischen Kunst

Mehr denn je treten heute zahlreiche zeitgenössische Künstler in Duchamps Fußstapfen, treiben aber seine ursprüngliche Geste auf die Spitze, was viele Fragen zum Status von Kunst und Künstlern aufwirft.

Als Damien Hirst 2002 ein Regal mit echten Pillen füllte, um einen seiner berühmten „Pillenschränke“ zu schaffen, wiederholte er lediglich Duchamps Geste von vor weniger als einem Jahrhundert. Nichts allzu Revolutionäres also! Außer, dass in der zeitgenössischen Kunst die Beziehung zwischen dem Künstler und dem Kunstschaffen immer lockerer wird. Marcel Duchamp gab seiner Schwester einst die Anweisung, ein von ihm erdachtes Ready-made herzustellen. Aber heute ist diese Methode weit verbreitet, und die Star-Künstler des Marktes sind zu echten Unternehmern geworden, die Kunstfabriken betreiben: Ein Team von Assistenten kümmert sich um die Herstellung der Werke in mehr oder weniger limitierter Auflage nach den Anweisungen des Künstlers.

Der problematische Status der Kunstwerke und Objekte ist nicht nur eine Frage, die von den drei Weltkünstlern Damien Hirst, Jeff Koons und Takashami Murakami aufgeworfen wird. Das Werk des kubanisch-amerikanischen Künstlers Felix Gonzalez Torres mit dem Titel „Untitled“ (Portrait of Ross in L.A.) tut dies auf eine andere Weise. Dieses Werk besteht aus einem Haufen Süßigkeiten, die in einer Zimmerecke ausgestellt sind. Die Besucher sind eingeladen, sich selbst zu bedienen, obwohl der Stapel ständig aufgefüllt wird. Definitionsgemäß existiert das Stück an sich nicht, da die Bonbons von den Besuchern aufgegessen und dann durch neue ersetzt werden. Wenn also ein Museum das Werk ausstellt, stellt es es nach den Anweisungen des Künstlers nach, was pragmatisch bedeutet, dass es einen Vorrat an Bonbons im Supermarkt kauft und sie in einer Ecke aufstapelt.

Hier werden die Begriffe Authentizität und Urheberschaft zutiefst in Frage gestellt: Bedeutet der Autor eines Werks nur derjenige zu sein, der die Idee dazu hatte? Warum betrachten wir nicht auch den Assistenten von Damien Hirst, der sein Punktbild gemalt hat, oder den Kurator, der die Bonbons aufgestapelt hat, als Künstler? Was ist denn heute ein authentisches Kunstwerk? Und was ist ein gefälschtes Kunstwerk, wenn das Original gar nicht mehr vom Künstler hergestellt wird?

Die Künstler von heute..

Paradoxerweise gewinnen in einer Zeit, in der es immer schwieriger wird, zu bestimmen, was Kunst ist und was nicht, die Namen von Künstlern auf dem Kunstmarkt immer mehr an Wert und Macht: Die Herstellung von Kunstwerken macht niemanden mehr zum Künstler, im Gegenteil, es ist das Gegenteil der Fall. Wer sich selbst als Künstler bezeichnet, produziert also Kunstwerke. Es würde heute ziemlich absurd erscheinen, ein zeitgenössisches Kunstwerk eines unbekannten Künstlers zu bewundern, während wir dies in Museen mit antiker oder klassischer Kunst ständig tun.

Da in vielen Fällen die künstlerische Qualität eines Werks nur schwer zu bestimmen ist, bleibt als sicherer Wert nur der Name des Künstlers. Diese Situation erklärt die gegenwärtige „Brandmarkung“ der zeitgenössischen Künstler und natürlich die Verbreitung von Verträgen und Echtheitszertifikaten in der Kunstwelt.

Konnte Duchamp ahnen, dass das Kunstwerk hinter dem Namen des Künstlers verschwinden würde, als er selbst seinen Brunnen mit einem Spitznamen signierte? Schwer zu sagen… Aber seine Idee, Objekte aus ihrer Gebrauchsfunktion herauszulösen, hat sicherlich den Weg zu den Extravaganzen der heutigen Welt der zeitgenössischen Kunst geebnet.