Kunstwerk-Analyse: Nighthawks von Edward Hopper

Große Kunst ist der äußere Ausdruck des inneren Lebens des Künstlers, und dieses innere Leben führt zu seiner persönlichen Vision der Welt. – Edward Hopper

Edward Hoppers Nighthawks wurde 1942 fertiggestellt und fängt das Paradoxon der Einsamkeit im städtischen Leben ein. Hoppers Meisterwerk ist eine existenzielle Krise an sich, in der eine Gruppe von Menschen der isolierenden Stille von New York City zum Opfer fällt. Es ist nicht nur eines der bekanntesten, sondern auch eines der zugänglichsten Gemälde der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Artsper erforscht die nostalgischen Tiefen dieses modernen Meisterwerks für Sie..

Die einsame Realität von Amerika

Grelles Neonlicht fällt auf die dunklen Straßen von New York City, während vier vermeintlich Fremde um den Tresen eines Spätrestaurants sitzen; physisch nah und doch psychologisch meilenweit voneinander entfernt. Das Wesen der menschlichen Verletzlichkeit pulsiert wie eine freigelegte Ader in Hoppers Meisterwerk und fängt die alles verzehrende Einsamkeit des modernen Lebens ein. Noch bevor Smartphones jeden Versuch echter menschlicher Interaktion verdrängten, zeigt Hoppers ikonisches Gemälde unsere Unfähigkeit, in den frühen 1940er Jahren miteinander in Kontakt zu treten.

Trotz der fehlenden Reflexion eines leuchtenden Telefondisplays bleiben die Blicke der Gäste leer, unkonzentriert und unerfüllt. Nighthawks schildert nicht nur die bittere Entfremdung, die das Leben in einer Großstadt mit sich bringt, sondern auch die Paranoia, die die Vereinigten Staaten nach dem Angriff auf Pearl Harbor 1941 erfasste. Die Angst vor einem zweiten Angriff überschattete die Stadt ebenso wie die häufigen Stromausfallübungen, denen New York und seine Bewohner ausgesetzt waren. Wir als Betrachter werden zu stummen Voyeuren, die die versteinerten Mienen von Hoppers unnahbaren Personen durch das Fenster beobachten. Da es keine Tür gibt, um das Diner zu betreten, bleiben wir draußen und verkörpern die unterrepräsentierte Rolle des einsamen New Yorkers, der von phosphoreszierenden Farben geblendet wird.

Die Bedeutung der Komposition

Hoppers einzigartige Komposition erlaubt es dem Betrachter, die Motive sowohl von vorne als auch im Profil zu sehen, wodurch die Melancholie, die die nächtlichen Einzelgänger verzehrt, hervorgehoben wird. Die kantige Natur dieses modernistischen Meisterwerks erinnert schmerzhaft an die fast bedeutungsvollen Interaktionen zwischen den Personen, die ständig unterbrochen oder ignoriert werden. Hände, die sich fast berühren, Augen, die sich fast treffen, Münder, die fast sprechen: Hoppers intime Szenerie bringt die entfremdende Realität des Lebens im Big Apple perfekt auf den Punkt.

Die Wahrheit hinter der rothaarigen Frau

Jo Hopper, die Frau von Edward Hopper, ist die rätselhafte rothaarige Frau, die am Tresen sitzt. Sie stand nicht nur Modell für das Gemälde, sondern führte auch ein detailliertes Tagebuch über jedes von Hoppers Werken. Ihre Rolle als Hoppers persönliche Kunsthistorikerin könnte sogar den Namen des Gemäldes inspiriert haben, in dem sie einen der Männer auf dem Gemälde als „Nachtschwärmer in dunklem Anzug, stahlgrauem Hut, schwarzem Band, blauem Hemd mit Zigarette“ beschreibt.

Der Standort des Diner

Das Diner auf Hoppers Gemälde basierte offenbar auf einem realen Lokal in Greenwich Village, dessen Existenz jedoch nach wie vor umstritten ist und zu heftigen Diskussionen führt. Das Diner, das heute leer steht, soll sich zwischen zwei Straßen befunden haben: der Greenwich Avenue und der Seventh Avenue South.

Möglicherweise ein Zufall, vielleicht aber auch eine bewusste Entscheidung Hoppers, denn die Wahl einer Kreuzung spiegelt die Leere zwischen räumlicher Nähe und dem Unvermögen wider, im modernen urbanen Klima eine emotionale Verbindung herzustellen.

„Wahrscheinlich unbewusst„, so erklärte Hopper einmal, „habe ich die Einsamkeit einer großen Stadt gemalt.“