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Dans une époque traumatisée par les ravages de la Première Guerre mondiale, de nombreux artistes ont cherché à créer une nouvelle réalité, pour trouver un sens au monde qui les entourait. Très inspirés par les théories de la psychanalyse, les Surréalistes se sont servi de leurs rêves et de leur subconscient dans leurs démarches artistiques en peinture comme en photographie ou même en sculpture. Dans cet article, découvrez des peintures surréalistes iconiques mais aussi des œuvres moins connues, qui ont toutes contribué à enrichir ce mouvement phare de l’histoire de l’art.
Bien que Salvador Dalí ait eu une relation tumultueuse avec le groupe des surréalistes, le peintre espagnol demeure l’un des artistes surréalistes les plus célèbres aujourd’hui. Les montres molles de La Persistance de la mémoire constituent un incontournable dans l’œuvre de Dalí. Pourtant, celle-ci est bien loin de se limiter à cette seule peinture. Son œuvre Rêve causé par le vol d’une abeille autour d’une grenade, une seconde avant l’éveil est un exemple remarquable de l’apogée de l’art surréaliste. Le titre, long et complexe de l’œuvre, lui confère un caractère psychanalytique. Comme beaucoup de surréalistes, Dalí était fasciné par les rêves et les théories de Freud à propos du conscient et du subconscient. Dans cette œuvre évoquant un paysage maritime, Dalí a représenté une scène inspirée d’un rêve de Gala, sa femme et sa muse. L’atmosphère globale rend l’ensemble à la fois menaçant et fascinant.
Les mots humoristique de Magritte « ceci n’est pas une pipe », au-dessous d’une pipe très réaliste ne sont pas anodins, en particulier au lendemain de la Première Guerre mondiale. Dans cette œuvre, l’artiste met le doigt sur l’écart entre l’image et la signification. Ainsi, les mots ne veulent pas forcément dire ce qu’ils représentent. Les artistes surréalistes ont plaidé pour une déconstruction du langage. Les images de Magritte, d’apparence simples, déclenchent néanmoins des pensées surprenantes. Son utilisation décalée du langage et surtout sa façon de mélanger le texte et le visuel étaient assez révolutionnaires pour l’époque et inspirèrent de nombreux artistes conceptuels à la fin du 20e siècle.
C’est une des grandes artistes femmes du surréalisme, malheureusement trop peu connue. La peintre américaine Leonora Carrington était une créatrice audacieuse. Elle a d’ailleurs réussi à s’établir comme une figure clé du surréalisme, malgré les discriminations de ses pairs masculins. Les surréalistes, dans l’ensemble plutôt misogynes, considéraient la femme davantage comme un désir ou un objet sexuel que comme leur semblable. Heureusement, des femmes comme Leonora Carrington ont décrit des expériences profondes à propos des femmes, en particulier le rôle de celles ci dans des sociétés dominées par les hommes. Dans cet auto-portrait, elle explore sa féminité en créant une mimésis d’elle-même avec une hyène, s’identifiant à la nature rebelle de cet animal.
Le Carnaval d’Arlequin est considérée comme l’une des plus importante peintures surréalistes de la carrière artistique de Joan Miró. La peinture a été exposée pendant l’exposition collective « Peintures Surréalistes » en 1925 à la galerie Pierre à Paris. Des artistes majeurs du mouvement surréaliste comme Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso ou Max Ernst ont également présenté leurs œuvres aux côtés de celle de Miró. Cette peinture est inspirée d’une hallucination de l’artiste, alors qu’il connaissait des difficultés économiques et avait du mal à joindre les deux bouts. Il dira « J’ai essayé de traduire les hallucinations que la faim produisait. Je ne peignais pas ce que je voyais en rêve, comme diraient aujourd’hui Breton et les surréalistes, mais ce que la faim produisait : une forme de transe ». Le fouillis apparent d’objets est en fait le fruit d’une composition méticuleuse, comme le prouvent les croquis préparatoires de Miró.
