LES 10 ARTISTES BRITANNIQUES LES PLUS CHERS DU MARCHE

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Depuis la Seconde Guerre Mondiale, New York est devenu le centre du monde artistique et le passage obligé pour les artistes internationaux ! Mais à côté des grandes stars américaines, parmi lesquelles on peut citer Jeff Koons, Robert Indiana ou encore Richard Prince qui défraient la chronique et font des records aux enchères, l’Europe, et plus précisément le Royaume-Uni n’est pas en reste pour ce qui est de la visibilité de ses artistes à l’international et dans les grandes maisons de ventes.

Preuve en est la publication par Artnet des dix artistes britanniques vivants les plus chers du marché sur la base des résultats de vente aux enchères des dix dernières années. Artsper et Achetez de l’Art se penchent sur les artistes d’Outre-Manche les plus courus des salles de vente. 

 

{1. PETER DOIG}

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Concrete Cabin, 1994

La peinture de Peter Doig  intitulée Swamped est l’œuvre qui a propulsé l’artiste devant Peter Doig devant Damien Hirst dans la liste des artistes britanniques les plus chers du marché et la demande pour son œuvre n’a cessé de croître au cours des dernières années.

L’œuvre a de Peter Doig est empreinte de réalisme magique et capture des moments hors-du-temps. Inspiré de ses souvenirs de sortie en canoë dans son enfance passée au Canada, ses tableaux sont peuplés de ces embarcations légères. Leur réflexion dans l’eau est souvent comme un miroir fantastique de l’inconnu.

Peter Doig est fasciné par les grands espaces où l’homme est seul face à la nature, qui est pour lui une grande source d’inspiration. L’artiste représente souvent des lieux sauvages et abandonnés où l’homme ne fait que passer. Son œuvre n’est pourtant pas descriptive et c’est d’avantage l’atmosphère qui prédomine, une atmosphère de parfaite tranquillité.

{2. DAMIEN HIRST}

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The hours spin skull, 2008

Damien Hirst a été découvert en 1988 à l’occasion de « Freeze », l’exposition qu’il avait organisé de ses œuvres et de celles de ses amis du Goldsmiths College. Un quart de siècle après, Damien Hirst est l’un des artistes britanniques les plus en vue de sa génération. Il fut exposé par le célèbre galeriste Charles Saatchi en 1992 dans les « Young British Artists » et a obtenu le Prix Turner en 1995.

L’œuvre de Hirst aborde les thèmes bruts de l’existence de manière directe et spirituelle à la fois. Elle interroge notre attitude face aux limites qui séparent désir et peur, foi et raison, amour et haine. Selon l’artiste, il y a quatre choses importantes dans la vie : l’amour, la mort, la religion et la science. Au mieux, elles ne sont que des moyens pour trouver notre chemin à travers les ténèbres, et encore, pas toujours efficaces (explique l’artiste dans une interview).

{3. GLENN BROWN}

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The Great Masturbator, 2006

Né en 1966, Glenn Brown fait également partie des “Young British Artists” aux côtés de quelques autres noms de ce top 10. Le style pictural de Glenn Brown est unique dans la mesure où toutes ses peintures, photographies ou sculptures sont basées sur des œuvres d’autres artistes qu’il transpose d’après des reproductions : portrait d’Auerbach, peintures de Fragonard, nus de Dali, ou encore paysages merveilleux de Chris Foss -pour n’en citer que quelques-uns. Sa technique est par ailleurs légendaire : il a une maîtrise de la peinture à l’huile digne des plus grands maîtres.

A partir de ces reproductions, Glenn Brown manipule et déforme les images à un point qui les rend difficilement reconnaissables. Passées sous le pinceau de Glenn Brown, ces images originales changent complètement de nature : le familier devient tout d’un coup étrange et inquiétant.

{4. DAVID HOCKNEY}

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More Felled Trees on Woldgate, 2008

David Hockney est sans doute l’un des artistes britanniques les plus connus et polyvalents du XXème siècle.

