6 bedeutende Collage-Künstler von den 20er Jahren bis heute

Die Collagekunst spielt mit dem schmalen Grat zwischen Kopie und Montage und stellt die Vorstellung einer originellen Kreation in Frage. Dennoch ist diese Praxis, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand, sehr innovativ, da sie eine Vielzahl von Zusammenstellungen ermöglicht. Pablo Picassos Nature Morte à la chaise cannée wird als die erste Collage der Kunstgeschichte angesehen. In diesem Gemälde, in dem das Wachstuch des Stuhls nicht abgebildet ist, sondern ein Muster auf das Werk geklebt wird, ist es das erste Mal, dass ein Künstler ein flaches Produkt in sein Werk integriert. Die Collage war geboren! Seitdem hat sich das Medium weiterentwickelt. Es gibt sogar Künstler, die mit Lebensmitteln spielen. Hier sind 6 ihrer bemerkenswertesten Vertreter.

1. Kurt Schwitters

Der deutsche Maler, Bildhauer und Dichter Kurt Schwitters, der der Dada-Bewegung nahe stand, war einer der Vorläufer dieser Strömung, die darauf abzielte, reale Objekte in die Kunst zu integrieren. Nachdem er aus dem Berliner Dada Club ausgeschlossen wurde, gründete Schwitters 1919 seine eigene Bewegung. Sie bestand darin, die Malerei durch den Müll der städtischen und industriellen Gesellschaft zu ersetzen. Er gab ihr den Namen „Merz“, nach seiner Serie von Bildern mit dem Titel Merzbilder, ein Begriff, der ohne ersichtlichen Grund (wie „Dada“) aus dem Wort „Kommerzbank“ gebildet wurde. Später erweiterte Schwitters seinen Ansatz über die Leinwand hinaus und schuf einen ganzen „Merz“-Raum in seinem Haus in Hannover, der nach und nach zum „Merzbau“ wurde.

2. Hannah Höch

Hannah Höch, ebenfalls eine Dada-Künstlerin, verarbeitete „Damenarbeiten“ wie Schnipsel, Schnittmuster und andere Materialien zu einer abstrakten und humorvollen Collage. In Anlehnung an die Collagen von Picasso und Schwitters setzte Höch diese Kunstform ein, um die Weimarer Republik zu kritisieren. Als Vorreiterin des Feminismus waren ihre Kunstwerke auch ein Mittel, um den grassierenden Machismo ihrer Zeit anzuprangern. So machte sie sich einen Spaß daraus, die Vertreter der amtierenden Regierung mit Spitzenkragen auszustatten und die Schönheitsideale, die bereits in der Werbung auftauchten, zu unterwandern.

3. Barbara Kruger

Barbara Kruger, eine postmoderne Künstlerin, die nicht mehr wegzudenken ist, betrat die Kunstszene mit ihrem inzwischen kultigen Werk: Untitled: Your Body Is a Battleground (Ohne Titel: Dein Körper ist ein Schlachtfeld) aus dem Jahr 1989. Nach ihrem Abschluss an der renommierten Parsons School of Design begann sie ihre Karriere als Grafikdesignerin für die Zeitschrift Mademoiselle in New York. Von 1960 bis 1970 interessierte sie sich neben dieser Tätigkeit für Poesie, Malerei und Fotografie. So entwickelte sie nach und nach ein originelles Verfahren, bei dem sie Bilder aus der amerikanischen Presse der 1950er Jahre mit provokativen Botschaften gegenübergestellt. Ihre Werke sind ein echter Kommentar zur Konsumgesellschaft.

4. Richard Hamilton

Richard Hamiltons legendäres Werk Just What Is it that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? (1956) zeigt ein halbnacktes Paar in einem Wohnzimmer, das mit allen Utensilien des amerikanischen Durchschnittshaushalts der 50er Jahre ausgestattet ist. Hamilton war ein wichtiger Vorläufer der Pop Art und einer der ersten, der den Begriff der schönen Künste in Frage stellte und stattdessen eine populäre Ikonographie in den Vordergrund stellte. So war er daran interessiert, moderne Darstellungen von traditionellen Themen zu schaffen. In Pin-up auf der gegenüberliegenden Seite beispielsweise wird das Thema des Aktes in ein neues Gewand gekleidet: die Haare haben einen „Cartoon“-Look, die Brüste sind dreidimensional gezeichnet und der BH ist eine Collage aus einer Fotografie.

5. Peter Beard

Der amerikanische Künstler Peter Beard hat eine sehr persönliche Form der Collage entwickelt: Pferdehaare, Teile von Alligatorhäuten, sein eigenes Blut. Elemente, die nicht aus der Populärkultur, sondern aus Beards eigenen Leben stammen, werden in einer Tagebuch-ähnlichen Ästhetik nebeneinander gestellt. Als Modefotograf und großer Liebhaber des afrikanischen Kontinents hat er einen Stil der Fotocollage geschaffen, bei dem seine Tusche-Schriften Fotos von nackten Models mit Giraffen und wilden Tieren aus Kenia schmücken. Als Stammgast im Studio 54 hielt Beard auch gerne die wilden Partys des New Yorks der 70er und 80er Jahre fest und lieferte uns ein Gesamtwerk voller Emotionen und persönlicher Empfindungen. Andy Warhol’s Spitzname für Peter Beard, ‚

6. Jacques Villeglé

Der französische Künstler Jacques Villeglé, der sich selbst als „Plakatmaler“ bezeichnet, führt „das Tagebuch der Straßenwelt“. Wie der Name seiner Bewegung andeutet, sammelt, klassifiziert und montiert Villeglé Fetzen von Plakaten, die er in der Stadt abhängt. Das Ziel ist es, die vorherrschende Kultur zu enthüllen und all diesen Bildern des Alltags ihren Platz in der Kunst zu geben. Auf diese Weise knüpft Villeglé an die Nouveaux Réalistes der 50er Jahre an, die ebenfalls ein populäres Werk schaffen wollten, welches  das Leben der damaligen Zeit widerspiegelt. Seine farbenfrohen abstrakten Kompositionen sind ein Kompendium „kollektiver Realitäten“, die den Betrachter dazu einladen, die Schönheit der visuellen Umgebung des städtischen Raums wiederzuentdecken.