25 Œuvres contemporaines à connaître

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Photographie en couleur représentant un homme qui étudie une oeuvre de Damien Hirst

L’art contemporain est une période généralement située pendant et après l’année 1945. De ce fait, l’art contemporain se situe depuis l’après guerre jusqu’à nos jours. Nombreux sont les styles, les genres et les approches artistiques qui se sont déroulés au cours de cette période. Ainsi, il est donc difficile de savoir par ou commencer.  C’est pourquoi, Artsper vous propose de découvrir 25 oeuvres contemporaines à connaître absolument pour comprendre l’art contemporain.

1- Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

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Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Oeuvre emblématique du pop artiste Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans illustre la société américaine de consommation et les médias de masse. De surcroît, le style d’Andy Warhol est visible au sein de son oeuvre. Grâce à la répétition de l’objet représenté, l’artiste réalise une critique de la société de consommation, cette société qui en veut toujours plus.

2- Louise Bourgeois, Maman, 1990

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Louise Bourgeois, Maman, 1990

D’une hauteur de 30 mètres et évoquant la forme de l’araignée, Maman est l’une des oeuvres emblématiques de Louise Bourgeois. L’oeuvre existe dans diverses versions, avec des matériaux divers et variés. La sculpture fût construite pour une exposition se tenant lieu à la Tate Modern et rend hommage à la mère de l’artiste morte soudainement lorsque celle-ci n’avait que 21 ans.

3- Jackson Pollock, Autumn Rythm, 1950

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Jackson Pollock, Autumn Rythm, 1950

Réalisée à l’apogée de la carrière de Jackson Pollock, Autumn Rythm est un parfait exemple de la technique de la peinture au « goutte à goutte », autrement appelé « drip painting« . Cette dernière est propre à l’artiste et l’a rendu célèbre de part son originalité. Pour réaliser ses oeuvres, Pollock se positionne debout sur sa toile et laisse tomber de la peintures diluée comme il le souhaite. Il égoutte, tapote, éclabousse, racle et verse sur sa toile. Pour l’artiste, les mouvements et les peintures en elles-mêmes conduisent son art. Cette application si singulière de la peinture est considérée comme étant la signature de l’artiste.

4- Njideka Akunyili Crosby, I still face you, 2015

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Njideka Akunyili Crosby, I still face you, 2015

Jeune artiste dynamique, Njideka Akunyili Crosby unit sa double expérience culturelle dans ses œuvres vibrantes. Après avoir passé ses années de formation au Nigeria, elle s’est installée en Amérique à l’âge de seize ans et vit et travaille maintenant à Los Angeles. Ses pièces intensément personnelles unissent ses influences vibrantes, avec des peintures à l’acétone plus  » traditionnelles  » superposées à des décors complexes, qui sont souvent un collage d’extraits de la culture populaire nigériane.

5- Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

Conservée dans du formaldéhyde, l’oeuvre The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living de Damien Hirst est encore aujourd’hui l’une des œuvres les plus controversées de l’art contemporain. La pièce originale a été commandée par le collectionneur Charles Saatchi en 1991, mais le requin a dû être remplacé en 2004 lorsque la pièce a été vendue. De part la nature de l’œuvre, nombreux sont ceux qui se demandent si l’oeuvre de Damien Hirst devrait être considérée comme de l’art ou pas.

6- Cecily Brown, The Girl who had everything, 1998

Cecily Brown, The Girl who had everything, 1998
Cecily Brown, The Girl who had everything, 1998

Cecily Brown est connue pour ses œuvres luxuriantes et très texturées. Son art s’apparente à un mélange entre les maîtres baroques et l’expressionnisme abstrait. Ses oeuvres mêlent couleur et texture avec des suggestions de figures sexuellement explicites et des formes biomorphiques qui se détachent parmi les tourbillons abstraits qui dominent ses tableaux. En faisant simplement allusion à des formes plutôt qu’en offrant une représentation concrète, l’artiste force le spectateur à examiner correctement les tableaux, à partir desquels les images érotiques nagent pour se concentrer.

7- Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965

Image décorative: 25 Œuvres contemporaines à connaître absolument: Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965
Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965

Yayoi Kusama a été décrite comme étant l’une des artistes les plus excentriques de notre temps. Son travail est psychédélique, hallucinatoire et elle utilise des motifs et des répétitions pour jouer avec le concept de l’infini. Infinity Mirror Room est une installation immersive conçue pour engloutir le spectateur/participant dans un sentiment écrasant d’infini et de possibilité. Yayoi Kusama décrit sa vie comme « un petit pois perdu parmi des milliers de petits pois », et c’est ce sentiment d’être perdue parmi les foules sans fin qu’elle essaie d’évoquer au sein de ses œuvres.

8- Keith Haring, Sans Titre, 1982

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Keith Haring, Sans Titre, 1982

Ce tableau résume le style Pop Art de Keith Haring, avec des figures dynamiques et une composition simpliste. Depuis ses débuts en tant que graffeur dans le métro de New York, Keith Haring a commencé sa carrière avec ses figures et motifs immédiatement reconnaissables. L’un de ses symboles les plus couramment représente est le cœur. Il s’est servi de son travail pour vulgariser des messages importants sur la sexualité et le sida à une époque où la stigmatisation et le tabou entourant ces sujets étaient encore importants.

9- Jean-Michel Basquiat, Sans Titre, 1981

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Jean-Michel Basquiat, Sans Titre, 1981

Cette œuvre vibrante et dynamique, peinte alors que Jean-Michel Basquiat n’avait que vingt ans, présente une sorte d’énigme aux critiques d’art. Parfois appelée « Crâne » d’après la forme du visage, cette composition complexe soulève certainement plus de questions qu’elle n’apporte de réponses. S’agit-il d’un crâne représenté ou d’un visage à moitié formé ? Le tableau représente-t-il la vie ou la mort ? Certains se demandent même s’il ne s’agit pas d’une sorte d’autoportrait de l’artiste.

10- Jenny Saville, Propped, 1992

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Jenny Saville, Propped, 1992

Le tableau qui a donné le coup d’envoie de la carrière de Jenny Saville (et qui est devenu l’œuvre d’art la plus chère d’une artiste féminine vivante vendue aux enchères) est un autoportrait saisissant. Saville s’est fait un nom avec ses portraits de grandes tailles (souvent des autoportraits) montrant des femmes qui ne se conformaient pas aux normes sociales de la beauté, mais qui reflètent les femmes telles qu’elles sont vues par elles-mêmes. Son maniement distinctif des peintures à l’huile et ses tons chauds de chair rappellent Lucian Freud et Francis Bacon.

11- Banksy, Girl with Balloon, 2002

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Banksy, Girl with Balloon, 2002

Ce graffiti aujourd’hui emblématique est apparue pour la première fois sur le pont Waterloo à Londres, bien qu’il ait été repeint depuis. Cette oeuvres fût réalisée de nombreuses fois pour soutenir diverses campagnes politiques, notamment la crise des réfugiés syriens de 2014. En 2018, une copie encadrée de l’œuvre a été déchiquetée spontanément lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s grâce à un dispositif que Banksy avait lui-même installé dans le cadre. Il ré-intitule l’oeuvre déchiquetée, Love is in the Bin. La femme qui avait acheté l’estampe pour un prix record a décidé de procéder à la vente.

12- Tracey Emin, My Bed, 1998

Tracey Emin, My Bed, 1998
Tracey Emin, My Bed, 1998

My Bed, comme son nom l’indique, est une reconstitution du lit défait de l’artiste. Tracey Emin prétend que cette idée lui est apparue après une longue période de dépression causée par des difficultés relationnelles et d’alcoolisme. Remise de sa dépression, elle fût dégoûtée par les détritus qui s’étaient accumulés dans sa chambre et a décidé de les exposer. L’œuvre a été nominée pour le prix Turner, ce qui a suscité une énorme controverse quant à sa qualification en tant qu' »art ».

13- Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961

Image décorative: 25 Œuvres contemporaines à connaître absolument: Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961

Avec Look Mickey, Roy Lichtenstein représente pour la toute première fois de sa carrière une scène et un style appartenant à la culture populaire, un geste qui va devenir sa signature. Sa reconstitution d’une scène préexistante, jusqu’à la bulle de discours, en a amené plus d’un à qualifier la pièce d’affront aux beaux-arts. Néanmoins, ce style unique finit par le rendre célèbre. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des précurseurs du mouvement Pop Art.