L’artiste surréaliste Max Ernst était radicalement opposé aux arts académiques. Il souhaitait révolutionner totalement l’approche du grand public vis à vis des arts. Inspirée par la pièce de théâtre absurde d’Alfred Jarry Ubu Roi, la peinture Ubu Impérator représente le pouvoir et l’oppression d’une façon satirique et ironique. Dans un paysage vide, « l’empereur » est représenté avec un buste anthropomorphe entouré d’une armure rouge et des mains humaines qui expriment la surprise. Le sommet sur lequel il est perché incarne l’idée d’un équilibre instable. Une métaphore suggérant que l’autorité est loin d’être permanente et peut être renversée à tout moment. L’association de ces divers éléments crée une image absurde et grotesque de l’autorité.
L’artiste surréaliste américaine Kay Sage a représenté dans ses œuvre des scènes surréalistes qui semblent hantées et fantomatiques. Comme le montre sa peinture I Saw Three Cities, son travail est très différent de celui des autres femmes surréalistes. Son univers est resté obscur, impénétrable, pessimiste et nihiliste tout au long de sa carrière. Dans cette peinture, elle associe la fluidité d’une draperie, imitant les esthétiques du grec ancien, avec des formes géométriques très affutées. Ce contraste crée une tension entre modernité et art classique.
Cette peinture à l’huile représente des objets banals, rassemblés pour former ce qui semble être un chevalet d’artiste. Yves Tanguy utilisait les recherches à propos de la conscience pour créer ses œuvres. Il avait ainsi déclaré « la peinture se développe sous mes yeux, dévoilant des surprises au fur et à mesure de sa progression ». La peinture de Tanguy cherchait à susciter des émotions plutôt que de donner des explications. Kay Sage était l’épouse de Yves Tanguy. Bien qu’ils aient travaillé indépendamment, leurs atmosphères étranges se sont sans aucun doute influencées mutuellement.
Varo Uranga était une artiste féministe et anarchiste espagnole, associée au mouvement surréaliste. Intéressée par l’ancien et le mystique, elle s’est efforcée de créer une conscience collective féminine pour lutter contre l’oppression patriarcale. Varo a souvent dénoncé les associations répandues et réductrices de femmes avec des éléments de la nature. Par exemple, son œuvre Celestial Pablum représente une femme emprisonnée dans une tour médiévale. Elle est accompagnée de la lune, elle aussi mise en cage. Les femmes sont souvent associées à cet astre pour symboliser la fertilité et la maternité, ce que l’artiste dénonce comme étant particulièrement réducteur. En outre, de nombreuses peintures surréalistes de Varo ont pour thème l’univers céleste. En effet, elle était persuadée que l’art et les sciences étaient intimement liés.
Le peintre italien Giorgio de Chirico est considéré comme l’un des précurseurs du surréalisme. Il était d’ailleurs particulièrement apprécié dans le cercle parisien dédié à ce mouvement. Bien qu’elle ait été peinte 10 ans avant le Manifeste surréaliste d’André Breton, son œuvre surréaliste La Chanson d’Amour est l’un des premiers exemples de peinture surréaliste. Son caractère spécial réside dans l’association d’objets étranges. L’immense gant de chirurgie, le buste classique et la balle créent un sentiment d’incompréhension et de mystère. Comme le terme surréaliste n’avait pas encore été défini à l’époque où Chirico a réalisé sa peinture, celle-ci a été caractérisée de métaphysique.
Dorothea Tanning, décédée en 2012, a finalement reçu la reconnaissance qu’elle méritait. Le Tate Modern de Londres consacre en 2019 une exposition à cette artiste féminine. Une douce musique de nuit est l’une de ses peintures surréalistes les plus célèbres. Celle-ci a visiblement été inspirée par ses peurs d’enfants et cauchemars. Des éléments surnaturels, comme un tournesol géant et des poupées à taille humaine créent une atmosphère étrange dans le corridor noir de l’hôtel, où prend vie cette peinture.
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