10 gesellschaftlich engagierte, ikonische Fotografien

Eine sozial engagierte Fotografie ist eine echte Waffe der Kritik, die den Betrachter verstört, beeinflusst und in Frage stellt. Ihre Aufgabe ist es nämlich, mit größtmöglicher Transparenz eine rohe Wahrheit einzufangen, die die Realität am besten ungefiltert wiedergibt. Diese Fotografien lassen dem Betrachter daher die Freiheit, sie zu interpretieren. Sie fangen ein, zeigen und weisen still, aber auch friedlich auf einen Moment hin, um eine starke Botschaft zu vermitteln. Viele Fotografen begeben sich täglich an die vier Enden der Erde oder an die Ecke ihrer Straße, wo Elend, soziale Ungleichheit und Gewalt den Alltag einiger Menschen prägen. Artsper hat 10 sozial engagierte Fotografien für Sie ausgewählt. Von Vietnam über New York bis hin zu Madagaskar – entdecken Sie einen anderen Zugang zur Fotografie!

1. JR: eine Hommage an die Frauen

Der französische Street-Art-Künstler und passionierte Fotograf JR wuchs in einem Vorort von Paris auf. Schon sehr früh wurde die Straße zum Ausdrucksmittel und zum bevorzugten Spielplatz des Künstlers. Seine einzigartige künstlerische Handschrift liegt in den monumentalen Dimensionen seiner anonymen Schwarz-Weiß-Fotografien. Ausgestellt auf den Dächern der Stadt, in den Barackensiedlungen oder an den Wänden der Favelas von Rio de Janeiro, sind diese Gesichter exponiert und drängen sich dem Betrachter auf. Sie werden zu Teilnehmern an den kreativen Projekten des Künstlers und zu Trägern seiner Botschaft. Diese sozial engagierten Porträts greifen aktuelle politische und soziale Themen auf und hinterfragen auch den Begriff der Identität, der sich wie ein roter Faden durch JRs Arbeit zieht.

Die Tiefe, die vom Blick dieser Frau ausgeht, hindert uns daran, den Blick abzuwenden. Wir bleiben wie dieses Kind, erstarrt, allein und ohnmächtig, angesichts der Emotionen, die diese Frau durch ihren einfachen Blick vermittelt. Das Foto stammt aus einer Aktion aus dem Jahr 2008: „28 Millimeter, Frauen sind Helden“. Im Herzen der brasilianischen Favelas von Rio de Janeiro sind ganze Häuserblocks mit markanten Gesichtern bedeckt. JR möchte den Frauen Tribut zollen, die in unserer Gesellschaft einen entscheidenden Platz einnehmen, denen aber durch Krieg, Religion und geopolitische Konflikte ein normales Leben verwehrt wird.

Im Jahr 2009 beschloss JR, sein Projekt auf die Grenzen Kambodschas auszuweiten. Er prangerte die übermäßige Zersiedelung der Hauptstadt, die Überbebauung von Immobilien und die Gentrifizierung an. Er beleuchtete den täglichen Kampf dieser Frauen. Sie kämpfen gegen die Enteignung ihrer Lebensräume, wie zum Beispiel in der Barackensiedlung Day Krahorn am Rande von Phnom Penh.

2. Leila Alaoui: ein Sinnbild für eine unbequeme Wahrheit

Sand, so weit das Auge reicht, die Unendlichkeit der Wüste und dieses Kind, das allein mit verschränkten Armen vor der Kamera steht. Die Fotografin Leila Alaoui hält diesen Moment hinter einem Zaun aus Eisenstangen fest. Hier versucht sie, zwei fremde Welten zu trennen und zu konfrontieren. Die erste ist die westliche Welt, reich, frei und besitzergreifend, aber passiv. Die zweite ist die, in der das Kind lebt, das tägliche Leben im Elend, in der Einsamkeit, in der Enteignung. Es ist, als sei das Kind eingesperrt, gefangen in diesem trockenen Land, ohne Leben und Hoffnung. Die vom Fotografen gewählte Anordnung konfrontiert uns mit der Einsamkeit dieses Kindes, aber sie erzwingt auch eine gewisse Distanz, ein Symbol für unsere Unfähigkeit, einzugreifen. 