14- Takashi Murakami, Flower Ball, 2002

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Takashi Murakami, Flower Ball, 2002

Murakami s’est d’abord formé à l’art traditionnel japonais du Nihonga, avant d’être frustré par l’élitisme associé à ce genre. Il a inventé le terme « superflat » au début des années 2000 pour décrire l’héritage de l’art 2D dans la culture japonaise grâce à un long héritage d’animé et de manga, mais aussi pour s’adresser à la société japonaise d’après-guerre. Murakami prétend que les hommes font peu de distinction entre culture « haute » et « basse ».

15- David Hockney, Portrait of an Artist ( Pool with two Figures), 1972

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David Hockney, Portrait of an Artist ( Pool with two Figures), 1972

Considérée comme l’œuvre d’art la plus chère d’un artiste vivant jamais vendue aux enchères, Portrait of an Artist est l’une des images les plus iconiques de l’œuvre de David Hockney. L’oeuvre est réalisée grâce à deux photographies dont la mise en scène a été réalisée par l’artiste. Par la suite, ce dernier peint après avoir vu ces deux photographies. La première version de l’oeuvre fût détruite.Cependant, il repeindra durant deux semaines une deuxième version en 1972.

16- Dorothea Tanning, Door 84, 1984

Dorothea Tanning, Door 84, 1984
Dorothea Tanning, Door 84, 1984

Cette oeuvre de Dorothea Tanning marque le début d’une évolution et d’un passage du surréalisme figuratif à des compositions plus abstraites grâce à des traits lâches, dynamiques et des couleurs vives. Ce passage est représenté grâce à la texture, à la dynamique et aux couleurs vives. L’artiste réalise son oeuvre avec de la peinture à huile et un segment de porte. Il ne s’agit pas de l’une des oeuvres les plus connues. En effet, l’artiste est surtout connus pour ses oeuvres Birthday (1942) et Eine Kleine Nachtmusik (1943). Néanmoins, l’oeuvre illustre un moment clé dans la carrière artistique de Dorothea Tanning. C’est sans doute l’une de ses peintures les plus audacieuses et les plus frappantes.

17- Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994

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Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994

L’ancien négociant de Wall Street, Jeff Koons, est un personnage très controversé dans le monde de l’art. Il a déclaré qu’il n’y a pas de signification ou de message plus profond derrière ses oeuvres. De surcroît, il emploie un atelier afin de donner vie à ses visions. Il ne créé donc pas lui-même ses oeuvres. Ainsi pour ces raisons, beaucoup sont ceux qui se demandent si ses sculptures peuvent légitimement être qualifiées d’art. Ses Ballon dogs métalliques font partis de ses œuvres les plus reconnaissables.

18- Marc Chagall, Ceiling of Paris Opéra Garnier, 1964

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Marc Chagall, Ceiling of Paris Opéra Garnier, 1964

Le plafond de l’Opéra Garnier à Paris est certainement l’une des œuvres les plus célèbres de Chagall. Elle a été très polémique depuis sa mise en service jusqu’à son inauguration en 1964. En effet, les différents panneaux ont été assemblés sous la protection d’une garde militaire. Cette pièce vibrante est considérée comme le reflet du statut de Chagall en tant que  » l’un des grands coloristes de notre temps  » et contient des références à des compositeurs et artistes célèbres à travers l’histoire. 

19- Frida Kahlo, Autoportrait, 1948

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Frida Kahlo, Autoportrait, 1948

Cet autoportrait frappant est le dernier que Frida Kahlo a réalisé. Autoportrait est la seule œuvre d’art réalisée par l’artiste au cours de l’année 1948 en raison de problèmes de santé de plus en plus graves. Sur cette oeuvre, Frida Kahlo porte un costume traditionnel de Tehuana avec une collerette en relief encadrant son visage et remplaçant son habituel arrière-plan orné et naturel. La netteté de son visage et de son expression faciale accentue l’émotion saisissante. De surcroît, les larmes sur le visage de l’artiste sont tout à fait évidentes.