Son style se caractérise par l’usage de formes précises et froides et l’intégration de détails autobiographiques. Il commence par prendre ses sujets en photos polaroid, ou les croque rapidement, et ensuite il les transforme en peintures lisses et fondues. Il commence à utiliser l’acrylique en 1964, et à concevoir des décors de théâtre au milieu des années 70 (pour le Metropolitan Opera de New York par exemple). C’est également à cette période qu’il commence à faire des collages photo à partir de polaroids. Chaque image est une partie du tout, ce qui donne à l’ensemble l’effet d’un miroir difracté. Cette série d’œuvres est inspirée des œuvres cubistes de Picasso. Depuis 1980, il intègre également les nouveaux média dans son œuvre, et réalise des impressions multicolores et des images digitales abstraites.

{5.ANTONY GORMLEY}

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Building 1-5, 2013

Antony Gormley est connu pour ses sculptures, ses installations et ses oeuvres publiques explorant la relation du corps, de l’espace et du temps. Il n’hésite pas à utiliser son propre corps dans ses œuvres. Ces dernières années, Antony Gormley se tourne vers la création de silhouettes à partir de cubes et parallélépipèdes.

 

{6.BRIDGET RILEY}

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Catarct 3, 1967

Bridget Riley évolua du semi-impressionisme au pointillisme, avant de se tourner vers les phénomènes optiques provoquant une réaction physique de désorientation dans une approche similaire à l’op’art.

Depuis le début des années 1960, son œuvre abstraite est basée sur l’exploration des effets optiques de la couleur et de la forme. Ses œuvres tournent autour d’un vocabulaire restreint de formes géométriques et de couleurs. Elles interrogent le spectateur sur sa perception visuelle, et de là, du monde.

{7.CHRIS OFILI}

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The holy virgin Mary, 1996

Chris Ofili, qui a également été porté aux nues par l’exposition des « Young British Artists », est l’un des artistes les plus reconnus de sa génération. Ses œuvres très colorées et aux motifs ornementaux complexes lui ont valu de remporter le Prix Turner en 1998 et de représenter le Royaume-Uni pour la 50ème Biennale de Venise en 2003. Ses œuvres jouent avec les codes du sacré, du profane, des croyances et de la culture populaire. Il recourt à des mediums éclectiques comme des excréments d’éléphant, des paillettes, de la résine, ou encore des coupures de magazine.
Ces œuvres les plus récentes sont pleines de référence à des thèmes sensuels et bibliques, ou encore à la trinité et à la mythologie.

 

{8. TRACEY EMIN}

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Everyone I ever slept with (1963-1995), 1995

Tracey Emin est une autre artiste des « YBA » aux côté de Glenn Brown et Damien Hirst. Son œuvre est une exploration candide de son univers émotionnel et se voit souvent qualifié « d’art de la confession » : le spectateur est invité à découvrir les détails les plus intimes de la vie de l’artiste dévoilé sans gêne ni pudeur. A travers ses œuvres, Tracey Emin s’expose aux yeux de tous dans toute son imperfection, établissant ainsi un lien d’intimité et d’empathie avec le spectateur.

{9. FRANCK AUERBACH}

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Head of J.Y.M. No. 1, 1981

Franck Auerback est souvent comparé à Francis Bacon ou Lucien Freud pour la puissance et l’originalité de ses œuvres. Il est sans conteste l’un des peintres vivants les plus talentueux de notre époque. Son style est immédiatement reconnaissable du fait de son recours à l’empâtement, c’est-à-dire la superposition de couches épaisses de peintures donnant à ses toiles un véritables relief – ce qui nécessite souvent de les présenter à plat et non à la verticale. Par ailleurs, c’est un peintre qui ne cesse de retravailler et de recouvrir ses toiles.

Pendant plus 50 ans, il a vécu dans le même appartement de Camden Town, à Londres, qui est devenu un thème récurrent de son œuvre – avec le portrait de personnes qui lui sont proches, tels que sa femme Julia, qui peuple un grand nombre de ses toiles.

{10. ANISH KAPOOR}

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Mother as Mountain (1985)

Anish Kapoor est aujourd’hui majoritairement connu pour ses installations monumentales dans l’espace public alliant originalité du concept et défi technique : morceau de peau en PVC, mirroirs concaves ou convexes dont la réflexion attire et engloutit le spectateur. Son œuvre aborde les thèmes de la présence et de l’absence, du dévoilement et de la dissimulation en mêlant architecture, art, poésie et spiritualité. Pour lui la sculpture est une expérience à vivre et la simple représentation d’une forme.

Nombre d’institutions internationales ont déjà acquis ses œuvres comme le MoMa ou la Tate Modern de Londres.

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