Leila Alaoui (1982-2016) ist eine französisch-marokkanische Fotografin und Videokünstlerin, die sich dem Fotojournalismus verschrieben hat. Sie ist überzeugt, dass sozial engagierte Fotografie eine starke Botschaft vermitteln kann. Eine Botschaft, die unsere Gesellschaft auf möglichst authentische Weise hinterfragen und reflektieren sollte. Ihre Arbeit dreht sich hauptsächlich um verschiedene soziale Themen wie kulturelle Identitäten und Vielfalt, das Schicksal von Flüchtlingen, Migration und die Vertreibung von Bevölkerungsgruppen. 

3. Pierrot Men: Fotografie als Fragmentbericht des Lebens

Die Elemente, die uns in diesem sozial engagierten Bild sofort auffallen, sind Solidarität, Einigkeit, aber vor allem die Würde dieser beiden Männer, die trotz des Sturms weiterarbeiten. Der Fotograf verkörpert hier einen Reporter, der die Gesten dieser Männer aufmerksam beobachtet, als sei er von der Authentizität und Schönheit des Augenblicks gefesselt. Diese Ausschnitte aus dem Leben strahlen eine fast befreiende Einfachheit des Lebens aus, die von einem Gefühl der Fülle durchdrungen ist. 

Madagaskar, die Heimat des Fotografen Chang Hong Men, bekannt als Pierrot Men, ist für ihn ein nahrhaftes Land, aus dem sich der Großteil seiner Arbeit speist. Die Werke von Pierrot Men sind in der Tat eine perfekte Koexistenz zwischen Fotojournalismus und den Fotografien des Autors. Sie appellieren an die Sensibilität desjenigen, der sie entschlüsselt. Zwischen Humanismus, Bescheidenheit und Finesse erzählen sie uns vom täglichen Leben dieser Männer. Ein einfaches, ungekünsteltes Leben, das so weit von unserem westlichen Alltag entfernt ist. 

4. Taysir Batniji: im Zentrum des israelisch-palästinensischen Konflikts

2001, Gaza, die ersten Monate der Zweiten Intifada. Ein auf zwei Fäden aufgespannter Stoff trocknet in der Sonne in den menschenleeren Straßen der Stadt. Darunter haben zwei Plastikstühle Zuflucht gefunden, die vor der unerträglichen Hitze geflohen sind. Auf dieser sozial engagierten Fotografie gibt es kein Lebenszeichen, die Menschheit ist abwesend. Und doch scheint das Leben weiterzugehen, zumindest zu existieren, ruhig, fast lautlos. Hinter dieser großen weißen Wand sind Porträts von „Verschwundenen“, „Märtyrern“ und „Opfern“ angebracht. Auf den Mauern von Gaza, die seit der ersten Intifada (1987-1993) zum einzigen Informationsmittel geworden sind, weisen Slogans und Graffiti auf das Leid der Bewohner hin. Nach und nach löscht der Lauf der Zeit diese Gesichter, diese Worte, diese Erinnerungen, diese Hoffnungen aus und reißt sie fort. Die Existenz jeglicher Art von Vergangenheit und Erinnerung verschwindet wie von der Zeit weggefegt.

Taysir Batniji ist ein französisch-palästinensischer Fotograf. In dieser geografischen Mitte angesiedelt, schöpft er seine Inspiration aus seiner subjektiven Geschichte. Seine Arbeiten zeigen mit Zerbrechlichkeit und Poesie die schmerzhafte Geschichte, in der sein Land, Palästina, versunken ist. Die 2001 begonnene Fotoserie „Gaza Walls“ zeigt das Phänomen des „doppelten Verschwindens“ auf: das der Menschen und das der Erinnerung.