20- Lucian Freud, Reflection, 1985

Lucian Freud, Reflection, 1985
Lucian Freud, Reflection, 1985

Lucian Freud est connu pour ses représentations de figures montrée exactement comme il les perçoit. Tout son travail est autobiographique et tous ses autoportraits ont été réalisés à l’aide de miroirs. Cette oeuvre est un parfait exemple de son célèbre style artistique, chaque ligne et chaque défaut de son visage et de sa peau sont visibles. Le petit-fils du psychanalyste Sigmund Freud est considéré par beaucoup comme étant un artiste dépeignant ses sujets de façon brutale. Il offre ainsi au public un aperçu de leur esprit et de leur monde.

21- Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007

Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007
Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007

En 2007, le petit ami de Sophie Calle met fin à leur relation par un courriel. Ce dernier se terminait par les mots « prenez soin de vous ». L’artiste distribue, quelques temps plus tard, ce courriel à 107 femmes, choisies pour leur profession, et leur demande d’interpréter ses paroles. Parmi les réponses, on trouve des critiques linguistiques, des analyses juridiques, des interprétations de danse, des codages, et même un court métrage d’un cacatoès qui mange lentement la note imprimée. Les différentes réponses sont réunies dans cette extraordinaire exploration des relations et de la vulnérabilité.

22- Antony Gormley, Angel of the North, 1998

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Antony Gormley, Angel of the North, 1998

Antony Gormley est connu pour ses statues anthropomorphiques. Ces dernières sont souvent basées sur des moulages de son propre corps. Angel of the North est l’une des œuvres les plus connues de l’artiste. L’oeuvre se situe à Gateshead au Royaume-Uni. Elle a été réalisée en quatre ans et 800 000 livres sterling ont été nécessaire pour la construire. Les ailes sont légèrement inclinées vers l’intérieur pour suggérer une étreinte. De surcroît, la sculpture est destinée à représenter le temps qui passe. Ainsi, l’oeuvre représente le passé, le présent et l’avenir de la terre sur laquelle elle se trouve.

23- Ai Weiwei, Remembering, 2009

Image décorative: 25 Œuvres contemporaines à connaître absolument: Ai Weiwei, Remembering, 2009
Ai Weiwei, Remembering, 2009

L’artiste chinois Ai Wei Wei a créé cette oeuvre frappante afin de rendre hommage aux enfants victimes d’un tremblement de terre. Ce dernier se déroula en 2008 dans la province du Sichuan. Particulièrement dévastateur, le tremblement de terre fait s’effondrer plusieurs écoles. Ces dernières sont mal construites et entraînent la mort de plusieurs centaines d’enfants. L’œuvre de grande envergure est composée de 9 000 sacs à dos d’élèves. Le spectateur peut lire en caractères chinois « elle a vécu heureuse dans ce monde pendant sept ans ». Cette phrase est une citation d’une mère endeuillée au sujet de son enfant perdu. 

24- Francis Bacon, Trois études de Lucian Freud, 1969

Image décorative: 25 Œuvres contemporaines à connaître absolument: Francis Bacon, Trois études de Lucian Freud, 1969
Francis Bacon, Trois études de Lucian Freud, 1969

Vendu en 2013, ce triptyque est devenu l’œuvre la plus chère d’un artiste britannique. Il représente l’ami et rival de l’artiste, Lucian Freud. L’agencement des couleurs est dynamique. Francis Bacon souligne l’importance de ne pas séparer les trois études, et ceux pour n’importe quelle raison.

25- Mark Rothko, Orange, Rouge, Jaune, 1961

Mark Rothko, Orange, Rouge, Jaune, 1961
Mark Rothko, Orange, Rouge, Jaune, 1961

En 2012, Orange, Red, Yellow bat les records des maisons de ventes aux enchères lors de sa vente. Connu pour ses compositions géométriques, abstraites et aux couleurs vives, Mark Rothko suscite autant de critiques que de louanges. Mark Rothko réalise des oeuvres de très grands formats. Pour l’artiste, son oeuvre doit être « très intime et humaine ». Il recommande aux spectateurs de se tenir à dix-huit mètres de ses œuvres afin de vivre pleinement l’intimité et la transcendance entre l’oeuvre et le public.

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