5. Samuel Cueto: Der Träumer

„Dreamer“ (Träumer) ist der Titel, den Samuel Cueto, ein Straßenporträtist, zur Illustration dieser Fotografie gewählt hat. Es ist dieser unerreichbare, fast utopische Traum von einem besseren Leben, den der Fotograf einfängt. Samuel Cuetos Porträts zeugen in der Tat von der Situation der Zurückgebliebenen. Die Unsichtbaren, die weit weg von allem leben, weit weg von der Stadt, weit weg von der Hoffnung. Aus den Arbeitervierteln dieses „vergessenen“ Frankreichs stammend, lässt Samuel Cueto einen autobiografischen Touch in seinem Werk durchscheinen, aber auch eine Hommage an diese beschädigten und authentischen Wesen, denen niemand mehr Aufmerksamkeit zu schenken scheint.

Der verlorene und müde Blick dieses jungen Mannes scheint in der Zeit stehen geblieben zu sein. Seine Fassungslosigkeit und die Abwesenheit in seinem Blick verleihen der Szene einen Eindruck von Zeitlosigkeit. Dieses „Menschenkind“ wirkt noch unschuldig, aber es ist eine gewisse Reife und eine große Sorge um eine bessere Zukunft zu spüren. Die traurige und ungerechte Realität in den Arbeitervierteln ist in diesem Foto abzulesen. Samuel Cueto betont aktuelle Themen: die Akzeptanz des „Anderen“ in seiner Andersartigkeit, seiner Lebenserfahrung und seiner Herkunft. In seinem Werk spiegelt sich der Gedanke des Determinismus und des sozialen Schicksals wider. Das familiäre Erbe zwingt uns zu einem Leben, das wir uns nicht ausgesucht haben, was uns daran hindert, uns in der sozialen Hierarchie weiterzuentwickeln. 

6. Carolyne Drake: Stoppt das Klischee, indem Sie Fotos machen 

Die nordamerikanische Fotografin Carolyne Drake war schon immer von der Idee der „Gemeinschaft“ fasziniert. Indem sie mit ihrer Kamera die wechselseitigen Abhängigkeiten erforschte, die eine Gruppe von Menschen bestimmen, lernte sie, deren Interaktionen zu analysieren, aber auch die Verbindungen und Barrieren, die Menschen oder Orte vereinen oder trennen können. Im Jahr 2014 wird sie in ihre Heimatstadt Vallejo in der San Francisco Bay Area zurückkehren. Einst die Hauptstadt Kaliforniens, führte die Schließung der Île-Mare-Werft im Jahr 1996, die ein unverzichtbarer Faktor für die wirtschaftliche Dynamik der Stadt war, zu jahrelangem Konkurs und Elend. Im Jahr 2014 wird sie ein langfristiges Projekt in Angriff nehmen, das unsere Vorstellung von Gemeinschaft in Frage stellt.

Ein Freiwilliger trägt einen Wagen zurück zum Parkplatz. Wir können dieses Foto auf unterschiedliche Weise interpretieren, was die Arbeit von Carolyne Drake sehr interessant macht. Wir können es als eine Metapher für die wirtschaftliche und soziale Gefangenschaft dieses Mannes betrachten. Der Wagen hindert ihn daran, vorwärts zu kommen und sich von seinen Handlungen zu befreien. Carolyne Drake hinterfragt hier unsere Tendenz, eine Person oder eine Gemeinschaft aufgrund ihrer historischen oder wirtschaftlichen Vergangenheit zu stigmatisieren. Durch dieses Klischee stellt sie die Vorurteile dar, die mit ihrer Stadt Vallejo verbunden sind. Sie bietet uns auch eine zweite, optimistischere Lesart über die Gemeinschaft, die dort lebt und die dafür gekämpft hat, weiterhin dort zu leben. 

7. Newsha Tavakolian: Spiegelung der finsteren Realität

Diese iranische Frau steht allein in der Mitte eines verlassenen Parkplatzes. Ein Plexiglaswürfel umschließt ihr mit einem schwarzen Hidschab bedecktes Gesicht. Der Kontrast zwischen der Ausdehnung des Parkplatzes, der sich in die Unermesslichkeit der dahinter angedeuteten Wüste erstreckt, und der minimalen Größe des Würfels unterstreicht die Isolation dieser Frau, die Inkohärenz und Unlogik ihres Zustands. Ihr Blick scheint von einem Gefühl der Entmutigung durchdrungen zu sein. Es scheint, als sei sie amorph geworden und ihrer eigenen Situation fremd. Die sozial engagierte Fotografin Newsha Tavakolian hinterfragt hier mit viel Feingefühl den Begriff der Wahlmöglichkeit, des Eingesperrtseins. Diese Frauen, der Stimme und der Freiheit beraubt, sind in einem Leben gefangen, das sie sich nicht ausgesucht haben, unter dem sie aber dennoch leiden und das sie nicht mehr akzeptieren oder tolerieren wollen. 

Newsha Tavakolian, eine iranische Fotografin, ist für ihre fotojournalistische Arbeit bekannt. Sie hat über den Kampf der Frauen in den Guerillas in Irakisch-Kurdistan, Syrien und Kolumbien sowie über die religiösen, sozialen und politischen Probleme in diesen Ländern berichtet. Nach und nach wandte sie sich der Fotografie als Kunstform zu, um den Menschen eine Stimme zu geben, die ihrer grundlegenden Menschenrechte beraubt sind.

Diane Airbus: Immersive Fotografie, eine Stimme der Underdogs

Auf diesem Foto aus dem Jahr 1990 steht ein kleines Mädchen mit Down-Syndrom in einem Schwimmbecken. Ihre Badekappe mit kindlichen Motiven lässt vermuten, dass es sich um ein kleines Mädchen wie jedes andere handelt. Ein Kind, das wie alle anderen gerne ins Schwimmbad geht und seine hübsche Badekappe aufsetzt. Ihre natürliche Haltung und das Glück, das von ihrem Gesicht ausgeht, stellt unsere Intoleranz gegenüber anderen Menschen in Frage. Warum sollte dieses kleine Mädchen, das so glücklich zu sein scheint, nicht jeden Tag seines Lebens so fühlen dürfen? Welches Recht haben wir, zu entscheiden, was sie tun kann und was nicht? Wo sie hingehen darf und wo nicht?

Die amerikanische Fotografin Diane Arbus (1923-1971) hat im Laufe ihrer Karriere eine wahre zeitgenössische Anthropologie unserer Gesellschaft geschaffen. Sie interessierte sich für Menschen, die als „ungewöhnlich“ gelten, und machte sich Gedanken über die Gesellschaft, die uns umgibt. Sie fotografierte Fremde, die sie zufällig in den Straßen von New York traf. Menschen am Rande einer Gesellschaft, die die Gesellschaft ablehnt, die sie versteckt. Darunter Menschen mit geistiger Behinderung, Transsexuelle, Menschen mit Kleinwuchs, Zwillinge, Transvestiten und all diese Personen, die als „Jahrmarktsphänomene“ gelten. Durch ihre Bilder will sie uns dazu bringen, Unterschiede zu akzeptieren.

Sim Chi Yin: ein furchterregender Augenzeuge

Horden von chinesischen Urlaubern drängen sich im Wellenbad des Caribbean Water Park in Chongqing, einem der beliebtesten Wasserparks in China. Das ist es, womit uns Sim Chi Yin konfrontiert. Die weltbekannte chinesische Künstlerin jongliert in ihrem Werk zwischen einer dokumentarischen Betrachtung der Gesellschaft und einer intimen Erzählung. Sim Chi Yins Dokumentation der Strand- und Urlaubskultur in China ist eine Mise en abyme der heutigen chinesischen Gesellschaft. Eine Gesellschaft, deren Arbeitskultur oft als brutal und wettbewerbsorientiert angesehen wird, gleichbedeutend mit langen Arbeitszeiten für wenig Urlaub. 

Das Gefühl, das sich bei diesem Foto sofort einstellt, ist zweifellos Unterdrückung, das Gefühl des Erstickens. Das sozial engagierte Bild, das Tausende von übereinander gepferchten Menschen zeigt, die nach der kleinsten künstlichen Welle Ausschau halten, weist mit dem Finger auf eine Gesellschaft, in der die Gesundheit und Hygiene des Einzelnen in den Hintergrund treten. In China ist das Gleichgewicht zwischen Arbeit und Privatleben prekär. Chinesen aus den unteren sozioökonomischen Schichten eilen instinktiv zu den Wasserparks, die ihrem Wohnort am nächsten liegen, und nutzen jede Minute dieser Kurzurlaube aus. Das Wellenbad ist für viele von ihnen das Gefühl, dem Ozean am nächsten zu sein. Ihr Leben ist von harter Arbeit geprägt, um diese kostbaren Urlaubstage genießen zu können…

Jerome Liebling: Fotografie trifft auf soziales Bewusstsein

An einem Ostermorgen in Harlem trifft Jerome Liebling auf einen kleinen Jungen in einem seltsamen Outfit: ungebundene Schnürsenkel, zerschlissene Hosen und ein verwitterter Tweed-Mantel. Mit den Händen in den Taschen öffnet das Kind seinen Mantel weit, als wolle es die Flucht ergreifen. Liebling verewigt die Szene, die zum berühmten „Butterfly Boy“ wird. Dieses sozial engagierte Bild eines geflügelten Superhelden, der dieser elenden Welt entfliehen kann, wird zu einer echten Ikone und erscheint auf öffentlichen Plakaten und Billboards in New York, Paris, Amsterdam, Tokio und anderen Orten.

Jerome Liebling (1924-2011), ein amerikanischer Fotograf, Filmemacher und Lehrer, wuchs in ärmlichen Verhältnissen im Stadtteil Bensonhurst in Brooklyn auf. Als Zeuge der Gräueltaten des Zweiten Weltkriegs, die er während seines Dienstes in der Segelflugzeug-Infanterie miterlebte, erklärte er später, dass er „verstand, wo der Schmerz war …“. Zwei künstlerische Persönlichkeiten prägten sein Werk. Sein Design-Professor Ad Reinhardt schärfte seine Sensibilität und der Fotograf Walter Rosenblum öffnete ihm die Augen für die Kraft des fotografischen, sozial engagierten Bildes. 1947 schloss sich Liebling „The Photo League“ an, einem Kollektiv sozial aufgeschlossener Fotografen, die durch New York ziehen, um die verborgenen Winkel der Stadt zu verewigen. Für Liebling sind die Kinder in den turbulenten Straßen der Stadt ein Symbol der Stärke.

Eine allgemeine Botschaft?

Dieser umfassende Überblick über diese 10 fesselnden und ikonischen Fotos bringt uns schließlich dazu, die verschiedenen Botschaften zu hinterfragen, die diese Künstler vermitteln wollen. Von Kambodscha bis zu den Vereinigten Staaten, die Botschaften sind vielfältig, die Kämpfe sind unterschiedlich, aber das Leid, das diese Menschen erfahren haben, bleibt unverändert… Eine sozial engagierte Fotografie vermittelt eine starke Botschaft und wirft ein Licht auf Menschen, die allzu oft im Schatten stehen. So enthüllen diese Fotografen durch ihre Objektive, was die Gesellschaft oder die Routine vor uns verbirgt. Über die Kraft der Denunziation hinaus öffnet die sozial engagierte Fotografie unsere Augen für die in uns verankerten Vorstellungen und Stereotypen. Vielleicht ein Mittel, um die festgefahrenen Mentalitäten der Menschen zu verändern?